Pesar por el fallecimiento de Germán Cáceres

Con profundo dolor despedimos al escritor, dramaturgo, crítico literario, de cine e historietista Germán Cáceres, quien falleció este jueves 6 de noviembre a los 87 años.

Germán Cáceres, seudónimo de Fernando Penelas, había nacido en Avellaneda el 27 de febrero de 1938, y durante muchos años llevó adelante la sección de crítica literaria en la página de la Biblioteca Popular Carlos Sánchez Viamonte, donde por supuesto dio numerosas conferencias, participó de presentaciones de libros.

Además, en varias ocasiones presentó películas en el Cineclub La Rosa y fue organizador de eventos relacionados con la historieta y la literatura infantil y juvenil, dos de los ámbitos en los que se destacó.

Como graduado en Ciencias Económicas llevó adelante la contabilidad y presentaciones legales de la Biblioteca, y durante años los de la Fundación El Libro, organizadora de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires. Allí, entre otras cosas, tuvo el agrado de conocer a uno de sus ídolos, Ray Bradbury, cuando visitó la Argentina en 1987.

Como autor publicó libros de ficción (El checo, la giganta y el enano, Frankenstina, Cuentos para mocosos y purretes, Los silencios prohibidos, Los pintores mueren del corazón, Matar una vez, El futuro que fue, Por amor al crimen, entre otros); ensayo (La aventura en América y Entre dibujos, marionetas y pixeles); y más de diez novelas juveniles (El enigma del Siambón, Elataque de los acuanautas, El detective despistado, Mi vecina es un fantasma (y su hija también) y El misterio del profesorausente, entre otras). 

También escribió siete obras de teatro (El incidente (Un episodio en la vida de Manuel Belgrano), estrenada en el Teatro Fray Mocho), y fue autor de numerosos ensayos sobre historietas (Charlando con Superman o los distintos volúmenes de su serie Evocando viñetas). Realizó la adaptación en historietas de obras de la literatura universal (Edgar Allan Poe, Mack Twain y Julio Verne, entre otros). Por esta especialidad fue invitado a distintos festivales internacionales. 

Recibió la Mención de Honor Premio Municipal en Cuento. Obtuvo cuatro Fajas de Honor de la Sociedad Argentina de Escritores (SADE): en novela, en literatura juvenil y dos en ensayo. En el año 1996, mereció la Mención de Honor en el Concurso Internacional de Ficción sobre Gardel (Uruguay). En 1999, la Secretaría de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires le concedió el 1er. Premio Especial Eduardo Mallea en ensayo. En 2002, fue premiado en el concurso de cuentos Atanas Mandadjiev (Sofía, Bulgaria), y se le otorgó el título de Gran Maestro del Relato Policial. Varios de sus libros fueron traducidos al italiano y al portugués.

Fue miembro correspondiente de la Academia de Letras e Artes do Nordeste Brasileiro y de la Unión Brasileira de Escritores (UBE). Fue nombrado miembro de número por la Academia Argentina de Literatura Infantil y Juvenil, e incorporado en 2010 al Diccionario razonado de la literatura y la crítica argentinas. Se desempeñó como jurado en el Festival de cine "Buenos Aires Rojo Sangre" 2008. En 2009, invitado por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, homenajeó a Juan Carlos Onetti.

En Lima, Perú, resultó ganador de la convocatoria "Novela juvenil 2020" realizada por Editorial Qilqana, que publicó su novela Pesadilla galáctica. Colaboró en varios medios de la Argentina, Uruguay, Brasil, España y México, y escribió en la revista “Fierro” de la primera época.

Desde la Biblioteca Popular Carlos Sánchez Viamonte despedimos a Germán con una inmensa tristeza, pero también celebrando y recordando su vida plena y su legado. Muchos de sus libros forman parte de nuestro catálogo.

Saludamos a su esposa Isabel, y sus hijas Paula y Cecilia, así como a su hermano Carlos Penelas, también escritor y responsable del Taller Literario en nuestra casa, y su sobrino Emiliano, quien presidió la Biblioteca durante años.

Se estrena RJW, documental sobre Rodolfo Walsh

El jueves 24 de marzo se estrenará el documental RJW, sobre Rodolfo Walsh, dirigido por Fermín Rivera. Amigo del Cineclub La Rosa, la Biblioteca Carlos Sánchez Viamonte colaboró con el rodaje de la película.

RJW construye un paralelismo entre la vida y obra del periodista, desde su infancia en Rio Negro, el paso por el internado irlandés y su fallido intento de ingresar al Liceo Naval, hasta la influencia de su esposa Elina Tejerina, su admiración por Borges, su circunstancial oposición a Perón y el final de su proceso de transformación con Operación Masacre.

