Cineclub La Rosa

Hasta siempre, Sr. Berlanga

2012-01-27T21:00:00.000-03:00

Ahora sí, última función del ciclo "Un enero con Berlanga", que se proyectará, como todos sabemos, el miércoles 1 de febrero a las 20 horas. Se trata también de la última película del maestro español, París-Tombuctú, protagonizada por Michel Piccoli. Como siempre, en Austria 2154 con entrada libre y colaboración voluntaria. Presentará nuestro amigo Pablo De Vita.

Miércoles 1 de febrero - 20 horas
PARÍS-TOMBUCTÚ
(Idem, España, 1999, color, 107 minutos)
Dirección: Luis García Berlanga.
Guión: Luis García Berlanga, Jorge Berlanga, Antonio Gómez Rufo y Javier G. Amezua.
Producción: Rafael Díaz-Salgado, José Ferrándiz, Jordi García Candau y José Luis Olaizola.
Dirección de Fotografía: Hans Burmann.
Montaje: Iván Aledo.
Música: Bernardo Fuster y Javier G. Amezua.
Elenco: Michel Piccoli, Concha Velasco, Amparo Soler Leal, Javier Gurruchaga, Santiago Segura, Juan Diego, Eusebio Lázaro, Luis Ciges, Manuel Alexandre, Pepe Sancho y Cristina Collado.

Michel des Assantes (Piccoli) es un prestigioso cirujano plástico parisiense que hastiado de su estilo de vida encuentra de casualidad a un hombre que planea hacer un viaje en bicicleta desde la Ciudad Luz hasta el África. No sólo compra la bicicleta, sino que se dispone él mimso a hacer la travesía París-Tombuctú.

Claro que nunca llegará a la "tierra prometida" porque estamos en una película de Berlanga, entonces todo el viaje terminará (y comenzará, para nosotros) en un pequeño pueblecito español en el que conviven miles de personajes histriónicos y adorables.

Última película de Luis García Berlanga, filmada a los 78 años, es también una especie de testamento en el cual quedan impresas todas las historias, personajes y momentos de sus filmes anteriores.

Presentada en el 15º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, obtuvo el premio FIPRESCI a la mejor película iberoamericana y el premio OCIC/SIGNIS. Además, Juan Diego obtuvo el Goya al Mejor actor de reparto.

Pablo De Vita

Nació en Buenos Aires, es Diseñador de Imagen y Sonido (UBA) con un Diploma Superior de Posgrado en Gestión Cultural, Patrimonio y Turismo Sustentable (Beca de Ortega y Gasset, Universidad Complutense de Madrid). Colaborador del diario La Nación (aquí reproducimos su artículo sobre Berlanga) y de las revistas Criterio, Todo es historia y Debate. Realizó un stage en el diario La Repubblica (Roma) y es corresponsal de la revista Contrastes (Valencia). Premio al Mejor Periodista de Cultura y Sociedad otorgado por la Embajada de Italia y Premio de la Muestra Binacional de Cine de Puerto Natales. Es co-autor de los libros: Plano secuencia (La Crujía); Leopoldo Torre Nilsson (Ediciones Altamira) y Los escenarios del adiós, algunos bares del cine argentino (Universidad Nacional de Mar del Plata), entre otros. Fue jurado y cubrió diversos festivales internacionales. Dictó conferencias en el Foro Cultural del Mercosur (Asunción, Paraguay), en el Instituto Niels Stensen (Florencia, Italia) y en la Escuela de Cine FAMU (Praga, República Checa). Integró el Comité Científico del 2do Congreso de la Asociación Argentina de Estudios de Cine y Audiovisual y forma parte del Consejo Directivo de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina. Es investigador del Instituto de Artes del Espectáculo de la UBA. En nuestro Cineclub presentó el año pasado Ladrones de bicicletas, de Vittorio De Sica.

Temporada VI / Función 105
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Nadie tan grande como Berlanga

2012-01-27T20:41:00.000-03:00

"Me despierta un número largo, de ésos que te dan miedo. Me dan miedo porque sé qué significa. Sé que cuando aparece un número muy largo en mi móvil me llaman de una televisión o una radio, y cuando las llamadas se suceden una tras otra, es que algo terrible ha ocurrido. “¿Qué puedes decirme de la muerte de Luis García Berlanga?” La noticia suena como un disparo en mis oídos. “Algo rápido, dos frases”. Es para las noticias. La crueldad suele ser muy sincera. Pensar algo con sentido, resumir una vida en dos frases. Surgen en mi cabeza todos los momentos personales vividos junto al Maestro, con mayúsculas, y se me hace un nudo en la garganta. En fracciones de segundo pasan delante de mis ojos imágenes de sus películas, de su obra inabarcable. ¿Me están pidiendo de verdad que resuma a Berlanga en dos frases? ¿Es una broma? ¿Cómo les explico que Berlanga es más importante para mí que Dreyer, que Ford? ¿Cómo les explico que Plácido cambió mi vida? ¿Cómo me puedo acercar, tan sólo aproximar a una idea que refleje la tormenta de imágenes y sentimientos que me están haciendo llorar? “¿Cómo era? Decían que era peculiar”. ¿Peculiar? No puedo evitar ofenderme. “Por favor, ¿puedes elegir otra palabra mejor que 'peculiar', a la hora de elaborar tu pregunta?” Berlanga metió un puño en mi corazón y lo arrancó de cuajo, mientras, con la otra mano, me hacía burla. Y yo me reía, y lloraba, en el cineclub de la Universidad, y no sabía que esa película, Plácido, me acompañaría en sueños toda la vida. Los rostros de sus actores, Jose Luis López Vázquez, Manuel Alexandre y tantos otros, serían mi familia para siempre.

Berlanga y Buñuel son el alma de un país cruel que trata a sus genios de “peculiares”, el corazón sangriento y negro de un país ingrato que nunca aprenderá a amar a sus hijos lo suficiente, a devolverles con reconocimiento el valor incalculable de su aportación artística. Berlanga supo amar y odiar y reír y rodar con la fuerza asombrosa de un hombre libre, pese a la dictadura, a la intransigencia y la supuesta inteligencia de algunos. Berlanga se encuentra en el Olimpo de los grandes, no de este país, del mundo entero. La mejor película que se ha rodado nunca, El verdugo, define los límites del discurso acerca de la condición humana. Y lo hace con el lenguaje de los dioses, con la Divina Comedia, con el ácido corrosivo de la sonrisa demoníaca y tierna. Nos devuelve la verdad más negra con un abrazo, el negro corazón que nos fue arrebatado se nos entrega envuelto en cariño y ternura. Nadie en la historia del cine ha llegado tan lejos en talento y tan cerca de nuestras almas malheridas.

Buñuel es el único que puede mirarle frente a frente.

Nadie tan grande como Berlanga.

Palabras de Álex de la Iglesia en el velatorio de Berlanga

¡Lo está pidiendo!

2012-01-26T10:00:00.000-03:00

Todos a la cárcel es la delirante película que cerrará el primer mes del año en el Cineclub La Rosa, el viernes 27 a las 20 en Austria 2154, con entrada libre y colaboración voluntaria. Pero como todos saben, ya hay una nueva función para no extrañar tanto a Berlanga.

Viernes 27 de enero - 20 horas
TODOS A LA CÁRCEL
(Idem, España, 1993, color, 99 minutos)
Dirección: Luis García Berlanga
Guión: Jorge Berlanga, Luis García Berlanga
Fotografía: Alfredo Mayo
Edición: María Elena Sáinz de Rozas, Rosario Sáinz de Rozas
Dirección de arte: Rafael Palmero
Sonido: Manuel Cora
Música: Bernardo Fuster, Luis Mendo
Producción: Pepe Ferrándiz, Fernando de Garcillán, José Luis Olaizola
Elenco: José Sazatornil, José Sacristán, Agustín González, Manuel Alexandre, Rafael Alfonso, Juan Luis Galiardo, José Luis López Vázquez, Agustín González, Santiago Segura, Luis Ciges, Marta Fernández-Muro, Antonio Gamero, Chus Lampreave, Eusebio Lázaro, Mónica Randall, Guillermo Montesinos y José María Tasso.

En la cárcel Modelo de Valencia se va a celebrar el Día Internacional del Preso de Conciencia. Gentes de la política, la cultura y la farándula asistirán al acto y aprovecharán la ocasión para hacer lucrativos negocios. Premio Goya a la Mejor Película, Director y Sonido.

El anteúltimo largometraje de Berlanga, escrito sin su habitual compañero de andanzas, Rafael Azcona, es un descenso a los infiernos más oscuros y excesivos de la sociedad moderna española. La excusa en esta oportunidad para reunir a una pandilla salvaje de integrantes de los distintos estratos de la comunidad en un mismo espacio es el Día Internacional del Preso de Conciencia, jornada que se desarrolla en la prisión de Valencia en conmemoración de los prisioneros políticos del franquismo. Allí confluyen antiguos socialistas con ya nada en común salvo una disparatada intención de sacarle ventaja a la ocasión. Tal es el caso de Artemio Bermejo, un contratista sanitario que se acerca al acto con el objetivo de cobrar los ochenta millones de pesetas que el estado todavía le debe por instalar baños en edificios públicos. Pero no tardará mucho en darse cuenta de que encerrarse en una celda y tratar de reclamar dinero adeudado al gobierno no ha sido precisamente una idea muy brillante. (Catálogo del 26º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata)

Temporada VI / Función 104
Cineclub La Rosa
Austria 2154

España en dos

2012-01-21T12:00:00.000-03:00

La vaquilla será el cuarto film del ciclo "Un enero con Berlanga". La veremos en Austria 2154 el miércoles 25 a las 20 horas. La entrada es libre, con colaboración voluntaria.

Miércoles 25 de enero - 20 horas
LA VAQUILLA
(Idem, España / Italia, 1985, color, 122 minutos)
Dirección: Luis García Berlanga
Guión: Rafael Azcona, Luis García Berlanga
Producción: Alfredo Matas
Fotografía: Carlos Suárez
Edición: José Luis Matesanz
Dirección de arte: Luis Argüello, Enrique Alarcón
Sonido: Antonio Illán, José Vinader
Música: Miguel Asins Arbó
Elenco: Alfredo Landa, José Sacristán, Guillermo Montesinos, Santiago Ramos, Carles Velat, Juanjo Puigcorbé, Eduardo Calvo y Violeta Cela.

Guerra Civil Española. En el frente, un grupo de soldados se limita a escribir cartas o a dormitar. Pero la tranquilidad se rompe cuando un altavoz de la Zona Nacional anuncia que, con motivo de la Virgen de Agosto, se va a celebrar en un pueblo cercano una corrida. Cinco combatientes de la Zona Republicana deciden robar la vaquilla para arruinarle la fiesta al enemigo y conseguir la comida que necesitan.

Si alguien contaba con el entrenamiento y la lucidez como para atreverse a filmar la primera comedia situada durante la Guerra Civil Española era Berlanga. Y el director de ¡Bienvenido Mister Marshall! no sólo se atrevió, sino que lo hizo magistralmente: La vaquilla es la historia de un grupo de soldados republicanos que deciden infiltrarse en territorio enemigo para robar un toro del bando franquista, arruinando un festejo con corrida y, de paso, carnear a la bestia para alimentar a los suyos. El acierto de Berlanga, más allá de su habitual destreza para las situaciones de grupo, radica en retratar ambos bandos lo más lejos posible de una postura heroica o dramática. En la cercanía absurda de los soldados republicamos y nacionales (que intercambian cigarrillos y comparten baños) La vaquilla, como la mayoría de las grandes películas de guerra, se descubre en el fondo como un verdadero alegato anti-bélico. (Catálogo del 26º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata)

Temporada VI / Función 103
Cineclub La Rosa
Austria 2154

José Martínez Suárez presentó "El verdugo"

2012-01-20T22:14:00.000-03:00

Presencia especial y siempre esperada, José Martínez Suárez, Presidente del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y Socio Honorario de la Biblioteca Carlos Sánchez Viamonte, presentó El verdugo, tercera película del ciclo dedicado a Luis García Berlanga, en el Cineclub La Rosa.

Morir de risa

2012-01-19T16:30:00.001-03:00

Preparen las mandíbulas, no olviden sus pañuelos, agárrense la panza. Con El verdugo, tercera película del ciclo dedicado a Luis García Berlanga, será imposible detener las lágrimas y retorcijones que provoquen las risas. Será el viernes 20 a las 20 horas, en Austria 2154. Colmo siempre, entrada libre y colaboración voluntaria. Presentará José Martínez Suárez, Presidente del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y Socio Honorario de la Biblioteca.

Viernes 20 de enero - 20 horas
EL VERDUGO
(Idem, España / Italia, 1963, blanco y negro, 90 minutos)
Dirección: Luis García Berlanga
Guión: Rafael Azcona, Luis García Berlanga
Producción: Nazario Belmar
Fotografía: Tonino Delli Colli
Edición: Alfonso Santacana
Dirección de arte: Luis Argüello, José Antonio de la Guerra
Sonido: Felipe Fernández
Música: Miguel Asins Arbó
Elenco: Nino Manfredi, Emma Penella, José Isbert, José Luis López Vázquez, Ángel Álvarez, María Luisa Ponte, María Isbert y Julia Caba Alba.

José Luis, empleado de una funeraria, proyecta emigrar a Alemania para convertirse en un buen mecánico. Su novia Carmen es hija de Amadeo, verdugo de profesión. Cuando éste los sorprende a ambos en la intimidad, los obliga a casarse. Ante la acuciante falta de medios económicos de los recién casados, Amadeo, que está a punto de jubilarse, logra convencer a José Luis para que solicite la plaza que él va a dejar vacante, lo que le daría derecho a una vivienda. Presionado por la familia, José Luis acepta la propuesta de su suegro, convencido de que jamás ejercerá tan ignominioso oficio.