RJW

Guión, Dirección y Producción: Fermín Rivera
Fotografía: Emiliano Penelas (ADF)
Cámara: Emiliano Penelas, Fermín Rivera Dirección de Sonido: Gino Gelsi, Lucho Corti Montaje: Emiliano Serra
Asistente de Dirección: Sofía Vecchione
Música: Alejo Vintrob
Duración: 67 minutos
Formato: 4K / Súper 8 / 16 mm
Imagen: Color / Blanco y Negro

Entrevistados: Patricia Walsh, Juan José Delaney, Silvia Adoue, Jorge Lafforgue, Juan Forn y Roberto Baschetti.

Redes sociales: Instagram y Facebook. 

Horarios y salas del 24 al 30 de marzo

🎞Cine Gaumont 

Todos los dias a las 12:30 hs, 15:00 hs, 17:30 hs, 20:00 hs.

🎞Espacio INCAA Cine Teatro Municipal Quilmes 

24 y 28 de marzo a las 20:00 hs.

🎞Espacio INCAA Eco Select La Plata 

24,25,27,28,29 y 30 de marzo a las 19:00 hs.

🎞Espacio INCAA Casa de la Cultura Madariaga

24 de marzo a las 21:00 hs.

🎞Espacio INCAA Cine Avenida, Bolivar 

24, 25, 26 y 27 de marzo a las 20:00 hs.

🎞Espacio INCAA Cine Teatro Oberá

24 de marzo a las 19:00 hs

27 de marzo a las 21:00 hs.

🎞Espacio INCAA Hynes O´Connor 

25 y 26 de marzo a las 20:00 hs.

🎞Espacio INCAA Circulo Italiano, Villa Regina

24, 25, 26, 29 y 30 de marzo a las 20:00 hs.

Hasta luego, Peter

Genial cineasta, también cinéfilo y crítico, hoy falleció Peter Bogdanovich. Lo recordamos con un diálogo con Orson Welles sobre La dama de Shangai (que proyectamos en el Cineclub La Rosa), fragmento del libro Ciudadano Welles, en el catálogo de la Biblioteca.

PB: ¿Cuál fue la reacción general hacia ella en Hollywood?

OW: Los amigos me esquivaban. Donde quiera que se mencionaba la película la gente se aclaraba la garganta, carraspeaba y cambiaba de tema muy rápidamente en consideración a mis sentimientos. Sólo descubí que se la valoraba como una buena película cuando me fui a Europa. La primera cosa agradable que oí decir de ella a un norteamericano fue de labios de Truman Capote. Una noche en Sicilia recitó de memoria palabra por palabra, páginas enteras del diálogo.

PB: Supongo que eso puede llamarse ir por delante de la época.
OW: También puede llamarse tener problemas.

PB: ¿Cómo llegaste a hacer la película?
OW: Yo estaba trabajando en la versión teatral de La vuelta al mundo en ochenta días y el día del estreno estábamos en Boston imposibilitados de retirar el vestuario de la estación, porque se debían 50.000 dólares y nuestro productor, el señor Todd, estaba en quiebra. Sin aquel dinero no podíamos abrir el teatro así que llamé a Harry Cohn, a Hollywood, y le dije:
- Tengo una gran argumento para ti si me envías 50.000 dólares por giro telegráfico en el plazo de una hora. Te firmaré el contrato para hacer la película.

- ¿Qué argumento? -quiso saber Cohn.
Yo estaba telefoneando desde un teléfono público en las cercanías de un kiosco de periódicos que ofrecía una serie dc novelas en rústica. Leí el título de una de ellas, La dama de Shangai, y le dije:
- Compra los derechos de la novela y te haré la película. Una hora más tarde recibíamos el dinero.

Nuevo libro de Fernando M. Peña en el catálogo

La Biblioteca Sánchez Viamonte y el Cineclub La Rosa incorporaron a su catálogo el último libro de Fernando Martín Peña, Cine maldito, publicado por La Tercera Editora. 

Cactus de cine

La Biblioteca incorporó a su catálogo a dos autores clásicos del cine francés, que también teorizaron sobre el séptimo arte en sus inicios: Jean Epstein y Abel Gance, en prolijas ediciones de Cactus. 

Hitchcock y Eisner para leer

Escritos y entrevistas de Alfred Hitchcock, y el histórico ensayo de Lotte Eisner sobre el cine clásico alemán se incorporaron al catálogo de la Biblioteca gracias a la última compra realizada con el programa Libro% de la Conabip.  

Por si no lo sabían, la Biblioteca Carlos Sánchez Viamonte cuenta con una gran cantidad de volúmenes dedicados al cine.

Valentino en Buenos Aires

Por gentileza de Gourmet Musical, ya tenemos a disposición en el catálogo de la Biblioteca Popular Carlos Sánchez Viamonte el libro Valentino en Buenos Aires. Los años veinte y el espectáculo, de Sergio Pujol.

La gran estrella del cine internacional nunca estuvo físicamente en la Argentina, pero Rodolfo Valentino fue el gran símbolo del espectáculo en tiempos del surgimiento de la cultura de masas. Entre el Centenario y la crisis económica mundial de los años treinta, una ciudad sobrepoblada de nativos e inmigrantes y enriquecida por las exportaciones agropecuarias se convirtió en uno de los mayores centros productores y consumidores de las nuevas formas y encarnaciones del arte popular, como apunta la reseña del libro. 

Durante los años locos, a la vez marco temporal y protagonista verdadero de esta investigación, el teatro criollo vivió su época de gloria, compitiendo por el fervor popular con el cine y la ópera. El desarrollo pionero de la radio no solo cambió radicalmente los modos de la comunicación sino que promovió con fuerza el crecimiento del tango, género que, abundantemente grabado, atravesó un período de profunda renovación. En paralelo con el auge de la música porteña, el jazz devino en referente de la modernidad sonora, la avanzada de una idea de música global que encontraría entre los porteños un público informado y fervoroso. De la explosión de la cultura popular y su influencia en los cambios sociales, políticos y económicos que transformarían el país trata este libro ameno y esclarecedor de Sergio Pujol. 

Acerca de su primera edición, ahora corregida y actualizada, Blas Matamoro escribió: «Preciso en sus fuentes, infatigable en sus pesquisas, rápido y divertido en su relato, Pujol nos sigue proponiendo la gran historia de la pequeña cultura.»

Dar la cara

Curioso el caso el de este film, aclarado por el propio José A. Martínez Suárez, que fue primero novela, con guión del director y David Viñas, quien luego se encargó de novelarlo y publicarlo como tal.

DAR LA CARA
(Idem, Argentina, 1962, blanco y negro, 111 minutos)
Dirección: José A. Martínez Suárez.
Guión: José A. Martínez Suárez y David Viñas.
Fotografía: Ricardo Younis.
Música: Gato Barbieri.
Elenco: Leonardo Favio, Lautaro Murúa, Nuria Torray, Luis Medina Castro, Pablo Moret, Ubaldo Martínez, Daniel de Alvarado, Raúl Parini y Dora Baret.

Tres muchachos de diversa extracción social terminan el servicio militar y deben enfrentar la compleja realidad argentina, siempre en crisis. Este film, como quizás ningún otro, supo expresar las complejidades, perspectivas y frustraciones de una generación. A diferencia de lo que suele creerse, la novela homónima de David Viñas es posterior al guión del film, del propio Viñas y José Martínez Suárez.

Proyectada en nuestra Temporada VII / Función 149, presentada por José A. Martínez Suárez.

Boudu salvado de las aguas

Precioso y poco conocido film de Jean Renoir basado en la obra de René Fauchois.



BOUDU SALVADO DE LAS AGUAS
(Boudu sauvé des eaux, Francia, 1932, blanco y negro, 85 minutos)
Dirección: Jean Renoir.
Producción: Michel Simon.
Guión: Jean Renoir y Albert Valentin, sobre la obra de René Fauchois.
Dirección de Fotografía: Marcel Lucien y George Asselin.
Montaje: Suzanne de Troeye y Marguerite Renoir.
Música: Jean Boulze y Edouard Dumoulin.
Elenco: Michel Simon, Charles Granval, Marcelle Hainia, Sévérine Lerczinska, Jean Gehret, Max Dalban, Jean Dasté y Charles Granval.

"Esta película, enmarcada en el Realismo Poético Francés, narra la relación entre un ciruja –quien se arroja al río Sena en busca de su perro- y un librero, quien no sólo salva a Boudu, sino que también lo acoge en su casa. Pero la bonhomía del librero choca con el estilo de vida de un Boudu ingobernable que no encaja en las convenciones sociales" (Carlos Müller, Cineclub Dynamo).

Proyectada en fílmico en nuestra Temporada VIII / Función 166

La carretera

Pocas veces una novela tan compleja fue tan bien adaptada al cine. El libro de Cormac McCarthy, por John Hillcoat, con Viggo Mortensen.

LA CARRETERA
(The Road, Estados Unidos, 2009, color, 112 minutos)
Dirección: John Hillcoat.
Guión: Joe Penhall, sobre la novela homónima de Cormac McCarthy.
Producción: Paula Mae Schwartz, Steve Schwartz y Nick Wechsler.
Dirección de Fotografía: Javier Aguirresarobe.
Montaje: Jon Gregory.
Dirección de arte: Chris Kennedy.
Música: Nick Cave y Warren Ellis.
Elenco: Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Charlize Theron, Robert Duvall, Guy Pearce, Molly Parker, Michael K. Williams y Garret Dillahunt.

Un padre y su hijo transitan una carretera con lo poco que pueden llevar a cuestas, en medio de un mundo desolado en un invierno crudo y permanente donde sólo tiene sentido intentar la supervivencia, quizás con la esperanza poco probable de que algo cambie.

Mientras buscan alimentos, vivienda y seguridad, el padre intenta inculcarle valores a su hijo, y enseñarle cómo sobrevivir y mantener la cordura. La esperanza parece estar en las costas del sur, pero deberán evitar constantemente a los bandidos y caníbales que ahora pueblan la tierra, donde se desvanecen los nexos sociales.