Isbert ejecuta y se jubila para delirio del espectador, mientras la flaqueza de las piernas de su yerno se convierte en uno de los mejores alegatos contra la pena de muerte jamás vistos en una pantalla de cine. Cruelmente divertida, paradigma del humor negro español, El verdugo es, probablemente, la mejor comedia española de todos los tiempos. Isbert, Azcona y Berlanga en estado puro. Premio Fipresci en el Festival de Venecia (Pablo Kurt, Filmaffinity)

En un país que se encontró largamente bajo un régimen signado por la muerte, los del verdugo y el enterrador fueron oficios que contaron con muy mala reputación entre el pueblo (e incluso a veces entre quienes los ejercían). No es casual entonces que los encargados de, respectivamente, ejecutar a los condenados y ponerlos bajo tierra, se vean inexorablemente atados el uno al otro en la que hoy es para muchos la obra maestra de Berlanga, y su tragicomedia más buñueliana. Tras enamorarse de la bonita hija del verdugo, el honesto enterrador se convierte a la fuerza en su renuente discípulo y sucesor: sobre esa premisa argumental, Isbert y Manfredi dieron vida a uno de los pares más imborrables del cine español de su tiempo, al frente de una película que llevó la influencia del neorrealismo italiano -que tanto gustaba a sus autores- un paso más allá, asestando los más brutales comentarios sobre la sociedad española, su burocracia, sus desigualdades de clase, sus miserables disputas por los privilegios repartidos a discreción por el Estado, y los mitos franquistas del deber y el patriotismo. (Catálogo del 26º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata)

Temporada VI / Función 102
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Y cuando sea mayor...

2012-01-17T04:26:00.000-03:00

La única aspiración que me queda es la de ser un hombre mimado, mimado por cosas inconcretas. Un hombre que no tenga que pensar más que en recibir una serie de rayos dorados de ternura, de mimo, de luces, de impresiones, de paisajes. Impactarme, recibir y alimentarme de sensaciones de oro, esplendorosas.

Alcanzar la plenitud, una plenitud que consista en estar inmerso en un momento de placer, y que ese momento se perpetúe. En un momento en el que exista esa cosa tan estúpida e indefinible que es la felicidad, que no está conformada por nada. No surge porque se acabe de ganar un premio, o porque una señora maravillosa se haya enamorado de ti, no. Es un momento determinado en el que se siente un goce instantáneo que no se sabe a qué se debe ni por qué viene, pero en el que te gustaría permanecer siempre.

Los premios que me han concedido, el Príncipe de Asturias, el Nacional de Cinematografía, ser académico de Bellas Artes, el doctorado honoris causa de la Universidad Complutense, y tantos y tantos otros que me han llegado en la madurez, ya los recibo con discreta sordina porque me suenan a esquela. Yo lo que quiero es vivir, vivir siempre, eternamente, contra todo y todos, contra el poder y la gloria, contra lo que sea.

Pero vivir, seguir viviendo, contra la misma naturaleza si es necesario.

Y si para ello hay que ser Dios, quiero ser Dios.

Luis García Berlanga
Del libro Berlanga. Contra el poder y la gloria, de Antonio Gómez Rufo (Ediciones B, Barcelona, 1997)

Siente a un pobre a su mesa

2012-01-16T18:00:00.000-03:00

Segunda función del ciclo dedicado a Berlanga con una de sus obras cumbres, selección oficial Cannes y nominada al Oscar a la mejor película extranjera: Plácido. Será el miércoles 18 de enero a las 20 horas, en Austria 2154, con entrada libre y colaboración voluntaria.

Miércoles 18 de enero - 20 horas
PLÁCIDO
(Idem, España, 1961, blanco y negro, 87 minutos)
Dirección: Luis García Berlanga
Guión: Rafael Azcona y Luis García Berlanga
Producción: Alfredo Matas
Fotografía: Francisco Sempere
Edición: José Antonio Rojo
Música: Miguel Asins Arbó
Elenco: Cassen, José Luis López Vázquez, Elvira Quintillá, Manuel Alexandre, Mario Bustos, Amelia de la Torre, Julia Caba Alba, Amparo Soler Leal, Mari Carmen Yepes, Luis Ciges y Antonio Ferrandis.

En una pequeña ciudad de provincias, a unas burguesas ociosas se les ocurre la idea de organizar una campaña navideña cuyo lema es: "Siente a un pobre a su mesa". Se trata de que los más necesitados disfruten por una noche del calor y el afecto que no tienen, compartiendo la Nochebuena con familias pudientes. En medio de los preparativos se encuentra Plácido, que ha sido contratado para participar con su motocarro en la cabalgata, pero surge un problema que le impide centrarse en su trabajo: ese mismo día de Nochebuena vence la primera letra del motocarro, que es su único medio de vida.

“Siente a un pobre en su mesa”: tal era el título original del film de Berlanga que de manera más directa y con mayor saña se metió con la hipocresía del sector más bienpensante de la burguesía española. Aquel título, que su autor -por primera vez en colaboración con Azcona- tomó prestado de la paternalista campaña de caridad con que el protocatolicismo franquista buscaba aplacar las conciencias de los más privilegiados en Navidad, no consiguió superar la censura; pero su premisa se mantuvo intacta. Así que, en efecto, hay en la película una campaña organizada por la Junta de Damas de la alta sociedad para que los privilegiados que se sientan más magnánimos inviten a un indigente a su cena de Nochebuena; un plan en el que el pobre de Plácido -con su modesto “motocarro” comprado a crédito- se ve involucrado a la fuerza y por pura necesidad. No sólo se sabe que Plácido impresionó al mismísimo Billy Wilder con la magistral puesta en escena de sus vertiginosas escenas corales; es probable que se trate también de la película más políticamente incorrecta de su director, y seguro que la más incorrecta de todas las que han sido nominadas a un Oscar a mejor film extranjero en la historia de la Academia. (Catálogo del 26º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata)

Temporada VI / Función 101
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Una más, y no jodemos más

2012-01-16T17:05:00.006-03:00

Como nos parecía que la cosa va demasiado bien, y Berlanga nos divierte mucho quisimos darnos el lujo de agregarle una función más al ciclo "Un enero con Berlanga". Claro que para ir a tono con el asunto, la programaremos el miércoles 1 de febrero a las 20 horas. Se trata de la última película de la filmografía del maestro español, París-Tombuctú, protagonizada por Michel Piccoli. Como siempre, en Austria 2154 con entrada libre y colaboración voluntaria. Presentará nuestro amigo Pablo De Vita.

Miércoles 1 de febrero - 20 horas
PARÍS-TOMBUCTÚ
(Idem, España, 1999, color, 107 minutos)
Dirección: Luis García Berlanga.
Elenco: Michel Piccoli, Concha Velasco, Amparo Soler Leal, Javier Gurruchaga, Santiago Segura, Juan Diego, Eusebio Lázaro, Luis Ciges, Manuel Alexandre, Pepe Sancho y Cristina Collado.

Michel des Assantes (Piccoli) es un prestigioso cirujano plástico que cansado de todo le compra a un hombre su bicicleta y con ella el tour que planeaba hacer desde París hasta el África. Pero todo terminará (y comenzará, para nosotros) en un pequeño pueblecito español en el que conviven miles de personajes histriónicos y adorables.

Bienvenido, Mr. Berlanga

2012-01-11T12:00:00.000-03:00

Comenzamos el ciclo dedicado al gran maestro español con la función número 100 del Cineclub La Rosa y la proyección de ¡Bienvenido Mr. Marshall! Será el viernes 13 de enero a las 20 horas en Austria 2154, con entrada libre y colaboración voluntaria.

Viernes 13 de enero - 20 horas
¡BIENVENIDO, MR. MARSHALL!
(Idem, España, 1953, blanco y negro, 75 minutos)
Dirección: Luis García Berlanga
Guión: Juan Antonio Bardem, Luis García Berlanga y Miguel Mihura
Producción: Vicente Sempere
Fotografía: Manuel Berenguer
Edición: Pepita Orduña
Dirección de arte: Francisco Canet, Francisco Rodríguez Asensio
Sonido: Antonio Alonso
Música: Jesús García Leoz
Elenco: Lolita Sevilla, Manolo Morán, José Isbert, Alberto Romea, Elvira Quintillá.
Narración: Fernando Rey.

Villar del Río es un pueblo pequeño, tranquilo, pobre y olvidado, en el que nunca pasa nada que se salga de la rutina. Sólo la llegada de la cantante folclórica Carmen Vargas y de Manolo, su apoderado y representante, ha supuesto una novedad en la aburrida vida del pueblo. Sin embargo, ese mismo día se presenta de pronto un delegado gubernativo que anuncia que, de un momento a otro, va a llegar una comisión del Plan Marshall (proyecto económico americano para la reconstrucción de Europa). El alcalde del pueblo, un hombre bonachón, decide entonces que toda la población se disfrace al más puro estilo andaluz para causar buena impresión a los visitantes que vienen a repartir dinero.

Una voz anuncia que se trata de “un pueblecito cualquiera”, pero a los pocos minutos ya habrá quedado claro que, en su colorido conjunto de habitantes, esta pequeña localidad representa a toda España. Con una estructura coral, ¡Bienvenido Mister Marshall! abordó las miserias de la posguerra y las expectativas desmedidas que muchos pusieron en el plan “de recuperación europea” impulsado por el secretario del tesoro norteamericano George Marshall, más conocido como Plan Marshall. Desde el alcalde hasta el peluquero, todos aguardan la llegada del estadounidense con bombos y platillos. Por supuesto que los espera la decepción de sus vidas, y ahí reside el cruel nudo de esta farsa que ridiculizó el candor de sus personajes a la vez que no dejaba de mirarlos con tristeza y cierta ternura. Fue el primer film que dirigió solo, pero Berlanga ya ponía a prueba esa capacidad inigualable para retratar su época con un humor negro salvaje y sortear la censura franquista; con tal astucia que es imposible volver a verlo seis décadas después, y no preguntarse cómo es que no se dieron cuenta. (Catálogo del 26º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata)

Premio a la Mejor comedia y Mención especial al guión en el Festival de Cannes.

Temporada VI / Función 100
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Tres sobre Berlanga

2012-01-10T10:00:00.000-03:00

"El mayor problema que tiene Luis García Berlanga no es que sea comunista. El mayor problema que tiene Luis García Berlanga es que es un mal español"

Generalísimo Francisco Franco, en reunión de Consejo de Ministros

"Berlanga es Don Quijote. (Piensa). Bueno... También podría ser Sancho"

Michel Piccoli

"Berlanga es un hijo de mala madre con ventanas a la calle. Pero si me llama, siempre me tendrá a su lado"

Alfredo Landa

La risa y la tragedia

2012-01-02T20:45:00.000-03:00

A propósito de nuestro ciclo de enero con Luis García Berlanga, reproducimos el artículo escrito por nuestro amigo Pablo De Vita con motivo del homenaje que se le hiciera en el Festival de Mar del Plata al gran director español, que con sus films renovó la cinematografía de su país.

García Berlanga, en el rodaje de Plácido (1961).

Una pareja es presa de la vorágine consumista. En un pueblo se alborotan pensando en la bienvenida a una comitiva estadounidense y en otra pequeña ciudad, en Nochebuena, los más ricos invitan a los pobres a sentarse a su mesa. También está quien acepta la labor "ejemplificadora" del verdugo y otro que conoce a una mujer cercana a la perfección. Pero en el cine de Luis García Berlanga todo resulta muy diferente a lo esperado, porque el marido de esa pareja feliz pierde su trabajo; la comitiva sigue de largo sin siquiera adivinar el recibimiento; la Nochebuena no significa necesariamente compartir el pan; el verdugo reniega de la pena capital y la mujer perfecta es, en rigor, una muñeca de goma. "Mi cine es humorístico sólo en la primera lectura: a la sonrisa inicial del espectador le sigue una mueca trágica o al menos una reflexión. Una reflexión sobre la fagocitación de ese individuo que lucha solo frente a la sociedad, que es para él una atracción seductora y también un descenso a los infiernos", dijo a La Nación, en una de sus visitas a la Argentina. Las más destacadas películas de Berlanga, fallecido hace un año, podrán verse en copias fílmicas restauradas, en la 26º edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, del 5 al 12 de noviembre. Son 10 títulos que se exhiben gracias al Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales de España (ICAA) y a la Oficina Cultural de la Embajada de España en la Argentina. Trabajos de indudable valor que prolongan la vigorosa personalidad de un artista que combinó en su cine el humor y la ternura con la crítica mordaz y el desencanto.

Berlanga había nacido en Valencia en 1921 y pertenecía a una familia politizada: su abuelo había sido diputado del Partido Liberal y su padre comenzó en esa fuerza política para luego sumarse a los republicanos del Frente Popular. Su biografía incluye estudios con los jesuitas, internados en Suiza, una carrera en Filosofía y Letras que no terminó y las armas, en la 40º División del Ejército Republicano durante la Guerra Civil y en la franquista División Azul durante la Segunda Guerra Mundial. Medio siglo después retrató en La vaquilla los días de la Guerra Civil Española pero lo hizo con su habitual tono farsesco, a través de la historia de un grupo de soldados republicanos que se adentran en territorio del bando nacional con el objetivo de raptar al animal del título para arruinarle la fiesta al enemigo y, principalmente, conseguir comida.

En 1947 ingresó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid. Su actividad previa lo había involucrado con la poesía, la pintura, la crítica cinematográfica y la escritura de guiones. Su asociación artística con Juan Antonio Bardem, desde su paso por la escuela, fue definitoria para la concreción de la ópera prima conjunta de los cineastas, Esa pareja feliz, con un argumento que goza de una impactante actualidad: un mísero matrimonio es elegido por una marca de jabón para ser "la pareja feliz" de un solo día y recibir, en un contexto de miseria y marginalidad, diversos regalos que supuestamente les "cambiarán la vida". Fernando Fernán Gómez compone con sagacidad a un trabajador del cine que es despedido sin causa.

¿Su estilo? "Tengo el mismo amor por el plano-secuencia que el que tiene el húngaro Miklos Jancsó. Pero eso me permite gobernar la escena en su totalidad, lo que a veces me hace pensar que el oficio del cineasta suele asemejarse al del psicoanalista", declaró Berlanga en una entrevista con este diario. Un cine con diálogos continuos, superpuestos y salpicados para construir el retrato deformante y jocoso de una realidad invariablemente amarga.