Extraordinaria adaptación de una novela impactante, que le valió el Pulitzer a McCarthy, quien dijo haberse inspirado en su relación de padre mayor con un hijo pequeño. Gran trabajo de Viggo Mortensen. Selección oficial del Festival de Venecia.

Proyectada en nuestra Temporada VIII - Función 157

Fausto

El espíritu de Goethe, la magia de Murnau. Un clásico del cine (y la literatura) de todos los tiempos.

FAUSTO
(Faust - Eine deutsche Volkssage, Alemania, 1926, blanco y negro, 85 minutos)
Dirección: Friedrich Wilhelm Murnau
Guión: Hans Kyser, sobre la novela de J.W. von Goethe
Dirección de Fotografía: Carl Hoffmann
Elenco: Emil Jannings, Gösta Ekman, Camilla Horn, William Dieterle, Yvette Guilbert, Frida Richard, Eric Barclay, Hanna Ralph, Werner Fuetterer y Hans Brausewetter.

En dos actos claramente diferenciados, Murnau cuenta el clásico relato de Goethe sobre el célebre pensador que después de buscar sin descanso la esencia del conocimiento y la verdad oculta de las cosas, es tentado por el diablo y vende su alma.

Proyectada en nuestra Temporada VIII - Función 173.

Sostiene Pereira

La novela de Antonio Tabucchi, protagonizada por el gran Marcello Mastroianni.

SOSTIENE PEREIRA
(Idem, Italia, Francia, Portugal, 1995, color, 104 minutos)
Dirección: Roberto Faenza.
Producción: Elda Ferri y Michèle Ray-Gavras.
Guión: Roberto Faenza, Sergio Vecchio y Antonio Tabucchi, basados en la novela homónima de Tabucchi.
Dirección de fotografía: Blasco Giurato.
Montaje: Ruggero Mastroianni.
Música: Ennio Morricone.
Dirección de arte: Giantito Burchiellaro.
Elenco: Marcello Mastroianni, Joaquim de Almeida, Daniel Auteuil, Stefano Dionisi, Nicolatta Braschi y Marthe Keller.

En plena dictadura portuguesa, en 1938, un periodista que ha trabajado siempre en la sección de sucesos renuncia a interpretar y difundir la realidad de la época en la que vive, donde los triunfan los totalitarismos en toda Europa.

Recibe entonces como encargo ser el redactor de una página literaria. Mientras los acontecimientos pasan ante sus ojos y oídos, chocará con el espíritu vital de un joven colaborador. Y esa estrecha relación desencadenará una crisis personal que altera profundamente su vida.

El protagonista, maravillosamente interpretado por el gran Marcello Mastroianni, se convirtió en el símbolo de la defensa de la libertad de información para los opositores de todos los regímenes antidemocráticos.

Proyectada en nuestra Temporada VI - Función 111.

Perros de la noche

La película, que proyectamos en una función homenaje a Teo Kofman, su director, fue presentada por Enrique Medina, autor del libro. 

PERROS DE LA NOCHE
(Argentina, 1986, color, 94 minutos)
Dirección: Teo Kofman
Guión: Teo Kofman, Pedro Espinosa y Enrique Medina, basada en la novela homónima de Medina.
Producción: Teo Kofman.
Fotografía: Julio Lencina.
Monteje: Norberto Rapado.
Música: Antonio Tarragó Ros, León Gieco y Gabriel Senanes.
Elenco: Emilio Bardi, Gabriela Flores, Héctor Bidonde, Gustavo Belatti, Enrique Alonso y Mario Alarcón.

Dos hermanos jóvenes, mujer y hombre, se encuentran con la pobreza máxima al quedar huérfanos, e incurren en la vida criminal como única salida de sobrevivencia.

Marginalidad, pobreza y desamparo son ejes de la muy sólida ópera prima de Teo Kofman, basada en la primera novela de Enrique Medina. Excelentes actuaciones de la pareja protagónica (Bardi y Flores) bien apoyados por los secundarios.

Seleccionada para el Festival de Cine de San Sebastián 1987 y recibió el Premio Nacional por el libro cinematográfico (producción 1983-1986), otorgado por la Secretaría de Cultura de la Nación, dependiente del Ministerio de Educación y Justicia; el Cóndor de Plata al mejor guión adaptado, otorgado por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina; el Premio Argentores a la mejor obra en su género, otorgado por la Sociedad de Autores de la Argentina; y el Premio Mutisia Dorada al mejor director.

Proyectada en nuestra Temporada IV - Función 40.

Noches sin lunas ni soles

Dirigida por José A. Martínez Suárez, amigo del Cineclub La Rosa y Socio Honorario de la Biblioteca Popular Carlos Sánchez Viamonte, la película está basada en la novela de Rubén Tizziani.

 

NOCHES SIN LUNAS NI SOLES

(Idem, Argentina, 1984, color, 97 minutos)
Dirección: José A. Martínez Suárez
Guión: José A. Martínez Suárez y Rubén Tizziani, basada en la novela de Tizziani.
Fotografía: Alberto Basail.
Música: Roberto Lar.
Elenco: Alberto de Mendoza, Luisina Brando, Lautaro Murúa, Arturo Maly, Cacho Espíndola, Boy Olmi, Guillermo Battaglia, José María Gutiérrez, Diana Ingro, Rudy Chernicoff y Eva Franco.

Un delincuente huye para ayudar a un amigo de toda la vida, gravemente enfermo. El policía que lo persigue sabe que detrás puede haber un botín oculto. Grandes actuaciones, un sólido guión y una realización magistral hacen de esta película uno de los mejores policiales del cine argentino.

Bien narrada y con galería de personajes incomparables, más un guión sólido y el paisaje suburbano de lo cotidiano, desgraciadamente Martínez Suárez no filmó más. Luisina Brando nunca lució tan sensual, y no nos privó de un desnudo para el recuerdo.

Proyectada en dos ocasiones: Temporada IV / Función 63, cuando Martínez Suárez fue distinguido como Socio Honorario de la Biblioteca Carlos Sánchez Viamonte, y Temporada VII / Función 152

Este fue el texto que envió José la noche en que proyectamos la película por segunda vez.

Fahrenheit 451

Basado en el clásico de Ray Bradbury, narra un futuro en el que los bomberos en vez de apagar incendios queman libros. 

FAHRENHEIT 451
(Idem, Gran Bretaña, 1966, color, 112 minutos)
Dirección: François Truffaut.
Guión: François Truffaut y Jean-Louis Richard, sobre la novela de Ray Bradbury.
Fotografía: Nicolas Roeg.
Música: Bernard Herrmann.
Elenco: Julie Christie, Oskar Werner, Cyril Cusack, Anton Diffring, Jeremy Spenser y Alex Scott.

Historia de una sociedad en donde la palabra escrita está prohibida, los bomberos se encargan de quemar libros, la televisión aboba y a los rebeldes sólo les queda convertirse en hombres libro, memorizando sus obras y pasándolas verbalmente de generación en generación, como los antiguos rapsodas, los recitadores ambulantes de la antigua Grecia.

Guy Montag, un disciplinado bombero encargado de quemar libros, conoce a una revolucionaria maestra que se atreve a leer. De pronto, se encuentra transformado en un fugitivo, obligado a escoger no sólo entre dos mujeres, sino entre su seguridad personal y su libertad intelectual.

Fue proyectada en nuestra Temporada III - Función 39.

Sarmiento en el cine

Reproducimos la nota que con motivo del último Día del Maestro, nuestro amigo Pablo De Vita publicó en el diario La Prensa.

Pese a que se conservan varias fotografías con su rostro, seguramente los más famosos perfiles fotográficos de Domingo Faustino Sarmiento sean con su uniforme militar (1852), de sus épocas de gobernador de la provincia de San Juan (1862-1864), y como Presidente de la Nación (entre 1868 y 1974), cuando posó para el afamado retrato con la banda presidencial en 1873 o aquella en la que, con uniforme militar, visita la Exposición Universal de París de 1867. Pero por su tenebroso detalle, común entonces pero incomprensible hoy en tiempos de selfies, sea una de las más famosas la foto post mortem del 11 de Septiembre de 1888 donde se lo observa en un escenario acondicionado por el fotógrafo paraguayo Manuel de San Martín que lo captó en su inmortalidad sentado en su sillón de trabajo.

Fue posible gracias a la colaboración del médico Alejandro Candelón y del diplomático Martín García Mérou, quienes trasladaron el cuerpo de la habitación donde, efectivamente, había ocurrido el deceso y contribuyeron a acondicionar su estampa para las largas horas de exposición que demandaba obtener el daguerrotipo.

Poco más de dos años antes había tenido lugar la primera proyección del cinematógrafo Lumiere, el 18 de Julio de 1896 en el Teatro Odeón, y a tan sólo un año de que hubieran llegado al país las primeras cámaras Gaumont con las que comenzaron los tímidos registros pioneros moría Sarmiento. Eso seguramente explica que, a diferencia de sus contemporáneos Bartolomé Mitre o Julio A. Roca, el auténtico Domingo Faustino Sarmiento no haya sido retratado por el cinematógrafo.

Pero a través de escuelas, actos, monumentos y celebraciones fue consustanciándose en el imaginario popular la estampa de ese último Sarmiento, macizo y entrado en años, con la mirada hilvanada a fuego en el horizonte por la tempestad del espíritu. Era ese -y no otro- el que podía ser evocado en el cine cuando ya el retrato directo no era posible. Ese encuentro va a suceder en 1944 con la épica de Lucas Demare Su mejor alumno, luego de la fundacional La guerra gaucha también producida por Artistas Argentinos Asociados. Los guionistas Ulyses Petit de Murat y Homero Manzi delinearon los contornos de la historia a partir de Vida de Dominguito de Sarmiento, añadiéndole la vertiente historiográfica sobre el propio autor del libro hasta que llega al viejo Congreso para su jura como Presidente de la Nación pero con la vibrante batalla de Curupaytí donde pierde la vida su hijo como vértice del drama.