La primera película filmada bajo su entera responsabilidad fue ¡Bienvenido, Mister Marshall! (1953), que obtendría el premio especial del jurado en el Festival de Cine de Cannes y que pudo concluirse gracias al dinero que, en señal de agradecimiento, aportó un señor a quien uno de los productores había salvado de morir ahogado. El paso de la película por el festival estuvo rodeado de circunstancias tan berlanguianas como su propio guión: con intención promocional se repartieron dólares falsos con el rostro de los protagonistas en lugar del retrato de Washington y la delegación fue llevada a la comisaría acusada de falsificación. Por su parte, Edward G. Robinson, miembro del jurado, protestó por la secuencia donde una bandera estadounidense es arrastrada por el río y obligó a que el film se proyectara con el corte respectivo. El escritor Antonio Gómez Rufo, coguionista de la última película del realizador, París-Tombuctú, en una conferencia sobre "Berlanga y la censura" brindada en la Universidad de Cádiz, narró una singular anécdota: "Por si faltara algo, el estreno de la película en Madrid coincidió con la llegada del nuevo embajador de Estados Unidos que, al ver en la Gran Vía lo de ¡Bienvenido, Mister Marshall! , creyó que era algo preparado en plan de burla, y a punto estuvo de organizarse un incidente diplomático. Ese embajador aparecía en el No-Do [Noticiarios y Documentales , noticiero que se proyectaba en los cines españoles, antes del film. N. de E.] que se exhibía en una escena de la película, en un reportaje sobre la ayuda norteamericana a Europa, el famoso Plan Marshall". Éxito absoluto e innegable referencia a la situación de España, aislada de la ayuda de Estados Unidos para la reconstrucción de Europa, el film también es síntesis de ciertos tipos sociales que prevalecen en el tiempo y contiene una de las frases más célebres de la historia del cine español pronunciada por el actor José Isbert: "Como alcalde vuestro que soy os debo una explicación, y esa explicación os la voy a dar porque os la debo".

Calabuig (1956) hace foco en la relación entre la ciencia y la carrera armamentista, con un claro alegato en favor de la paz; en ¡Vivan los novios! (1970) se relata la historia de un casamiento que puede ser suspendido en razón de un fallecimiento, a no ser que se oculte a la difunta hasta después de la boda; Tamaño natural (1974) es protagonizada por un Michel Piccoli enamorado de una muñeca de goma; La escopeta nacional es la primera de la trilogía de la familia Leguineche, una esperpéntica historia rodada en 1977, con un industrial que organiza una cacería como vehículo para su pretendido ascenso social, y Todos a la cárcel (1993), su anteúltimo trabajo, traslada la acción a una prisión en el Día Internacional del Preso de Conciencia. Estas comedias también forman parte de la selección que se proyectará en Mar del Plata junto a otros títulos muy recordados. Tal es el caso de Plácido (1961), estrenada en un cine de Avenida de Mayo cinco años más tarde de su realización y que insólitamente, pese a su nominación al Oscar como mejor película extranjera, se exhibía sin publicidad y como complemento de un film de Palito Ortega. El origen de la historia fue la campaña "Siente un pobre a su mesa" ideada por el franquismo, que pretendía despertar el sentimiento de la caridad; en la película los anfitriones se encuentran más preocupados en limpiar sus conciencias que en atender a los indigentes. Una crítica a la incapacidad de remediar los problemas reales. Su título iba a ser el lema de la campaña de caridad formal promovida por el gobierno de Franco, pero la censura lo impidió y obligó a Berlanga a cambiarlo por el nombre del personaje protagónico.

Desde Plácido en adelante, con la excepción de sus dos últimas películas, el guionista español Rafael Azcona fue una figura tan necesaria como ineludible en la labor del director. Juntos estuvieron en Buenos Aires en 1967 para ultimar preparativos del rodaje de la coproducción con la Argentina de Las pirañas, que se estrenó en España con el título La boutique. También a esta dupla y a Ennio Flaiano se debe el guión de la estremecedora, cómica y negra El verdugo (1963), que obtuvo el premio de la crítica en el Festival de Venecia. El film contó con el protagónico de Nino Manfredi y su proyección tampoco estuvo exenta de escándalo. Creyéndola un panfleto político a favor de Franco, conocido entonces en el mundo con el título del film, anarquistas italianos recibieron a la comitiva arrojándoles piedras. El embajador español en Roma quiso prohibirla y en su estreno en España sufrió varios cortes de la censura. Incluso motivó la famosa frase que el Generalísimo le dedicó a su realizador: "Ya sé que Berlanga no es un comunista; es algo peor, es un mal español".

En lejanas entrevistas, Berlanga reconocía su condición de "miembro de honor de mil cosas" y su aspiración a vivir cientos de años. De alguna forma, como sus admirados Quevedo y Valle Inclán, a quienes siguió en clave fílmica, ha conseguido que su máximo anhelo se convirtiera en realidad.

Pablo De Vita
Diario La Nación, 28 de octubre de 2011

Un enero con Berlanga

2012-01-01T16:49:00.001-03:00

Para pasar los días de calor en la ciudad, nada mejor que una dosis de buen cine lleno de humnor, ironía y sarcasmo a la manera del gran director español Luis García Berlanga. Como siempre, con entrada libre y colaboración voluntaria, en Austria 2154.

Maestro del humor español, Luis García Berlanga (1921-2010) no tiene en nuestro país el reconocimiento que debería tener por parte de una generación que se ha perdido o se le ha pasado por alto uno de los más grandes cineastas de todos los tiempos.

Divertido, entretenido, y con mucho para apreciar más allá de la risa, porque Berlanga no sólo hace reir, sino que además en la propia acidez de su estilo dice cosas que van calando en otro plano, sembrando el conflicto interno de vernos festejar las contradicciones que presentan las miserias cotidianas de los hombres, las pequeñas alegrías y tristezas mezcladas.

Recientemente homenajeado por el último Festival de Mar del Plata, enero será un muy buen mes para darse un chapuzón en el cine de este verdadero gigante del cine.

Emiliano Penelas
Programador

Viernes 13 de enero - 20 horas
¡BIENVENIDO, MR. MARSHALL!
(Idem, España, 1953, blanco y negro, 75 minutos)
Dirección: Luis García Berlanga
Elenco: Lolita Sevilla, Manolo Morán, José Isbert, Alberto Romea, Elvira Quintillá. Narración: Fernando Rey.

En un pequeño pueblo de provincia, pobre y olvidado, se espera con ansias el arribo de una reconocida cantante y la comisión del Plan Marshall, el proyecto de rescate económico de los norteamericanos para la reconstrucción europea. Todo el pueblo, entonces, se preparará para la visita.

Miércoles 18 - 20 horas
PLÁCIDO
(Idem, España, 1961, blanco y negro, 87 minutos)
Dirección: Luis García Berlanga
Elenco: Cassen, José Luis López Vázquez, Elvira Quintillá, Manuel Alexandre, Mario Bustos, Amelia de la Torre, Julia Caba Alba, Amparo Soler Leal, Mari Carmen Yepes, Luis Ciges y Antonio Ferrandis.

"Siente a un pobre a su mesa" es el lema de la campaña navideña para ayudar a quienes más lo necesitan. Berlanga apunta contra la hipocresía burguesa, contra las damas de caridad y con el espíritu paternalista del franquismo. Selección oficial del Festival de Cannes. Nominada al Oscar a la mejor película extranjera.

Viernes 20 - 20 horas
EL VERDUGO
(Idem, España / Italia, 1963, blanco y negro, 90 minutos)
Dirección: Luis García Berlanga
Elenco: Nino Manfredi, Emma Penella, José Isbert, José Luis López Vázquez, Ángel Álvarez, María Luisa Ponte, María Isbert y Julia Caba Alba.

Un joven enamorado de la hija del verdugo pronto se ve obligado de casarse con ella, embarazada en la furtiva relación. El padre, a punto de jubilarse, ofrece su trabajo al yerno, quien se verá así beneficiado de un crédito para la vivienda. Ácida y tragicómica, es probablemente la mejor película de Berlanga.

Miércoles 25 - 20 horas
LA VAQUILLA
(Idem, España / Italia, 1985, color, 122 minutos)
Dirección: Luis García Berlanga
Elenco: Alfredo Landa, José Sacristán, Guillermo Montesinos, Santiago Ramos, Carles Velat, Juanjo Puigcorbé, Eduardo Calvo y Violeta Cela.

En medio de la Guerra Civil Española, un frente de batalla en el que hace más de un año no se dispara un solo tiro, divide a un pueblo. Del lado Nacional planean una corrida, motivo que llevará a los Republicanos a querer raptar la vaquilla para arruinarles el festejo. En el preciso relato coral, Berlanga aprovecha para colar un discurso anti bélico y reflexionar sobre el conflicto que marcó la historia de su país en el Siglo XX.

Viernes 27 - 20 horas
TODOS A LA CÁRCEL
(Idem, España, 1993, color, 99 minutos)
Dirección: Luis García Berlanga
Elenco: José Sazatornil, José Sacristán, Agustín González, Manuel Alexandre, Rafael Alfonso, Juan Luis Galiardo, José Luis López Vázquez, Agustín González, Santiago Segura, Luis Ciges, Marta Fernández-Muro, Antonio Gamero, Chus Lampreave, Eusebio Lázaro, Mónica Randall, Guillermo Montesinos y José María Tasso.

Un empresario con pocos escrúpulos organiza el "Día Internacional del Preso de Conciencia" en una cárcel, mezclando viejos presos políticos, empresarios, gente de la cultura, etc. Todos los personajes quieren sacarle partido a su estancia, y en el medio, en una obra coral desopilante, aparece la desmesura en todos sus niveles.

EXTRA, EXTRA
Miércoles 1 de febrero - 20 horas
PARÍS-TOMBUCTÚ
(Idem, España, 1999, color, 107 minutos)
Dirección: Luis García Berlanga.
Elenco: Michel Piccoli, Concha Velasco, Amparo Soler Leal, Javier Gurruchaga, Santiago Segura, Juan Diego, Eusebio Lázaro, Luis Ciges, Manuel Alexandre, Pepe Sancho y Cristina Collado.

Michel des Assantes (Piccoli) es un prestigioso cirujano plástico que cansado de todo le compra a un hombre su bicicleta y con ella el tour que planeaba hacer desde París hasta el África. Pero todo terminará (y comenzará, para nosotros) en un pequeño pueblecito español en el que conviven miles de personajes histriónicos y adorables.

Resumen de la V Temporada

2011-12-23T10:00:00.000-03:00

35 funciones
35 largometrajes
9 cortometrajes

11 ciclos

5 funciones especiales

3 funciones del "Cineclub de los chicos"

Chaplin en súper 8 (abril)
Vampiros en La Habana, de Juan Padrón (mayo)
El globo rojo y Crin blanca, de Albert Lamorisse (junio)

5 invitados especiales

Ariel Rotter presentó su película El otro
Cristian García presentó La naranja mecánica, de Stanley Kubrick
Carlos Inzillo presentó Fantasmas en Buenos Aires, de Enrique Santos Discépolo
Pablo De Vita presentó Ladrones de bicicletas, de Vittorio De Sica
Alfredo Li Gotti presentó Tarde de perros, de Sidney Lumet

Otras actividades

Participación de Emiliano Penelas en el 26º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.
Participantes de "La Movida Kane", a 70 años de El ciudadano.
En defensa de Jafar Panahi y Mohammad Rasoulof, junto a la convocatoria realizada por el Festival de Cine de Mar del Plata.
Inauguración de la Videoteca.

Rotter, el otro

2011-12-21T23:27:00.003-03:00

Ariel Rotter cerró la quinta temporada del Cineclub La Rosa. Presentó su película El otro y luego sostuvo una larga charla con el público, que disfrutó del film y de las palabras de su director. ¡Feliz fin de año!

Ariel Rotter junto a Emiliano Penelas, del Cineclub

Ariel Rotter cerrará la temporada del Cineclub La Rosa

2011-12-07T14:56:00.000-03:00

El miércoles 21 de diciembre a las 20 horas finaliza la V Temporada del Cineclub La Rosa con la presecia especial de Ariel Rotter, quien presentará su película El otro, ganadora en el Festival de Berlín del Premio Especial del Jurado y el Oso de Plata al Mejor Actor, Julio Chávez. Será en Austria 2154, con entrada libre y colaboración voluntaria.

Miércoles 21 de diciembre - 20 horas
EL OTRO
(Idem, Argentina, 2007, color, 83 minutos)
Dirección y guión: Ariel Rotter.
Producción: Verónica Cura y Enrique Piñeyro.
Dirección de Fotografía: Marcelo Lavintman.
Montaje: Eliane Katz.
Sonido: Martín Litmanovich.
Dirección de arte: Ailí Chen.
Elenco: Julio Chávez, Osvaldo Bonet, María Onetto, María Ucedo, Inés Molina y Arturo Goetz.

El film narra cómo un habitual viaje de negocios de medio día al interior país se transforma en otro viaje. Al llegar a destino, Juan Desouza decide tomar otra identidad, inventarse una profesión, conseguir un lugar donde dormir, y considerar la posibilidad de no regresar.

El otro es darle identidad a una parte de nosotros mismos. Es el instinto de un hombre por comprender su tiempo vital.Somos nosotros intentando corrernos de nuestra propia sombra y ,en ese movimiento de desapego, observarnos como si fueramos otra persona, y asi, intentar comprender que nos sucede.

Un hombre se estremece: puede, por primera vez, imaginar el transcurrir de sus dias.

El otro es el grito silencioso y desesperado de un hombre por sosegarse ante la evidencia de finitud.

Y la comprension de que todo aquello que imagino, todos los posibles caminos que alguna vez creyo tener ante sus ojos, se han reducido solo a uno: aquel al que sus pies lo pueden llevar.

El otro propone aventurarse a deshacer esa certeza y jugar.

Adoptar una nueva identidad, que nos proteja de la propia.

Y asi, bajo el anonimato que propone esta nueva identidad, quizas podamos ser mas autenticos que nunca antes y redescubrir nuestros gustos, deseos e instintos.

Temporada 5 / Función 99
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Sobre "El otro", por su director

2011-12-05T12:25:00.000-03:00

Ariel Rotter, director de El otro, habla sobre su película, que presentará en la última función del año del Cineclub La Rosa, el miércoles 21 de diciembre a las 20 horas.

La Historia
La película esta compuesta por capas. Hay una capa aparente, evidente, que es la de la acción de su protagonista: un habitual viaje de negocios, de medio día, al interior del país, se trasforma en otro viaje: Al llegar a destino, Juan Desouza, descubre que el hombre que viajaba a su lado no se despierta. Secretamente, casi como un juego, decide tomar la identidad del muerto, inventarse una profesión, conseguir un lugar donde dormir: la posibilidad de no regresar.

En su nuevo estado de disponibilidad, el hombre no tiene compromisos. Nadie lo conoce, a nadie lo conoce a él. No tiene nada que hacer. Es libre. Pero quiere entender. Y encuentra una posibilidad única: Con su nueva identidad puede asistir a su propio funeral.

Pero la película trata ante todo de aquello que vive bajo su superficie: de modo incierto, trata sobre la decadencia física, sobre el temor a la muerte, la propia y la de nuestros padres, sobre el temor a nuestra propia paternidad, sobre el deseo físico, sobre el reconocimiento de nuestras limitaciones y el extrañamiento que atravesamos al percibir que nuestra vida va delineándose hacia un lugar que quizás no recordamos haber elegido.

La noción de Paternidad
Cuando, en la primera escena, se da cuenta que va a ser padre. Juan entra en un silencioso panico . Creo que la pelicula es eminentemente masculina en ese sentido.

Intenté transitar el posible camino oscuro que se desarrolla junto a lo mas preciado que le puede pasar a un hombre. ¿Cómo explicar una posible sensación de pérdida en este contexto?

Me interesa el instante despues, los días inmediatos a recibir una noticia transcendental. Cómo reacciona la cabeza, pero sobre todo como reacciona el cuerpo. Estoy convencido que el cuerpo no se equivoca.

Una súbita sensación de extrañamiento y distancia para con su mujer aparece en un terreno donde el amor se matiene mas vigente que nunca. Pero hasta el cuerpo de ella parece ajeno. Observa a su mujer mientras duerme y la percibe como a una extraña. Ese cuerpo que apenas se infla levemente con cada respiración es de una fragilidad que no se condice con el poder abrumador que tiene sobre él.

La noticia del embarazo funciona como un detonante, que potencia su percepción y sensibilidad frente a la decadencia de su propio padre.

El espejo deformante entre lo que fue nuestro modelo de seguridad y bienestar y lo que ahora tenemos entre manos, se presenta con una triste violencia sobre el paso inexorable del tiempo.

Aquellos que asistimos a las migajas de quien fue nuestro padre y tuvimos que atravesar el sinuoso sendero que comprende, el entender que de pronto nos convertimos en los padres de nuestros padres, el enojo que produce el tener que asistir a la dolorosa imagen de un cuerpo que lentamente va perdiendo su funcionamiento y la certeza que en algun momento, nosotros seremos los próximos en ocupar ese lugar, y será nuestro hijo quien nos bañe.

En el final, tras el recorrido que Juan realiza, aquello que se le presentaba como una dolorosa cotidianeidad no lo es menos, pero ese pequeño recreo, quizas le ayude a estar un poco mas en calma y de algun modo, sentirse afortunado de poder hacerlo.

Poder decirle que va a tener un hijo (quizás la culminacion mas hermosa de nuestra vida como hijos), poder disfrutar de atenderlo en sus ultimos momentos, ayudarlo a atravesar el pudor de verse limitado en sus necesidades básicas. Y juntos, esperar que el tiempo haga lo que tiene que hacer.

El tiempo de alguien
Durante el proceso de la película murio uno de mis mejores amigos. Tenía 41 años y fue junto con la muerte de mi padre, de los golpes mas duros que recibí en mi vida.

Dejando de lado el tremendo dolor, lo más impresionante fue la noción de que, repentinamente, podemos dejar de vivir . Y que le tocó a él , como me pudo haber tocado a mi.

En ese momento deseé poder tomar su lugar y que él tome el mío, con tal de que volviera de esa muerte injusta, tan a destiempo.

La escena del micro, tiene ese pulso. Ambos se durmieron, uno no se desperto. ¿Cuándo? ¿Cómo? ¿Por qué? No importa. Lo cierto es que el otro no respira mas. La pelicula es de algun modo, mi modo de decirle a él y a mi padre que los extraño y que siempre los recordaré.

Creo que puedo hablar con cierta propiedad solo de aquello que creo conocer. Mi aproximación al cine tiene ese carácter. Hago cine para intentar obtener un poco de paz, de calma, respecto de mis propios fantasmas. No sabría cómo hacer algo que no me sea propio de algun modo. Esto no quiere decir que deba ser autobiográfico ni mucho menos. Pero sí debe pertenecerme de algun modo.

Hacer esta pelicula
Esta película sucede solo en la percepción y a través de los ojos de un hombre. Es su mirada la que conforma la película. Las cosas existen o dejan de existir conforme él las perciba. En su mirada podemos entender su busqueda. Fuera de ella, no hay nada.

Esta es una película sobre esa percepción y no sobre la comunicación de esa percepción.

Lo mas importante y el desafío era encontar esa mirada específica y no genérica sobre las cosas y el mundo. Toda imagen está viva si es específica.

El que en su interior encuentre resonancia de las cuerdas que suenan en la película podra seguir su música.

Todo el planteo formal de la película funciona en esa dirección. La puesta de cámara es estricta.

El protagonista es un hombre que está bien. Está bien con su mujer, con su padre, con su trabajo. No es el relato de un hombre en "No afinidad con su mundo". Es un hombre bien educado y cariñoso.

¿Cómo contar aquello que no es definible, en un hombre que esta en armonía con lo que lo rodea? ¿Cómo filmarlo?

Quise permanecer invisible en la película. Que tanto la imagen, como el sonido surgieran de la necesidad de acompañar al personaje del modo menos invasivo posible. No evidenciar la construcción. Y entendimos que el modo de hacerlo era desde la austeridad. La fotografía, el arte, el sonido, el montaje y la producción trabajan desde esa premisa.

Sin dejar de contar lo que se pretendía, hacerlo de un modo simple, directo, eminentemente visual. Con la menor cantidad de planos posibles. Algunas escenas necesitaban de 2 planos, otras de 12.

La película tiene pocos diálogos, pero considero que cuenta mucho. Contar con imágenes, en acción, lo que sucede en la percepción de un hombre.

Julio Chávez
No escogí al actor. Yo escribí para esta persona. Desde la primer palabra, para él. Fue su imagen la que le daba vida a las escenas a medida que escribía.

Julio tiene una verdad única. Su presencia tiene el alma suficiente para sostener una película y su mirada es una película en si misma.

El grado de compromiso de julio para con el proyecto supera los limites de lo imaginable. Solo aquel que filmo con él puede comprender la real dimensión de estas palabras. Fue un ejemplo de fe, concentración y voluntad para todo el equipo.

A su talento natural, le agrega una capacidad de trabajo notable y a su capacidad de interpretación, un impresionante caudal de análisis.

Sus herramientas como autor, director y artista plástico acompañan el desarrollo del trabajo previo y en rodaje. Trabajar con Julio es tener un aliado de lujo en el armado de cada puesta en escena.

El magnetismo de Julio en la pantalla es impresionante. Creo que más allá del papel que interprete, hay algo transparente en Julio y que tiñe a todos sus personajes: en sus ojos podes percibir que es una buena persona. Y esa humanidad es inconstruible.

Es un tipo fuerte, pero extremadamente sensible y frágil a la vez. Y esto se evidencia en cada escena de la película.

Ariel Rotter

Renovación de autoridades en la Biblioteca

2011-12-01T19:42:00.000-03:00

Fueron renovados los cargos de Comisión Directiva del Centro Cultural y Biblioteca Popular Carlos Sánchez Viamonte, quedando conformada de la siguiente manera:

Comision Directiva 2011-2013

Presidente: Emiliano Penelas

Vicepresidente: Ana Rodríguez Marcó

Secretario: Atilio Francisco Orsi

Tesorera: Carolina Orsi

1º Vocal Titular: Juan Pablo Orsi

2º Vocal Titular: Arnaldo Juan Manuel Marrero

1º Vocal Suplente: Carlos Palacios

2º Vocal Suplente: Guillermo Fuentes Rey

Integrantes del Órgano de Fiscalización

Revisor Titular: Rafael Ianover

1º Revisor Suplente: Raúl Horacio Megy

El mundo como un supermercado

2011-11-17T08:50:00.000-03:00

Finalizamos el mes con la última función del ciclo dedicado a Harun Farocki. Proyectaremos Naturaleza muerta y Reconocer y perseguir, el miércoles 30 de noviembre a las 20 horas. Como siempre, la entrada es libre y gratuita, con colaboración voluntaria, en Austria 2154.

Miércoles 30 de noviembre - 20 horas
NATURALEZA MUERTA
(Stilleben, Alemania, 1997, DVD, 58’)
Dirección y guión: Harun Farocki.
Producción: Harun Fatocki Filmproduktion Berlin, Movimento Production (Christian Baute, Pierre Hanau); en coprodución con ZDF/ 3sat, RTBF-Carré Noir (Christiane Philippe), Latitudes Production (Jacques-Henri Bronckart), ORF Dr. Heinrich Mis), et alii.
Cámara: Ingo Kratisch.
Montaje: Irina Hoppe, Rosa Mercedes (Harun Farocki) y Jan Ralske.
Sonido: Ludger Blanke, Jason Lopez y Hugues Peyret.
Locutor: Hanns Zischler.

Utilizando un montaje paralelo, Farocki combina las clásicas pinturas de naturalezas muertas de los siglos XVI y XVII con fotografías de los años ’90. Pinturas y publicidades: Imágenes de dinero, queso o cerveza, pintadas en las primeras con todo lujo de detalles, y colocadas meticulosamente en las segundas como incentivo de compra. La película de Faroki indaga sobre las características comunes y las diferencias entre dos maneras de presentar las cosas cuando los productos y los objetos tienden a convertirse en fetiches.

Stilleben surgió para la Documenta X dirigida por Catherine David en el 1997. La película, a su vez la última hasta el momento que Farocki rodó en formato cine y no en formato vídeo, fue concebida para una exposición. Farocki utiliza esta posibilidad de una manera reflexiva: hace de la puesta en escena de la exposición y al mismo tiempo de la cosificación de pinturas y fotografías el tema de su película.

El principio fundamental de la película es el montaje paralelo: Stilleben muestra por un lado pinturas clásicas de naturalezas muertas de los siglos XVII y XVIII, y, por otro lado, grabaciones de estudios de fotografía publicitaria de los años 90, en los que se muestran los mismos objetos: relojes, alimentos, vasos, dinero. En las pinturas, la simbología de las cosas remite a Dios, en la publicidad aparecen endiosadas las cosas en sí.

Al utilizar naturalezas muertas y fotografías documentales de las agencias de publicidad que estilizan las cosas, Farocki relaciona entre sí dos técnicas de imágenes que de manera diferente trabajan en la representación de los “sistemas de las cosas”. La historiadora de arte Svetlana Alpers describió la pintura holandesa con el término “el arte de describir”, para oponerla a la narrativa pintura italiana: “Si buscamos los precursores históricos de la imagen fotográfica, los encontraremos en los cuadros del siglo XVII en sus variadas conexiones de vista, reconocimiento y reproducción”, escribe. Esta continuidad hay que agradecérsela también a la película de Farocki, que hace visible una serie de características comunes entre la fotografía para anuncios y las pinturas de naturalezas muertas sin eliminar las diferencias históricas y de medio.

En la película de Farocki no sólo se encuentran dos regímenes de imágenes diferentes y emparentados. Al mismo tiempo, relaciona dos procedimientos que en las películas anteriores siempre habían sido usados por separado. Las grabaciones de los estudios de fotografía carecen de cualquier comentario explícito y se unen en este punto a las numerosas películas de Farocki. Sobre todo Ein Bild (Una imagen), en la que había grabado, sin incluir comentarios, la sesión fotográfica de una modelo de Playboy en el 1983. En las escenas en las que se nos muestran cuadros de Pieter Aertsen, Pieter Claesz, Hans van Essen y de otros maestros de las naturalezas muertas, a menudo en plano detalle, habrá, por el contrario, comentarios que analizan y teorizan la relación entre la imagen y lo que esta muestra, al igual que ya se pudo ver y oír en Wie man sieht (Cómo se ve; 1986) y en Bilder der Welt und Inschrift des krieges (Imágenes del mundo y epitafios de guerra; 1988).

"Objetos en relación con otros objetos. Objetos que forman una composición. Da la sensación de que las cosas pudieran crear un sistema para ellas mismas. Las relaciones entre ellas pueden seguir reglas parecidas a las de un idioma" se dice al principio de la película sobre el cuadro de Pieter Aertsen "Marktfrau am Gemüsestand" (literalmente “Vendedora en el puesto de verduras”). Naturaleza muerta no quiere descifrar este lenguaje, ni traducirlo en un texto más claro. Farocki confía en que, gracias a la contraposición de ambos campos, se hagan visibles una serie de relaciones y que los comentarios de las escenas de pinturas encuentren su eco en los ciclos de producción de los estudios de fotografía. ¿Cómo puede ser que, en las naturalezas muertas, el hombre se haya quedado en un segundo plano en favor de los objetos? ¿Se liberan las naturalezas muertas, que paralelamente proceden de las modernas ciencias naturales, de los pensamientos religiosos de la Edad Media, o por el contrario éstos las envuelven? Tras las imágenes y su interpretación se esbozará una red de líneas económicas, comunicativas y mediáticas, cuya huella se podrá encontrar tanto en las pinturas como en los ceremoniosos y casi mágicos rituales de las sesiones fotográficas.

Farocki observó a cuatro fotógrafos mientras trabajaban en el estudio: un billete, queso, cerveza y un reloj serán puestos en pose y preparados para ser fotografiados. Si en las naturalezas muertas las imágenes se muestran como productos acabados (que por su parte muestran productos), la producción de imágenes en las escenas contemporáneas acaba en la vista. La semejanza de los objetos mostrados hace posible saltos cinematográficos de siglos entre dos imágenes por medio del corte paralelo: un queso que es cortado meticulosamente en pequeños trozos para un anuncio en un estudio fotográfico en París, puede rápidamente ser recortado del cuadro de Hans von Essen “Ein gedeckter Tisch” (literalmente “Una mesa cubierta”), sin que se perciba como un corte tajante.

El hecho de que las pinturas de naturalezas muertas tengan su origen en las pinturas de los mercados del siglo XVI, denota un principio económico que se extiende por medio de las pinturas y de las fotografías publicitarias al mundo de las mercancías: “Las cosas no deben tener ningún valor de fe, sino un valor en el mercado. ¿Cómo se puede fundamentar el comercio mundial en la fe?".

Volker Pantenburg

RECONOCER Y PERSEGUIR
(Erkennen und verfolgen, Alemania, 2003, color / blanco y negro, 58 minutos)
Dirección y guión: Harun Farocki.
Producción: Harun Farocki Filmproduktion (Berlin).
Cámara: Ingo Kratisch y Harun Farocki.
Montaje: Max Reimann.
Música: Bernd Alois Zimmermann.
Locutor: Margarita Broich.

Las grabaciones de los puntos de mira de los misiles americanos son mundialmente conocidas desde la guerra de Irak en 1991; sirvieron como muestra de la superioridad técnica. Para Harun Farocki son ejemplos de un nuevo tipo de imágenes. Sistemas GPS, “armas inteligentes”, la elaboración industrial de piezas mecánicas: todos se basan en procesos aritméticos, en los que las imágenes se reducen a algoritmos y operaciones técnicas.