El film expone a un personaje patrio de modo nada solemne y permite al espectador consustanciarse con la “parte humana” de uno de los grandes hombres de la Patria. La mímesis -perfecta, exquisita y contundente- del gran Enrique Muiño con el perfil del prócer, confirmó aquél contorno acuñado de tantos retratos escolares. Se sumaron Ángel Magaña como Dominguito, un gran Orestes Caviglia como un no menos exacto Bartolomé Mitre y hasta la eterna madre del cine argentino María Esther Buschiazzo como, no podía ser de otro modo, Doña Paula Albarracín. Tuvo todos los premios, comenzando con el fervor del público en el cine Ambassador de la calle Lavalle que quería “ver a Sarmiento”, ese que tanto había gravitado en el imaginario de su niñez. El film tuvo su estreno en una función a beneficio de los damnificados por el terremoto de San Juan a la que concurrió el presidente Farrell y estuvo veinte semanas en cartel. Ya había tenido lugar cuatro años antes el estreno de Huella, dirigida por Luis Moglia Barth, donde Hugo Mac Dougall y Manzi se basaron en un fragmento de Facundo, libro inaugural de la literatura argentina en la pluma de Sarmiento que sería revisitado con mayor o menor cercanía en diferentes retratos sobre su personaje central desde el primigenio cine mudo argentino.

Sarmiento personaje volvió al cine en 1949, gracias a el reflexivo perfil que le otorgó Juan Bono, esta vez en la no menos extraordinaria Almafuerte donde visitaba a un esforzado Pedro Bonifacio Palacios que delineó Narciso Ibánez Menta. Pero ya Sarmiento era un nombre repetido en Sucesos Argentinos en el reflejo del guardapolvo blanco de los actos escolares o en los viajes de la Fragata, como aquél a través del Río Paraná rumbo a Rosario para celebrar el Día de la Bandera en la emisión número 496 de 1948 o el Noticiario Panamericano con Por la ruta de Sarmiento de 1955. Pero Sarmiento continuaba siendo Enrique Muiño para el cine como confirmará su breve aparición en ese rol para Escuela de Campeones en una síntesis que rescataba los orígenes del deporte de balón pie cuando Sarmiento ocupaba el sillón de Rivadavia. Curiosidades del destino si La vida del gran Sarmiento, película sobre el guión de Bendahan de Vega, hubiese llegado a término el primer Sarmiento del cine quedaría asociado a Juan Bono, el primero que se acercó a ese rol trunco pero al que volverá además de Almafuerte en El grito sagrado, con la reconciliación con Mariquita Sánchez de Thompson, o en el exilio a Chile en El amor nunca muere, todas en la lente de Luis César Amadori.

El nuevo cine argentino, primero con Murúa y Torre Nilsson en los sesenta y luego con los jóvenes contemporáneos de hoy, realizará múltiples relecturas del tradicional “perfil sarmientino” desde 1420, la aventura de educar a Después de Sarmiento, haciendo foco en las virtudes y carencias del modelo educativo. Pero aún quedará un nuevo Sarmiento, el de un actor sanjuanino llamado Boy Segovia. En Sarmiento, un acto inolvidable vuelve a ser personaje, escapando de la fantasmagórica imagen final de 1888 y trasladarse como portero de una escuela para dejar limpio el patio en un juego que permite, una vez más, las cercanías y diferencias entre aquél pasado de próceres inmaculados y un presente donde todo entra en cuestión.

Pablo De Vita
Diario La Prensa, 11 de septiembre de 2020
El autor es crítico cinematográfico, profesor universitario y periodista cultural. Investigador del Instituto de Artes del Espectáculo de la UBA, integra el Museo del Cine y la comisión directiva del Centro PEN de Argentina. Es Académico de Número de la Academia Argentina de Artes y Ciencias de la Comunicación.

Publican ensayo inédito de Carlos Fuentes sobre la vida de Buñuel

El volumen muestra a un Fuentes que ve en los principios del cineasta un modelo creativo a seguir por todos los jóvenes iberoamericanos que luego conformarían el Boom.

La Fundación Banco Santander presentó en Madrid, Luis Buñuel o la mirada de la Medusa (un ensayo inconcluso), un libro inédito del escritor Premio Cervantes Carlos Fuentes (Panamá 1928 - México DF 2012), con el que disecciona la vida y obra del cineasta Luis Buñuel (Aragón, 1900 - México DF 1983) ensalzando su papel (desconocido hasta el momento) como figura clave en el imaginario colectivo de la revolución del 68 y en el 'Boom iberoamericano'.