Erkennen und Verfolgen es la orden que está escrita en los misiles que se usan hoy en día. Armas para las que se acuñó el cínico término de “armas inteligentes”. Gracias a un software de análisis de imágenes reconocen e identifican un objeto predefinido que luego persiguen hasta destruir.

Esta forma de reconocimiento de patrones (“pattern recognition”) es desde hace tiempo un procedimiento de uso común en la elaboración industrial. También esta se basa en el ajuste de una imagen predefinida programada con sus actualizaciones reales (“pattern matching”). Una cámara identificará la pieza mecánica, un brazo mecánico la cogerá y seguirá siendo tratada. La película de Harun Farocki analiza ambos ámbitos, el sector militar y el civil, bajo una simple premisa: "Debe haber una relación entre la producción y la destrucción".

Ya en Bilder der Welt und Inschrift des Krieges (Imágenes del mundo y epitafios de guerra; 1988) se hablaba de la dialéctica de la producción y destrucción de imágenes. El foco era entonces el medio fotográfico y su deducción de la fotogrametría del siglo XIX; fotografías aéreas y fotografías de Auschwitz son los dos puntos centrales de la película. “Erkennen und Verfolgen” es una continuación de Bilder der Welt (Imágenes del mundo), una actualización que utiliza las nuevas condiciones técnicas de principios del siglo XXI. Ya no es la imagen fotográfica, a la que hay que agradecerle el adelanto químico, físico y mecánico del siglo XIX, la que hoy organiza operaciones civiles y bélicas, sino que se hace con imágenes de la era electrónica procesables por medio del ordenador.

Un punto de partida histórico que une las dos películas de Farocki es la Segunda Guerra Mundial. En 1942 los técnicos militares alemanes probaron por primera vez las “bombas filmadas”, un término de Klaus Theweleit: Explosivos en cuyo misil se implantó una cámara. Ya de aquella se podían ver las imágenes desde un avión hasta que la cámara explotaba junto con la bomba al encontrar su objetivo. Desde luego, esta arma nunca se utilizó. Fue a principios de los 90, en la primera guerra de Irak, cuando se difundieron de manera global las grabaciones de semejantes “armas de suicidio”.

Las imágenes de la Primera Guerra del Golfo muestran cuan diferentes eran la guerra y la cobertura mediática. Le sirvieron a los EEUU para demostrar su supremacía técnica así como para establecer la idea de una guerra quirúrgica. El término para denominar el tipo cirugía que presenta la película de Farocki, posible gracias a la ayuda de la manipulación de imágenes, es operación de cirugía invasiva mínima, en la que los ojos del cirujano ya no necesitan ningún corte ancho, sanguinolento y que dejaría una gran cicatriz: hacen falta una sonda para el bisturí y otra para la micro-cámara, que sigue al cuchillo de manera automática.

Las imágenes verdosas de las "armas inteligentes" muestran de esta manera, según Farocki, su contexto militar. La diferencia entre la identificación de una pieza mecánica en la producción civil, o como un sistema de navegación tantea los bordes de las aceras no es muy sustancial, radica únicamente en el aplicación de la estrategia del sistema de control de los misiles. En este tipo de usos civiles, se refleja una sustitución de las relaciones laborales. Después de que la automatización haya hecho rápidamente inservible la mano del hombre, se irán sustituyendo progresivamente las funciones de los ojos. Se les dará autonomía a las máquinas, y las imágenes serán elaboradas y procesadas como si fueran piezas mecánicas.

Erkennen und Verfolgen muestra también, al igual las tres instalaciones “Auge/Maschine I-III” (“Ojo/MáquinaI-III”) en cuyo material se basa la película, que el desarrollo descrito produce un universo de imágenes que no existía en esa forma. En su realización militar y civil las imágenes establecen un nuevo tipo que Farocki nombra relacionándolo con el concepto de las “imágenes operativas” de Roland Barthes. Las “imágenes operativas” no tienen otro destinatario que los algoritmos de seguridad, no están pensados para ser contemplados o interpretados con los métodos habituales. Su principal cualidad reside en hacerse invisibles en favor de una operación destructiva o productiva. Son “información y no imágenes”, como se les llama una vez en la película, líneas de píxeles seleccionadas, una escritura para ciegos para un programa que puede leerla.

Salvo que alguien los sustraiga de su mecanismo de ejecución y los jeringue en otro sistema circulatorio, como hace Farocki con Erkennen und Verfolgen: el del arte o en público en general. El “reconocer” vacío y mecánico del título se puede transformar de esta manera en conocimiento crítico. Gracias a la debilidad que parecen tener con su autonomía, las imágenes electrónicas pueden dar pie a la curiosidad intelectual: “Estas imágenes operativas deberían abrir una nueva visión del mundo del que muestran algo.” (Farocki)

Volker Pantenburg

Este ciclo cuenta con la colaboración del Goethe-Institut.
Temporada 5 / Función 98
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Modos de ver

2011-11-14T09:35:00.000-03:00

Segunda función del ciclo dedicado a Harun Farocki con la proyección de Cómo se ve. Será el miércoles 16 de noviembre a las 20 horas, con entrada libre y colaboración voluntaria, en Austria 2154.

Miércoles 16 de noviembre - 20 horas
CÓMO SE VE
(Wie man sieht, Alemania, 1986, color / blanco y negro, 72 minutos)
Dirección y guión: Harun Farocki.
Producción: Harun Farocki Filmproduktion Berlin; con ayuda de Hamburger Filmbüro
Cámara: Ingo Kratisch y Ronny Tanner.
Montaje: Rosa Mercedes (Harun Farocki).
Sonido: Manfred Blank y Klaus Klingler.
Locutor: Corinna Belz.

Producción civil y militar: El tanque está construido a partir de una máquina agrícola, la ametralladora se basa en el mismo principio que el motor de combustión. Farocki nos presenta la historia de la técnica como una sucesión de fases de automatización, en las que la mano humana será apartada a un lado por la capacidad de cómputo del ordenador.

Como punto de partida del doble movimiento intelectual de Wie man sieht aparecen dos ilustraciones de un libro. En uno se puede ver un arado, y en el otro un cañón. Se escucha una voz en off de mujer que nos guiará a través de las imágenes de la película: “Esto es un arado a modo de cañón, o un cañón que parece un arado.” En la similitud de forma de la máquina y el arma se encuentran dos prácticas culturales: El productivo trabajo agrícola y el destructivo bombardeo militar. "La reja sólo está ahí para darle una categoría al cañón. La guerra se basa en la necesidad de la gente ganarse el pan cada día".

Farocki traza en su película numerosas constelaciones, en las que la similitud formal no sólo provoca dos formas de leer diametralmente diferentes, sino que también tiene consecuencias sociales de gran alcance. Farocki se ocupa de algunas preguntas generales sobre la historia de la cultura y de la técnica. Él mismo ha esbozado así el tema: “Se trata de cruces de caminos y formación de ciudades, metralletas con manivela y metralletas con retroceso, el trazado de la autovía en la Alemania nacionalsocialista y en la República Federal Alemana, la planificación de las carreteras y el despedazamiento de animales, imágenes de batallas desde arriba y desde abajo, el nacimiento de la calculadora en la tejeduría”.

Si se quisieran entresacar del variado material líneas individuales, se podrían describir dos líneas históricas a las que remite Wie man sieht varias veces: por un lado el desarrollo del cañón, que se mejoró sucesivamente tras su invención en 1861 y se utilizó por primera vez en la Guerra Civil Americana, después en guerras coloniales y en la Primera Guerra Mundial; y por otro lado el desarrollo de los ordenadores, que deben su principal operación, la diferenciación en ceros y unos, al telar de Jacquard y al sistema de plantillas perforadas concebidas para este.

Ambos son “modelos exitosos”, inventos técnicos, que dieron una forma funcional al principio de eficiencia. Su imposición y expansión se basa en una automatización progresiva; en el relevo del trabajo manual por la máquina. En Wie man sieht Farocki busca sin nostalgia atisbos de ese trabajo manual y puntos en los que serían posibles otros desarrollos. También por este motivo la película en sí es sencilla y sobria: un producto sobre el trabajo manual y el rigor intelectual. La mayor parte de la película está formada por dibujos filmados y fotografías, sólo de vez en cuando enlaza el material, a menudo histórico, con imágenes filmadas en movimiento: un joven discapacitado maneja un telar, un ingeniero británico informa sobre un ferrobús que desarrolló el personal de una gran empresa para evitar su despido.

"Farocki abandona el cine industrial y empieza de nuevo a partir del trabajo manual e intelectual de realizar una película. Hace una película sencilla, y su sencillez es asombrosa: hace de cada momento un momento de la realidad", escribió el realizador de documentales Hartmut Bitomsky sobre Wie man sieht. La película de Farocki se acerca estrechamente en sus reflexiones sobre el trazado de las carreteras y diferentes construcciones de puentes a la película Reichsautobahn (La autopista del Reich), que surgió casi al mismo tiempo. Bitomsky va más allá: “Entre el telar y el ordenador hay siglos de diferencia, entre el sistema decimal y la calculadora digital sólo un salto intelectual. Sobre eso trata la película: sobre distancias y conexiones. Y así es la película: La visión de una imagen conduce a una idea, y esta idea conduce a otra imagen, y así sucesivamente, porque siempre hay una asociación libre que lleva a una nueva asociación”.

Así, las asociaciones libres que ya había estructurado en Zwischen zwei Kriegen (Entre dos guerras”) y Etwas wird sichtbar (Frente a nuestros ojos), se convertirán aquí en protagonistas. Por eso Wie man sieht es un instrumento de emancipación del pensamiento de y por medio de las imágenes.

Volker Pantenburg

Este ciclo cuenta con la colaboración del Goethe-Institut.
Temporada 5 / Función 97
Cineclub La Rosa
Austria 2154

El Cineclub La Rosa en el 26º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

2011-11-10T16:27:00.005-03:00

Invitado por su presidente, José Martínez Suárez, el programador del Cineclub La Rosa, Emiliano Penelas, participó de la charla en homenaje a Luis García Berlanga junto a otro amigo de la casa, Pablo De Vita, y Carlos Aristáin. Un cuadernillo editado por el Festival fue donado a la Biblioteca.

El miércoles 9 de noviembre se llevó a cabo, en el Salón Plaza del Hotel Provincial, la charla "Homenaje a un grande: Luis García Berlanga", en el marco de la retrospectiva que se realiza del gran cineasta español en el 26º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, que se celebra en la ciudad balnearia del 5 al 13 de noviembre, inclusive.

Moderada por José Martínez Suárez, presidente del Festival y socio honorario de nuestra Biblioteca, participaron Carlos Aristáin, amigo personal de Berlanga y colaborador en varias de sus películas, el crítico e investigador cinematográfico Pablo De Vita, y Emiliano Penelas, programador del Cineclub La Rosa y presidente del Centro Cultural y Biblioteca Popular Carlos Sánchez Viamonte.

A propósito del ciclo que exhibe por primera vez fuera de España diez largometrajes de Berlanga en copias restauradas en 35mm, fue editado un dossier que pronto estará catalogado y disponible en nuestra Biblioteca, Austria 2154.

30003 visitas

2011-11-08T09:04:00.002-03:00

Gracias a todos los lectores y seguidores de www.cineclublarosa.blogspot.com superamos las treinta mil visitas.

De prisiones y trabajadores

2011-10-24T01:00:00.000-03:00

Comenzamos el ciclo dedicado a Harun Farocki con dos películas en las que el foco está puesto en la resignificación de las imágenes que nos ofrecen las cámaras de vigilancia carcelarias y la historia del cine retratando a los obreros: Imágenes de prisión y Trabajadores saliendo de la fábrica. Será el miércoles 2 de noviembre a las 20 horas, con entrada libre y colaboración voluntaria, en Austria 2154.

Miércoles 2 de noviembre - 20 horas
IMÁGENES DE PRISIÓN
(Gefängnisbilder, Alemania, 2000, color / blanco y negro, 60 minutos)
Dirección y Guión: Harun Farocki.
Producción: Harun Farocki Filmproduktion Berlin, Movimento Paris, Christian Baute.
Cámara: C. Lee Crane e Ingo Kratisch.
Montaje: Max Reimann.
Sonido: Louis van Rooky.

¿Cómo se ha retratado la cárcel en 100 años de historia del cine? ¿Qué imágenes produce la cárcel por sí misma en las cámaras de seguridad y videos de formación para el personal de vigilancia? El centro penitenciario aparece en las películas de Farocki como un laboratorio antropológico en el que se estudia la vida y la muerte a través de los ojos de la cámara.

Diferentes películas han mostrado la cárcel como un lugar del que hay que escaparse como en las películas de fugitivos o que, debido a su limitado espacio, haya que dramatizar como en un teatro de ensayo. Gefängnisbilder puede referirse también a imágenes documentales que se producen en la cárcel misma: grabadas por medio de cámaras de vigilancia, los vídeos de formación para el personal de seguridad o el material visible de los programas de reconocimiento de imagen que informan sobre la posición exacta del preso.

La película de Harun Farocki, que recoge y amplía material de la videoinstalación Ich glaubte, Gefangene zu sehen (Creía ver prisioneros), relaciona ambos tipos de imágenes, imágenes del cine e imágenes del servicio penitenciario. Tras Arbeiter verlassen die Fabrik (Trabajadores saliendo de la fábrica, 1995) y Der Ausdruck der Hände (La expresión de las manos, 1997), Gefängnisbilder es la tercera película de Farocki que se dedica a la “expresión cinematográfica” y a su iconografía, economía y política. Las dos películas anteriores se vuelven a encontrar aquí. La puerta de la cárcel recuerda la puerta de la fábrica, y durante su encarcelamiento, a los reos se les enseñarán trabajos artesanales que se supone que los hará mejores moralmente.

Las secuencias que cita la película, que proceden exclusivamente del cine europeo: Un condenado a muerte se escapa, de Robert Bresson, Un Chant d’amour (Canción de amor) de Jean Genet e Im Namen des Gesetzes (literalmente En nombre de la ley) de Meter Weiss son los puntos de referencia centrales a los que Farocki vuelve reiteradamente. A pesar de todo se atiene a su diagnóstico interés por la presencia de las cárceles de los EEUU a finales del siglo XX. El aumento continuo de la población que está en prisión, a pesar del retroceso del índice de criminalidad hace pensar en la prohibición de los años 20-30. Junto a las nuevas cárceles esta realidad construye también un nuevo régimen de imágenes y paisajes. Farocki las orienta en la tradición de entender la cárcel como un laboratorio del comportamiento humano, un centro de investigación antropológico y técnico, en el que se analizarán tanto la conducta humana como la posibilidad de manipularla y condicionarla.