Es la mejor aproximación que se ha hecho de Buñuel hasta el momento", declaró el investigador Javier Herrera en rueda de prensa. Herrera ha sido el encargado de iluminar el manuscrito de Fuentes (oculto en la Universidad de Princeton) y, a través de un "trabajo detectivesco" de más de un año, ordenarlo "tal y como el escritor hubiera querido que llegara a los lectores".

De este modo, y tras un análisis textual "milimétrico" cotejando todas las partes, Herrera descubrió que la mayor parte de los párrafos no habían sido publicados nunca, y que, además, muestran una cara más allá del surrealismo de Buñuel que "no se había visto antes", relacionada con la actualidad, a través de un ensayo "no al uso, más fresco y que desborda humor".

En este sentido, Herrera matiza que a través de películas como El Ángel exterminador, Tierra sin pan, Los olvidados o Belle de jour, Buñuel tocaba temas universales y que prescinden de espacio y tiempo como la miseria, el racismo, la delincuencia juvenil en los suburbios, la prostitución o la pederastia.

Además, el libro está aderezado con un apéndice de quince cartas inéditas, cruzadas entre los años 1966 y 1972, que ilustran el contexto de la obra y dan fe de las relaciones de amistad que establecían el escritor y el cineasta, y que muestran "la profundidad de pensamiento de Buñuel".

Según relata Herrera, el proyecto comenzó en 1952 cuando Fuentes vio la película Los olvidados, mientras trabajaba como crítico de cine en un periódico en México. "Es ahí cuando quedó prendado", explica.

Capacidad visionaria de Buñuel
Así, la admiración de Fuentes por Buñuel fue acrecentándose hasta producirse un encuentro en París en 1966, con el estreno de La edad de oro, (producida en 1930 y prohibida en aquel momento), donde el escritor cayó en la cuenta de que "todo sobre lo que hablaba Buñuel 37 años atrás estaba sucediendo en aquel momento".

"Esto es lo que hizo que Fuentes quisiera escribir el ensayo. A partir de ese momento escribió un artículo describiendo que aquellos que veían la película eran los hippies y los jóvenes pertenecientes al movimiento contracultural y revolucionario", ha señalado.

Por ello, Fuentes establece una relación entre en el cineasta y el movimiento del 68, alegando que Buñuel, de manera implícita, critica la sociedad de consumo "tocando en el nervio" y no "en la epidermis". En este contexto, Herrera ha añadido que el cineasta era "un revolucionario teórico" puesto que siempre huía de toda "confrontación bélica".

"Fuentes escribe la obra exactamente igual que si se tratase de una película de Buñuel. Es literatura fuera de serie, va escribiendo conforme le van saliendo las cosas", recalca.

Por otra parte, Herrera subraya que la medusa a la que alude en el título se debe a que para el escritor, las películas de Buñuel tienen la capacidad "de aniquilar a quien se atreve a mirarla", como lo hace una medusa.

"Así es el cine de Buñuel para Fuentes. Invita a entrar en esos vericuetos de la realidad, a través de una mirada que está subliminalmente enlazada, como si se tratara de un hilo eléctrico", expresa.

Referencia para el Boom iberoamericano
Además, la obra demuestra de manera definitiva la importancia (hasta ahora sospechada) que tuvo Buñuel parea la generación del 'Boom iberoamericano', ya que, en la primera carta que le envió Fuentes, se muestra como le confiesa su importancia para escritores como Octavio Paz, Vargas Llosa, Cortázar, Rodríguez Monegal o Gironella.

Así, el volumen muestra a un Fuentes que ve en los principios del cineasta un modelo creativo a seguir por todos los jóvenes iberoamericanos que luego conformarían el Boom y con los que incluso compartía algunos proyectos.

Por último, Herrera destacada que el escritor también hace el trabajo de "descubrir al Luis Buñuel español relacionándolo con El Quijote, Don Juan, y La Celestina. "A través de Buñuel, Fuentes veía esa tradición española fundida en la vanguardia europea".

Europa Press
Diario Excélsior, México

Un nobel muy querido por el cine

Cuatro adaptaciones del escritor han sido llevadas a la gran pantalla.

Anthony Hopkins y Emma Thompson, en un momento de Lo que queda del día

El premio Nobel de Literatura, Kazuo Ishiguro, es autor de Lo que queda del día, novela llevada al cine por James Ivory en 1993 y protagonizada por Anthony Hopkins y Emma Thompson. Tanto el director como los actores y Ruth Prawer Jhabvala, autora del guion que adaptó la novela del escritor, fueron nominados a los Oscar y a los Globo de Oro, aunque finalmente no se llevaron ninguno de estos premios, solo Hopkins ganó un Bafta por su papel de mayordomo, protagonista de este drama costumbrista.

No es la única vez que Ivory trabaja sobre un libro del Nobel, del que la Academia Sueca ha destacado que "sus novelas de gran fuerza emocional han descubierto el abismo bajo nuestro ilusorio sentido de conexión con el mundo". La condesa rusa es una obra en la que un diplomático ciego estadounidense, en el Shanghai de los años treinta, se enamora de Sofía, condesa rusa que trabaja como camarera para ayudar a su decadente familia aristocrática. Fue protagonizada por Ralph Fiennes, Natasha Richardson, Lynn Redgrave y Vanessa Redgrave.

A principios de este año, Kazuo Ishiguro, en una entrevista con este diario dijo: “La relación con el cine mantiene a los libros en el centro de la cultura”. Pero nunca adapta sus guiones porque como él mismo dice: "Escribir una novela es un trabajo muy duro y una vez que la terminas lo último que quieres es volver sobre el mismo material". En 2003 se adaptó The Saddest Music in the World, de Guy Maddin, un musical con protagonista como Isabella Rossellini, María de Medeiros y Mark Mckinney.

El último de sus libros adaptados, por ahora, -el productor Scott Rudin compró los derechos de El gigante enterrado que se publicó en 2016- es Nunca me abandones (2010) de Mark Romanek, filme protagonizado por Carey Mulligan, Andrew Garfield, Keira Knighteley.

Diario El País
Madrid, 5 de octubre de 2017

Kluge, escritor

Alexander Kluge no sólo destaca por su amplia filmografia o ser uno de los padres del Nuevo Cine Alemán, sino que es además un referente literario en su país. En el marco del ciclo que programa el Cineclub La Rosa los invitamos a conocer dos de sus libros traducidos al castellano recientemente, que forman parte del catálogo de la Biblioteca Carlos Sánchez Viamonte.

Kluge se doctoró en derecho en 1956, y fue amigo del filósofo Theodor Adorno, que había vuelto a Alemania procedente de Estados Unidos y era profesor en el Instituto de Investigación Social, institución central de la llamada Escuela de Fráncfort.

Antes de ser cineasta fue asesor legal para el instituto, y comenzó a escribir sus primeros relatos durante este período. Por consejo de Adorno, Kluge empezó también a investigar sobre el cine, y en 1958 fue el filósofo quien le presentó a Fritz Lang.

Más allá de su notable carrera como cineasta, Kluge ha obtenido casi todos los grandes premios literarios, como el Georg Büchner, que recibió en 2003, considerado el galardón literario más importante en lengua alemana.

El contexto de un jardín y 120 historias de cine, publicadas recientemente en nuestro país por Caja Negra Editora, forman parte de nuestro catálogo. Siendo socio puede retirarlos para su lectura.

Próximas funciones
El ciclo "Alexander Kluge, arqueólogo y visionario" continúa el miércoles 23 de agosto con El poder de los sentimientos y finaliza el miércoles 30, también a las 20.30 horas, con El ataque del presente al resto del tiempo. Ambas proyecciones son en 16mm gracias al Goethe-Institut Buenos Aires.

Mis libros de cine

Un repaso a 13 títulos en la biblioteca del director español Fernando Trueba.

Pese a que se lamenta ”Los libros de cine prácticamente han dejado de escribirse, de editarse y de leerse”  Fernado Trueba recomienda a todos los aficionados al cine, los ya míticos El cine según Hitchcock, de Truffaut, “el libro de cabecera de cualquiera que sueñe con ser director”, y Las aventuras de un guionista en Hollywood, de William Goldman, “el libro de cabecera de cualquiera que sueñe con ser guionista”. En un terreno más literario apuesta por la trilogía de Anne Wiazemsky, escritora y actriz que fue musa de Godard, Pasolini y Bertolucci en la era de la Nouvelle Vague. Y para terminar, los grandes nombres del cine y su visión del séptimo arte: Buñuel, Keaton, Bergman y Renoir.

1. El cine segùn Hitchcock, de François Truffaut
2. Las aventuras de un guionista en Hollywood, de William Goldman
3. Notas sobre el cinematógrafo, de Robert Bresson
4. Peuples en larmes, peuples en armes, de Georges Didi-Huberman
5. In girum imus nocte es, de Guy Debord
6. La joven, de Anne Wiazemsky
7. Un año ajetreado, de Anne Wiazemsky
8. Un an après (Blanche), de Anne Wiazemsky
9. Mi vida y mi cine, de Jean Renoir
10. Mi ùltimo suspiro, de Luis Buñuel
11. Moteros tranquilos, toros salvajes, de Peter Biskind
12. Slapstick, las memorias de Buster Keaton, de Buster Keaton
13. Linterna mágica, de Ingmar Bergman

Fernando Trueba (Madrid, 1955). Ganador de un Oscar por Belle Epoque en 1993, es uno de los directores más importantes del cine español. Además de la galardonada con el premio de la Academia de Hollywood, entre sus películas destacan Ópera Prima, un retrato del Madrid de los ochenta, El año de las luces, El sueño del mono loco (Goya al mejor director en 1989), La niña de tus ojos (1998) y la animada Chico y Rita (2010). Su último estreno es La reina de España, continuación de la aplaudida La niña de tus ojos.

Fuente: diario El País de Madrid.