Al igual que en los temas de producción, destrucción (Erkennen und Verfolgen; Reconocer y perseguir; 2003) y consumo (Schöpfer der Einkaufswelten; Los creadores de los mundos de compras; 2001), también aquí se mostrará una parte de los mecanismos de control durante el cumplimiento de la pena que regulan los procesos sociales, bien con posterioridad por medio de la vigilancia, o bien de modo prescriptivo, por medio del reconocimiento de imágenes.

La imagen más intensa proviene de una cámara de vigilancia de la cárcel de alta seguridad de Corcoran, California. En imágenes movidas y mudas se pueden ver dos presos en actitud rival, que se lanzan el uno sobre el otro en el patio y empiezan a pelear. Después de un intercambio de golpes se ve en primer plano humo que asciende: un vigilante disparó y alcanzó a uno de los implicados. Pasan nueve interminables minutos hasta que se llevan el cuerpo, ya muerto, en una camilla.

En un momento, en el que es posible el control por medo de GPS y esposas para los pies, este acto de violencia directa constituye un residuo de la práctica abierta del poder disciplinario. Hoy, así lo sugiere la película de Farocki, podríamos haber llegado a un límite: la sociedad disciplinada descrita por Michel Foucault que imperó durante el siglo XIX y gran parte del XX, será relevada por la sociedad de control (Pilles Deleuze), que gracias a sus sistemas de vigilancia electrónicos ya no está condicionada a un lugar fijo.

Aquí, como en otras películas de Farocki desde los años 90, se puede reconocer también la urgencia de mostrar las “imágenes operativas” que en cualquier caso de manera involuntaria son susceptibles de análisis, para mostrar y hacer con ello una crítica.

Volker Pantenburg

TRABAJADORES SALIENDO DE LA FÁBRICA
(Arbeiter verlassen die Fabrik, Alemania, color / blanco y negro, 1995, 36 minutos)
Dirección y guión: Harun Farocki.
Producción: Harun Farocki Filmproduktion Berlin, WDR Köln, con ayuda de ORF, Wien, Dr. Heinrich Mis, LAPSUS, Paris, Christian Baute, DRIFT, New York, Chris Hoover.

Partiendo de una de las primeras históricas películas de los hermanos Lumière, Harun Farocki recopila escenas de 100 años de la historia del cine que tratan el tema "Trabajadores saliendo de la fábrica". Extrae de las imágenes las reflexiones sobre la iconografía y la economía de la sociedad de trabajo, pero también del cine en sí mismo.

Una de las primeras películas de la historia del cine, que muestra a unos trabajadores que abandonan una fábrica, fue concebida para la elaboración de un artículo fotográfico para la “Société Anonyme des Plaques et Papiers Photographiques A. Lumière et ses Fils” en Lyon. Las mujeres y los hombres cruzan la puerta en grupo antes de desparecer simultáneamente por la derecha e izquierda de la imagen.

Esta película, que no llega al minuto de duración y que está rodada desde un solo plano, al igual que la mayoría de las películas de los hermanos Lumière, marca el nacimiento de la cinematografía. Para Harun Farocki es, a la vez, el punto de partida de un estudio iconográfico, para el que realiza un montaje relacionando una multitud de variantes de este “tópico cinematográfico“ y que comenta una voz en off. En el centenario del medio cinematográfico deja que las imágenes hablen por sí mismas y combina por medio del metraje encontrado material recopilado de películas, documentales, noticiarios semanales: Marylin Monroe, a la que recoge su novio después del trabajo en Clash by Night (Encuentros en la noche) de Fritz Lang; grupos de combate de la clase trabajadora de la RDA que salen de la fábrica, un coche de megafonía del sindicato IG Metall, que intenta hacer propaganda con música de Ernst Busch entre los escépticos trabajadores de la empresa Volkswagen en Emden en los 70; un esquirol en Desertir (El desertor) de Pudovkin que se queda atrapado bajo el peso de las cajas que están siendo descargadas en el puerto de Hamburgo, y al que los trabajadores observan con desconfianza.

Farocki no escogió por casualidad la puerta de la fábrica como escenario. Es un punto de intersección entre un lugar de producción destinado a ganar dinero y un lugar público. Más bien fue conducido hasta aquí por su continuo interés por los procesos de trabajo y la representación de estos por medio de imágenes. ¿Cómo puede ser?, se pregunta, ¿que la historia cinematográfica de la fábrica se haya quedado en un segundo plano? ¿Quizás ha empezado demasiado tarde el cine, que es un medio que depende de lo visual, a documentar los procesos de trabajo, cuyos procesos manuales visibles se han visto claramente disminuidos y escondidos en el siglo XX?

El modelo para este tipo de trabajo de recopilación, sistematización y combinación son los diccionarios en los que consta la historia de una palabra, así como su significado y uso. Arbeiter verlassen die Fabrik es la primera “entrada” en este „archivo de expresiones cinematográficas”, para el que surgieron en los 90 otros trabajos como Der Ausdruck der Hände (La expresión de las manos; 1997) y Gefängnisbilder (Imágenes de prisión; 2000).

En su película, Farocki retoma en varias ocasiones la película de los hermanos Lumière, que sería algo así como la primera palabra del lenguaje metafórico del cine. Contando con los conocimientos proporcionados por cien años de historia del cine ya se pueden sacar muchas cosas de la película de 1895: qué sencilla parece la fábrica y qué poco muestra en sus imágenes del poder de la industria y de los trabajadores. Qué rápido se mueven los trabajadores y trabajadoras para pasar del trabajo a la vida privada.

La puerta de salida de la fábrica se convertirá en un lugar dramático a causa de la lucha laboral. El enfrentamiento entre los trabajadores y los industriales, pero también entre los huelguistas y los esquiroles, marca las líneas de los conflictos sociales y económicos, que permanecen invisibles en el día a día del trabajo. En una película de D.W. Griffith se expresa esto mismo con imágenes que parecen de una guerra civil. En una representación de la Mutter Courage (Madre Coraje) de Brecht, que Farocki deja sin comentar, declama el coro que canta su reivindicación: “Bien, aquí está el trozo de pan, pero ¿dónde está la barra entera?”, y el capataz responde: “Entonces huelga”.

Arbeiter verlassen die Fabrik es una sucesión de lecturas concretas de imágenes. Farocki extrae de las imágenes un conocimiento revelado de la sociedad, sin subordinarse a la lectura de una interpretación forzada. En este punto la película ejemplifica el proceder de Farocki, les adjudica a las imágenes en sí un potencial argumentativo. Durante el montaje deja que se encaminen a lo que expresan en sí mismas: de la formación de marcha en la que están entrenados los trabajadores de Siemens, llega a Metropolis de Lang con sus formaciones en fila; del conocido tema de la huelga a una propaganda que anuncia la seguridad de las fábricas por medio de medidas de seguridad que se elevan automáticamente. Tanto en Gefängnisbilder como en Arbeiter verlassen die Fabrik se trata la semejanza entre la salida de la fábrica y la puerta de una cárcel y la afinidad de ambas arquitecturas: “Donde una vez hubo una cámara, hay ahora cientos de miles de cámaras de vigilancia”.

La película apareció en 1995, año del primer centenario del nacimiento del cine. Para una exposición que tuvo lugar a principios de 2006 en la Wiener Genérale Foundation, Farocki continuó el tema de Arbeiter verlassen die Fabrik y mostró otras realizaciones sobre el asunto.

Volker Pantenburg

Este ciclo cuenta con la colaboración del Goethe-Institut.
Temporada 5 / Función 96
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Noviembre con Harun Farocki

2011-10-20T16:35:00.001-03:00

Se acerca el fin de año y quizás a través de la mirada de Harun Farocki podamos abordar de forma distinta las crisis y reflexionar acerca del devenir de la cultura y sociedad modernas. Las proyecciones serán los miércoles 2, 16 y 30 de noviembre, con entrada libre y colaboración voluntaria, en Austria 2154.

Nacido en 1944 en Nový Jičín, Checoslovaquia, de madre alemana y padre indio, Harun Farocki estudió cine en Berlín y entre 1973 y 1984 fue editor de Filmkritik, la revista de cine más influyente de Alemania. Dueño de una obra monumental, los más de 60 documentales de este inclasificable autor representan una de las miradas más agudas y críticas de nuestras sociedades.

Teniendo como premisa “qué se esconde realmente detrás de las imágenes”, su obra se vale muchas veces de la resignificación de aquellas tomadas por otros, a las que él resignifica, aportándole otro sentido y proponer una reflexión certera del mundo contemporáneo.

Sin abandonar jamás el sentido cinematográfico, y utilizando como estilete el montaje, su intención es revelar un trasfondo de símbolos en los que el poder se instala, corriendo velos e intentando hacer ver aquello que en un principio se oculta a través de naturalizaciones y otras manipulaciones.

Emiliano Penelas
Programador

Miércoles 2 de noviembre - 20 horas
IMÁGENES DE PRISIÓN
(Gefängnisbilder, Alemania, 2000, color / blanco y negro, 60 minutos)
Dirección: Harun Farocki.

¿Cómo se ha retratado la cárcel en 100 años de historia del cine? ¿Qué imágenes produce la cárcel por sí misma en las cámaras de seguridad y videos de formación para el personal de vigilancia? El centro penitenciario aparece en las películas de Farocki como un laboratorio antropológico en el que se estudia la vida y la muerte a través de los ojos de la cámara.

TRABAJADORES SALIENDO DE LA FÁBRICA
(Arbeiter verlassen die Fabrik, Alemania, color / blanco y negro, 1995, 36 minutos)
Dirección: Harun Farocki.

Partiendo de una de las primeras históricas películas de los hermanos Lumière, Harun Farocki recopila escenas de 100 años de la historia del cine que tratan el tema "Trabajadores saliendo de la fábrica". Extrae de las imágenes las reflexiones sobre la iconografía y la economía de la sociedad de trabajo, pero también del cine en sí mismo.

Miércoles 16 de noviembre - 20 horas
CÓMO SE VE
(Wie man sieht, Alemania, 1986, color / blanco y negro, 72 minutos)
Dirección: Harun Farocki.

Producción civil y militar: El tanque está construido a partir de una máquina agrícola, la ametralladora se basa en el mismo principio que el motor de combustión. Farocki nos presenta la historia de la técnica como una sucesión de fases de automatización, en las que la mano humana será apartada a un lado por la capacidad de cómputo del ordenador.

Miércoles 30 de noviembre - 20 horas
NATURALEZA MUERTA
(Stilleben, Alemania, 1997, DVD, 58’)
Dirección: Harun Farocki.

Utilizando un montaje paralelo, Farocki combina las clásicas pinturas de naturalezas muertas de los siglos XVI y XVII con fotografías de los años ’90. Pinturas y publicidades: Imágenes de dinero, queso o cerveza, pintadas en las primeras con todo lujo de detalles, y colocadas meticulosamente en las segundas como incentivo de compra. La película de Faroki indaga sobre las características comunes y las diferencias entre dos maneras de presentar las cosas cuando los productos y los objetos tienden a convertirse en fetiches.

RECONOCER Y PERSEGUIR
(Erkennen und verfolgen, Alemania, 2003, color / blanco y negro, 58 minutos)
Dirección: Harun Farocki.

Las grabaciones de los puntos de mira de los misiles americanos son mundialmente conocidas desde la guerra de Irak en 1991; sirvieron como muestra de la superioridad técnica. Para Harun Farocki son ejemplos de un nuevo tipo de imágenes. Sistemas GPS, “armas inteligentes”, la elaboración industrial de piezas mecánicas: todos se basan en procesos aritméticos, en los que las imágenes se reducen a algoritmos y operaciones técnicas.

Este ciclo cuenta con la colaboración del Goethe-Institut.

Para atrapar al ladrón

2011-10-06T08:41:00.006-03:00

Finalizamos el ciclo dedicado a Robert Bresson con otra gema de su inagotable cantera: Pickpocket, o El carterista. Será el miércoles 19 de octubre a las 20 horas en Austria 2154. Como siempre, entrada libre y colaboración voluntaria.

Miércoles 19 de octubre - 20 horas
EL CARTERISTA
(Pickpocket, Francia, 1959, blanco y negro, 75 minutos)
Dirección: Robert Bresson.
Producción: Agnès Delahaie.
Guión: Robert Bresson.
Dirección de Fotografía: Léonce-Henri Burel.
Montaje: Raymond Lamy.
Dirección de arte: Pierre Charbonnier.
Elenco: Martín Lasalle, Marika Green, Dolly Scal, Pierre Leymarie, Kassagi, Pierre Étaix y César Gattegno.

Comenzando a robar como hobby, Michel pronto se encuentra detenido y con la opción de redimirse. Sin embargo, la atracción y parte del juego vertiginoso que le da la sensación de ser carterista, y bueno en su oficio, hacen que no pueda dejarlo.

Como de costumbre, Bresson utiliza el argumento para contar, a modo de diario, una alegoría de la condición humana, y en su aparente simplicidad el relato habla de la soledad, la culpa, la gracia y redención, sin olvidarse que se trata de un mundo hostil en el que el dinero lo es todo.

Nuevamente recurre al sonido directo, la voz en off y actores no profesionales para una puesta en escena tan ascética como precisa, en donde nada parece sobrar.

Temporada 5 / Función 95
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Cineclubismo

2011-10-06T08:30:00.001-03:00

"Pickpocket" ataca de nuevo

2011-10-06T08:09:00.000-03:00

A finales de los cincuenta, el célebre cineasta francés Robert Bresson dirigió Pickpocket, filme que de inmediato se convirtió en un clásico de la cinematografía mundial. Este año el sello Criterion lanzó un dvd de colección de esta magistral película, edición que incluye, entre otros materiales, un documental de reciente factura con entrevistas e imágenes de archivo.

Para el estelar de Pickpocket, Bresson seleccionó a Martín Lasalle, un joven latinoamericano que nunca había actuado en su vida. A casi medio siglo del estreno, Martín Lasalle, el legendario carterista del cine francés, ahora de setenta y cinco años de edad, aparece en un parque del sur de Ciudad de México para platicar sobre su trabajo en Pickpocket.

DIPLOMACIA Y CINEFILIA
Martín Luis Lasalle Supervielle tenía veinticinco años cuando obtuvo el título de licenciado en ciencias políticas por la Universidad de París. En ese entonces, 1956, su sueño era trabajar en la Organización de las Naciones Unidas y seguir los pasos de su padre, un respetable funcionario del servicio exterior uruguayo radicado en Francia desde los años treinta. El joven Lasalle, formado para la vida diplomática, nunca se imaginó que muy pronto su vida daría un giro de 360 grados.

Había algo que a Martín le apasionaba más que la política internacional: el cine. En paralelo a sus estudios, trabajó varios años con Henri Langlois, fundador y director de la Cineteca de Paris. "Cuando tenía nueve años, mi familia tuvo que regresar a Uruguay a causa de la segunda guerra mundial. Así que mi amor por el cine nació en el Cine Club Uruguay. Al volver a París, por ahí de 1950, conocí a Langlois, y al poco tiempo me hizo representante de las cinetecas latinoamericanas."

Como muchos de los jóvenes cinéfilos de su generación, Lasalle admiraba a los directores de la Nueva Ola Francesa. Veía las películas de Claude Chabrol, Francois Truffaut, Eric Rohmer, Jean Luc Godard, y leía todas las ediciones de Cahiers du Cinema. Pero había un director al que en verdad idolatraba: Robert Bresson: "Para mí, Bresson era como un dios del cine", recuerda Lasalle medio siglo después de haber asistido al estreno de la película Un condenado a muerte se escapa (Bresson, 1956).

EL ENCUENTRO
El poeta franco-uruguayo Julio Supervielle, tío de Martín Lasalle, conocía bien a Robert Bresson, director que se cocinaba aparte de la Nueva Ola, y quien había revolucionando el cine francés de los cuarenta con su estilo sobrio y minimalista. A principios de los cincuenta, Bresson reinventó el concepto de "actuación" al utilizar gente común, a "no-actores" o "modelos" —como les llamaba el propio Bresson— en los papeles estelares de sus filmes.

En 1958, Julio Supervielle presentó a Lasalle con el cineasta. "Mi primer encuentro con Bresson se dio porque yo quería trabajar como asistente de dirección en Lancelot du Lac, una película que finalmente se pospuso. Tiempo después me mandó llamar. Estaba haciendo el casting para Pickpocket, y entrevistó a un montón de gente, entre ellos a varios actores profesionales que querían trabajar con él."

En este momento de la plática, Martín Lasalle hace una pausa, clava la mirada en la taza de café, sonríe como quien acaba de recrear un momento clave de su vida y continúa: "Antes de hacer la última prueba del casting, me senté enfrente de la entrada de los estudios y dije: ‘Dios, por favor ayúdame, lo único que quiero hacer en la vida es esta película, después no me importa nada’ ¡Y mi petición se cumplió! Bresson me dio el papel de Michel, el pickpocket." Lasalle suelta una risotada, le da un sorbo al café, sacude la cabeza en negativa y remata: "A veces no hay que pedir cosas tan fuertes. Para mí se convirtió en un papel insuperable. Después de un estelar con Bresson, ¿qué más puede esperar un no-actor en su vida? "

INTENSIDAD Y MAGIA
Tras la insistencia de quien esto reporta, Lasalle accede a revelar los detalles de aquel primer encuentro con Bresson: "Nos vimos en su departamento, que estaba en la Ile Saint Louis, en París. Me pasó a un pequeño estudio donde hacía las entrevistas. Bresson era muy sobrio, un hombre de pocas palabras. No hizo muchas preguntas ni hubo cuestionamientos psicológicos; simplemente me pidió que leyera los diálogos, una y otra vez. Quería una lectura plana, sin hacer ningún énfasis en las palabras. Se fijaba en los ojos, en la mirada, las manos, la postura, en todo mi físico. Luego me citó a otras pruebas y finalmente me escogió."

Era el año de 1959 y Martín Lasalle se entregó por completo al proyecto. Así recuerda los días de filmación: "Ensayamos como tres meses antes de iniciar el rodaje. Estudiamos muy bien los diálogos, que debían ser inexpresivos, totalmente planos. Esta técnica hizo escuela en el cine francés. Los personajes de Bresson son únicos, puros, no hay nada prefabricado en ellos, son de una entrega total."

"A Bresson no le interesaba la actuación que imita. Trabajaba con personas completamente inocentes, que no actúan en el sentido literal de la palabra. Bresson se concentraba en la intensidad interior. Eso es lo que quería. Se dice que no es actuación, pero si lo piensas bien, Pickpocket es una película muy dramática."

"El trabajo durante el rodaje era exhaustivo. Mucha repetición de tomas, todo concentrado en la actitud interna del personaje. Más que actuación, el asunto era vivir las situaciones, como en la técnica de Lee Strasberg [fundador del Actors Studio]. Por eso buscaba a no-actores, porque con ellos lograba imponer su método."

"Durante el rodaje, Bresson también estaba en una búsqueda. Buscaba la magia, que sus personajes fueran eternos. Por eso tienen una carga de misterio tan grande."

"El trabajo con Bresson fue tan fuerte que tardé como diez años en recuperarme ¡Imagínate: yo, un latinoamericano, sin ser actor profesional, sino un debutante que nadie conocía, de repente tuve la enorme responsabilidad de ser el protagonista de una película de Robert Bresson!"

LA PREMIÈRE
Pickpocket se estrenó en París en 1960, en un cine ubicado en la avenida Campos Elíseos. "Fue impresionante, muy emotivo", recuerda Lasalle. "El día del estreno no sabía lo que iba a suceder, no había visto los rushes y menos la obra terminada. Sentí un impacto extraordinario, porque de inmediato se dijo que Pickpocket era una de las películas más importantes de la historia del cine. Aunque, claro, también hubo quienes la criticaron. Lo que sucede es que hay muchos elementos contradictorios, porque el cine de Bresson, al no utilizar actores, al hacer lo que el llamaba ‘el cinematógrafo’, efectivamente provocaba fuertes reacciones. También se le criticó por jansenista, por hacer cine cristiano, porque en su cine predomina el tema de la redención del individuo, como en Crimen y castigo, de Dostoievski."

"Yo sé que Bresson hacía un cine puro. El problema es que había mucha envidia y celos. Ah, pero también hubo quienes aplaudieron mucho, sobre todo en el Festival de Berlín de ese año. Jean Luc Godard entró a todas las funciones. Louis Malle, por ejemplo, dijo que Pickpocket es la película más importante de Bresson. Marguerite Duras también la elogió."

EDICIÓN DE ANIVERSARIO
Con el paso de los años, Pickpocket se consolidó como un clásico y se volvió un referente obligado para los estudiosos y amantes del cine. Con motivo del cuarenta y cinco aniversario, el sello Criterion editó un dvd de colección, en el que se incluye como material extra una entrevista con Bresson realizada en 1960 y el documental Los modelos de Pickpocket, dirigido por la cineasta francesa Babette Mangolte. Este trabajo cuenta con entrevistas a los tres protagonistas, Martín Lasalle (Michel), Marika Green (Jeanne) y Jean Pélégri (El inspector).

Al respecto, Lasalle comenta: "Hace tiempo me vino a visitar la hermana de Jean Luc Godard y me habló de la fotógrafa francesa Babette Mangolte, experta en los ‘modelos’ de Bresson, y del proyecto de hacer un documental. Me dijeron que era para la televisión francesa. No sabía que lo incluyeron en el dvd. Total, así pasa ¿no? Yo la verdad no suelo hablar de mi trabajo con Bresson, pero me pareció una persona seria. Babette vino una semana a México y me grabó con una camarita Sony digital. Creo que el documental es muy bueno."

CINE TRASCENDENTAL
A sus setenta y cinco años, Martín Lasalle lleva una vida sencilla. Se mueve a pie y en Metro (donde, dice entre risas, "nunca he vuelto a robar una sola cartera"), viste informal y anda sin la menor prisa. No tiene una copia de la película, pero seguido lo invitan a presentarla en diversos foros de todo el mundo. "Ahora la veo como un trabajo extraordinario. Procuro que no haya ningún ego incluido, pero puedo decir que me siento muy orgulloso de mi trabajo con Bresson. Siempre la he visto como una película extraordinaria… Pickpocket es cine en estado puro."

Tras reflexionar unos instantes, Lasalle alza una ceja y suelta una frase por demás elevada: "Hacer una película con Bresson te produce una catarsis. Y con el paso del tiempo se convierte, como dirían en el Zen, en el Koan de la vida."

"Las grandes películas y los grandes directores siempre trascienden, superan el paso del tiempo porque tienen la magia de su lado. Tal es el caso de Bresson. Me alegra mucho que ahora, después de tantos años, se pueda ver Pickpocket en DVD."

En 1960, Lasalle viaja a Nueva York para estudiar en el Actors Studio con el maestro Lee Strasberg. En esos años se hace amigo del fotógrafo Robert Frank, quien lo dirige en la película O.k. End Here, y del poeta beat Jack Kerouac. En 1967 trabaja en España en el filme Acteón, de Jorge Grau. Al año siguiente viaja a México para organizar el laboratorio de fotografía del Comité Olímpico de 1968, y desde entonces ha trabajado en más de treinta películas y media docena de obras de teatro, pero ninguna tan importante como Pickpocket.

En su filmografía como actor destaca su trabajo con Juan López Moctezuma en la cinta de culto La mansión de la locura, con Luis Alcoriza en Presagio, con Costa-Gavras en Missing, y con Louis Malle en Bahía del odio.

En 1999, Martín Lasalle reapareció como el pickpocket en la cinta experimental Segundo siglo, de Jorge Bolado, y en 2000 trabajó en la película independiente, Sofía, de Alan Coton. En fechas recientes, Lasalle participó en tres películas mexicanas de próximo estreno: Morirse está en hebreo, de Alejandro Springall, La última mirada, de Patricia Arriaga, y Mejor es que Gabriela no se muera, de Sergio Umansky.

Roberto Garza
Diario "La Jornada", México, domingo 10 de septiembre de 2006

El silencio

2011-09-28T00:12:00.006-03:00

Comenzamos el ciclo homenaje a Robert Bresson con Un condenado a muerte se escapa, uno de los más sutiles relatos realizadas con la menor cantidad de recursos. Será el miércoles 5 de octubre a las 20 horas en Austria 2154. Como siempre, entrada libre y colaboración voluntaria.

Miércoles 5 de octubre - 20 horas
UN CONDENADO A MUERTE SE ESCAPA
(Un condamné à mort s'est échappé ou Le vent souffle où il veut, Francia, 1956, blanco y negro, 99 minutos)
Dirección: Robert Bresson.
Producción: Alain Poiré y Jean Thuillier.
Guión: Robert Bresson, sobre la autobiografía de André Devigny.
Dirección de Fotografía: Léonce-Henri Burel.
Montaje: Raymond Lamy.
Dirección de arte: Pierre Charbonnier.
Elenco: François Leterrier, Roland Monod, Charles Le Clainche, Maurice Beerblock y Jacques Ertaud.

Un joven miembro de la Resistencia francesa que lucha contra la ocupación nazi es arrestado y condenado a muerte. Esa podría ser toda la síntesis de la historia, y luego aparece la maestría de Bresson para narrar toda una película en la que casi sin diálogos, expone al espectador al proceso que el detenido llevará adelante para escaparse.

Preciosa obra maestra de todos los tiempos, magistralmente filmada, cada plano y silencio ayudan a mantener la tensión de la historia.

Basada en hechos reales, la película obtuvo el premio al Mejor Director en Cannes. "Junto a Pickpocket (que veremos el miércoles 19 de octubre), dos de las cosas más hermosas que le han ocurrido al cine europeo" (Carlos Boyero: Diario El Mundo, España).

Temporada 5 / Función 94
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Robert Bresson, 110 años

2011-09-19T18:27:00.005-03:00

En octubre rendiremos homenaje a uno de los directores más detallistas y sutiles de la Nueva Ola francesa, al haberse cumplido 110 años de su nacimiento. Se trata de Robert Bresson, y dos clásicos de todos los tiempos: Un condenado a muerte se escapa y El carterista. Como siempre, con entrada libre y colaboración voluntaria, en Austria 2154.

Robert Bresson (Francia, 25 de septiembre de 1901 - 18 de diciembre de 1999), cineasta, autor de una serie de películas en las que desarrolló un discurso en busca del total y absoluto ascetismo, aspirando a captar aquello que escapa a la mirada ordinaria.

En 1995, la totalidad de su obra, compuesta de un total de 13 largometrajes fue distinguida por la Académie française du cinema con el Premio René Clair.

"Un condenado a muerte se escapa y El carterista, por ejemplo, son narraciones en primera persona de integridad impecable; sin embargo, ninguno de los filmes gasta el tiempo para establecer la narrativa y el personaje como en el relato convencional. En lugar de ello, cada uno se basa en las acciones para revelar la sicología de cada protagonista" (Tony Pippolo, revista Cineaste, primavera 2006).

Miércoles 5 de octubre - 20 horas
UN CONDENADO A MUERTE SE ESCAPA
(Un condamné à mort s'est échappé, Francia, 1956, blanco y negro, 99 minutos)
Dirección: Robert Bresson
Elenco: François Leterrier, Roland Monod, Charles Le Clainche, Maurice Beerblock y Jacques Ertaud.

Un joven miembro de la Resistencia francesa que lucha contra la ocupación nazi es arrestado y condenado a muerte por la GESTAPO. Bresson pone en juego todo su oficio para narrar de manera sutil esta preciosa obra maestra de todos los tiempos. Magistralmente filmada, cada plano y silencio ayudan a mantener la tensión de la historia.

Miércoles 19 de octubre - 20 horas
EL CARTERISTA
(Pickpocket, Francia, 1959, blanco y negro, 75 minutos)
Dirección: Robert Bresson
Elenco: Martin LaSalle, Marika Green, Dolly Scal, Pierre Leymarie, Kassagi, Pierre Étaix y César Gattegno.

El director cuenta la historia de un joven incapaz de buscar trabajo que se inicia como carterista por hobby y poco a poco le resulta imposible dejarlo, encontrando en el robo un medio en el cual expresar sus sentimientos. Contado a modo de diario, es una alegoría de la condición humana.

El clamor popular

2011-09-15T09:00:00.000-03:00

Última función del ciclo "Alberto Fuguet, cinépata", en la que veremos su cortometraje Las hormigas asesinas y la excelente adaptación que el peruano Francisco Lombardi hizo de su novela Tinta roja. Todo, el miércoles 21 de septiembre a las 20 horas, en Austria 2154. Como siempre, con entrada libre y colaboración voluntaria.

Miércoles 21 de septiembre - 20 horas
TINTA ROJA
(Idem, Perú/España, 2000, color, 100 minutos)
Dirección: Francisco J. Lombardi.
Producción: Gustavo Sánchez y Mariela Besuievsky.
Guión: Giovanna Pollarolo, sobre la novela de Alberto Fuguet.
Dirección de Fotografía: Teo Delgado.
Montaje: Danielle Fillios.
Música: Bingen Mendizábal.
Elenco: Gianfranco Brero, Giovanni Ciccia, Fele Martínez, Lucía Jiménez, Carlos Gassols, Yvonne Frayssinet, Gustavo Bueno y Tatiana Astengo.

Un joven recién recibido como periodista, mientras sueña con ser escritor, debe hacer su pasantía en la sección policiales de un periódico sensacionalista. Su jefe, duro pero sincero, ve en él un reflejo de su propia juventud y comienza a guiarlo.

Alfonso Fernández es un joven recién salido de la universidad que sueña con ser escritor mientras trabaja como redactor en prácticas en el periódico sensacionalista "El clamor". Aunque al principio rechaza con virulencia su trabajo y lo que le obliga a hacer, poco a poco va entrando en la lógica interna y el ritmo productivo de la sección de la mano de su jefe, Saúl Fáundez, un veterano periodista ya de vuelta de todo.

Esa relación es el eje de la película, en la que se mezclan una relación padre-hijo y la metáfora del paso de la adolescencia a la adultez, con implicancias positivas y negativas, por parte del cronista novato.

El peruano Francisco J. Lombardi, uno de los más prolíficos realizadores de su país (La ciudad y los perros, Bajo la piel, No se lo digas a nadie, entre otras) realiza una gran adaptación de la novela de Fuguet, por la que obtuvo los premios al Mejor director y Vigía en el festival de cine de La Habana (2000). Además, ganó Mejor guión en el Festival de Los Angeles (2001) y en el Festival Internacional de la India (2001). La gran actuación de Gianfranco Brero en el rol del jefe le valió el premio al Mejor Actor en el Festival de San Sebastián.

Junto al cortometraje
LAS HORMIGAS ASESINAS
(Idem, Chile, 2004, color, 20 minutos)
Dirección: Alberto Fuguet.
Guión: Alberto Fuguet y Francisco Ortega.
Fotografía: Jorge González.
Arte: Soledad Morales.
Montaje: María Teresa Viera-Gallo.
Música: Andrés Valdivia.
Elenco: Benjamín Vicuña, Julio Fuentes, María Cristina Peña, Paula Santa Ana y Aníbal Reyna.

Temporada 5 / Función 93
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Nueva donación para la Videoteca

2011-09-14T10:06:00.000-03:00

Agradecemos la donación por parte de la productora Magoya Films de la película Mundo Alas, de León Gieco, Fernando Molnar y Sebastián Schindel. Ya se encuentra catalogada, a disposición de nuestros socios.

Pedaleando

2011-08-31T20:00:00.001-03:00

Continúa el ciclo dedicado al escritor y cineasta chileno Alberto Fuguet con la presentación de su segundo largometraje, Velódromo. Será el miércoles 7 de septiembre a las 20 horas, en Austria 2154. Como siempre, con entrada libre y colaboración voluntaria.

Miércoles 7 de septiembre - 20 horas
VELÓDROMO
(Idem, Chile, 2010, color, 110 minutos)
Dirección y Producción: Alberto Fuguet.
Guión: Alberto Fuguet y René Martín.
Dirección de Fotografía: Jorge González.
Montaje: Sebastián Arriagada.
Música: Cristian Heyne.
Elenco: Pablo Cerda, Francisca Lewin, Lalo Prieto, José Pablo Gómez y Lucy Cominetti.

Un hombre llamado Ariel Roth está a punto de cumplir 35 años y, con sus ritmos, sus manías y su comodidad, no ve venir que el mundo opina que debe moverse del lugar donde está: en unas horas, por “inmaduro”, es dejado por su novia y también por ¡su amigo! ¿Se moverá Ariel hacia donde quieren los demás?

Velódromo se presenta como “una comedia existencial santiaguina”. Y los temas de esta comedia son la edad, el trabajo, los amores, las películas (que Ariel baja de Internet y ve en su computadora) y la posibilidad de ser como se quiere ser. Fuguet cree en las películas narrativas, nada anémicas, en las películas que se mueven (como Ariel en su bicicleta), y sabe que hacer cine es también hablar de éste, y de ahí los memorables dardos sardónicos al personaje del director que “triunfa” en Europa. Velódromo es una comedia quejosa pero no cínica, con algún parentesco con las emociones del cine de Ezequiel Acuña, y con un uso brillante del digital para los exteriores santiaguinos, que todo el tiempo parecen reflejar una luz particular, hermosa en su fragilidad y también hermosa en su plenitud. (Extraído del catálogo del BAFICI).

Temporada 5 / Función 92
Cineclub La Rosa
Austria 2154

El apartamento

2011-08-23T22:15:00.001-03:00

Comenzamos el ciclo dedicado al escritor y cineasta Alberto Fuguet con su ópera prima, el largometraje Se arrienda. Será el miércoles 31 de agosto a las 20 horas en Austria 2154. Entrada libre, colaboración voluntaria.

Miércoles 31 de agosto - 20 horas

SE ARRIENDA
(Idem, Chile, 2005, color, 108 minutos)
Dirección: Alberto Fuguet.
Guión: Alberto Fuguet y Francisco Ortega.
Dirección de Fotografía: Jorge González.
Producción Ejecutiva: Diego Valenzuela.
Montaje: María Teresa Viera-Gallo.
Sonido: David Miranda y Marcos de Aguirre.
Música: Andrés Valdivia y Christian Heyne.
Elenco: Luciano Cruz Coke, Ignacia Allamand, Benjamín Vicuña, Felipe Braun, Francisca Lewin y Diego Casanueva.

Al final de la década del '80 el joven músico Gastón Fernández tenía por delante un futuro brillante junto a su grupo de amigos soñadores e idealistas.

Quince años después, el destino y las opciones de vida los han separado. Gastón regresa a Chile, enfrentándose a la realidad, a un país distinto y a la frustración de un éxito artístico que nunca llegó. Mientras sus amigos del pasado disfrutan de la prosperidad, el recuerdo de años mejores y una ciudad en blanco y negro lo atormentan.

Obligado por las circunstancias, Gastón deberá transar. Trabajando en la inmobiliaria de su padre, inciará un viaje a través de departamentos vacíos, conocerá a la dulce Elisa y, de paso, tendrá la oportunidad de entender la vida, sin el peso del pasado.

Temporada 5 / Función 91
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Alberto Fuguet, cinépata

2011-08-19T01:30:00.001-03:00

Mientras Chile se revoluciona con los estudiantes, Alberto Fuguet, uno de los escritores trasandinos más reconocidos, presenta por festivales su tercera película. Por eso, en el Cineclub La Rosa nos pareció buena idea traer al ruedo sus dos primeras obras, junto con un corto de su autoría y una excelente adaptación de una de sus mejores novelas. Todo, en Austria 2154, con entrada libre y colaboración voluntaria.

“Cineasta y escritor, las dos cosas, una apuntala a la otra”, dice Alberto Fuguet (25/3/74) siempre que puede para explicar su doble oficio. Tan amado como odiado en su país, probablemente coseche más aceptación por su obra fuera de Chile, quizás en parte por oponerse al realismo mágico latinoamericano y apelar a temáticas urbanas y contemporáneas.

Considerado "extranjerizante", su literatura es sin embargo muy identificable con las problemáticas de un sector social arquetípico de la sociedad de su país y la región. En su curiosa biografía reside el hecho de haber vivido casi toda su infancia en los Estados Unidos, y haber regresado a su país en plena dictadura de Augusto Pinochet, sin hablar castellano.

Es periodista egresado de la Universidad de Chile, y se desempeñó (aún lo sigue haciendo) como columnista de opinión, crítico de cine y de rock. Saltó a la fama con el libro de cuentos Sobredosis (1990), y luego vinieron las novelas Mala onda (1991), Tinta roja (1996) y Por favor, rebobinar (1998), entre otras.

Con Las películas de mi vida (2003) hizo su primer intento autobiográfico, que continuó en Missing (2009), sobre la búsqueda de un tío desaparecido en los Estados Unidos.

Su novela Tinta roja fue llevada al cine en 2000 por el peruano Francisco Lombardi. La adaptación sobre el estudiante de periodismo que debe realizar su pasantía en un diario sensacionalista es tan buena como la obra literaria, con actuaciones sorprendentes. Y luego llegaría el cine dirigido por el propio Fuguet: el corto Las hormigas asesinas (2004) y los largometrajes Se arrienda (2005) y Velódromo (2010), siempre con buenas críticas y recorridos por festivales.

Todos esos trabajos los veremos en el Cineclub La Rosa, mientras Fuguet gira con su nueva película, Música campesina (2011).

Emiliano Penelas
Programador

Miércoles 31 de agosto - 20 horas
SE ARRIENDA
(Idem, Chile, 2005, color, 108 minutos)
Dirección: Alberto Fuguet.
Elenco: Luciano Cruz Coke, Ignacia Allamand, Benjamín Vicuña, Felipe Braun, Francisca Lewin y Diego Casanueva.

El músico Gastón Fernández se plantaba frente a un futuro brillante junto a su grupo de amigos, entre ellos su socio y su novia, pero quince años después, el destino y las opciones de vida los han separado. Mientras ellos disfrutan del "nuevo Chile", Gastón se encuentra frustrado ante el éxito artístico que nunca llegó. La aparición de Elisa, una joven encantadora y sorprendente, y Pancho, un intenso joven con una historia sorprendente, le enseñarán que la vida no es tan dura como parece.

Miércoles 7 de septiembre - 20 horas
VELÓDROMO
(Idem, Chile, 2010, color, 110 minutos)
Dirección: Alberto Fuguet.
Elenco: Pablo Cerda, Francisca Lewin, Lalo Prieto, José Pablo Gómez y Lucy Cominetti.

Ariel Roth está a punto de cumplir 35 años y, con sus ritmos, sus manías y su comodidad, no ve venir que el mundo opina que debe moverse del lugar donde está: en unas horas, por “inmaduro”, es dejado por su novia y también por su amigo.

Velódromo se presenta como “una comedia existencial santiaguina” cuyos temas son la edad, el trabajo, los amores, las películas y la posibilidad de ser como se quiere ser, sin dejar su bicicleta.

Miércoles 21 de septiembre - 20 horas
TINTA ROJA
(Idem, Perú/España, 2000, color, 100 minutos)
Dirección: Francisco J. Lombardi.
Elenco: Gianfranco Brero, Giovanni Ciccia, Fele Martínez, Lucía Jiménez, Carlos Gassols, Yvonne Frayssinet, Gustavo Bueno y Tatiana Astengo.

Un joven recién recibido como periodista, mientras sueña con ser escritor, debe hacer su pasantía en la sección policiales de un periódico sensacionalista. Su jefe, duro pero sincero, ve en él un reflejo de su propia juventud y comienza a guiarlo.

Gran adaptación de la novela de Fuguet, premio al Mejor director y Premio Vigía en el festival de cine de La Habana (2000), Mejor Actor (Gianfranco Brero) en el Festival de San Sebastián, Mejor guión, Festival de Los Angeles (2001) y Festival Internacional de la India (2001).

Junto al cortometraje LAS HORMIGAS ASESINAS
(Idem, Chile, 2004, color, 20 minutos)
Dirección: Alberto Fuguet.
Elenco: Julio Fuentes, María Cristina Peña y Lillo y Aníbal Reyna.
En una ciudad vacía no te puedes esconder...

Cristian García presentó "La naranja mecánica"

2011-08-18T15:52:00.003-03:00

Nuestro cinéfilo amigo Cristian Nicolás García nos congració con su presentación del clásico de Stanley Kubrick, proyectado con motivo de los 40 años de su estreno.

Desde 2003 Cristian programa junto a su abuelo Alfredo Li Gotti (padrino de nuestro Cineclub) la Sala Félix Giuliodori, "un lugar para ver películas que hacen a la historia del cine".

Los jóvenes viejos

2011-08-09T20:09:00.002-03:00

Cuatro décadas se cumplen desde que Stanley Kubrick diera a conocer ese ícono de la cultura contemporánea llamado La naranja mecánica. La proyectaremos el miércoles 17 de agosto a las 20, en Austria 2154, con entrada libre y colaboración voluntaria.Presenta Cristian García.

Miércoles 17 de agosto - 20 horas

LA NARANJA MECÁNICA
(A clockwork orange, Gran Bretaña, Estados Unidos, 1971, color, 131 minutos)
Dirección y Producción: Stanley Kubrick.
Guión: Stanley Kubrick, sobre la novela de Anthony Burgess.
Dirección de Fotografía: John Alcott.
Montaje: Bill Butler.
Diseño de producción: John Barry.
Dirección de arte: Russell Hagg y Peter Sheilds.
Música: Wendy Carlos.
Elenco: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Adrienne Corry, Warren Clarke, John Clive, Aubrey Morris, Carl Duering, Paul Farrell, Clive Francis y Michael Gover.

Gran Bretaña, en un futuro indeterminado. Alex (Malcolm McDowell) es un joven muy agresivo que tiene dos pasiones: la violencia desaforada y Beethoven. Es el jefe de la banda de los drugos, que dan rienda suelta a sus instintos más salvajes apaleando, violando y aterrorizando a la población. Cuando esa escalada de terror llega hasta el asesinato, Alex es detenido y, en prisión, se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación que pretende anular drásticamente cualquier atisbo de conducta antisocial.

El diseño vanguardista de la escenografía, su exhibición de la violencia y su apabullante banda sonora (mezcla inusual de sintetizadores y música clásica) hicieron de La naranja mecánica una película muy admirada en su tiempo. Kubrick derrochó en ella su habitual talento y maestría técnica al servicio de una alegoría futurista en torno al libre albedrío.

De sus imágenes epilépticas se desprende una visión pesimista de la sociedad futura, sin una pizca de humanidad.

La presentación, esta vez, quedará a cargo de nuestro querido amigo Cristian García. Joven cinéfilo de apenas 22 años, es desde 2003 programador de la Sala Félix Giuliodori, "un lugar para ver películas que hacen a la historia del cine", junto a su abuelo y padrino de nuestro Cineclub, Alfredo Li Gotti.

Temporada 5 / Función 90
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Nuevo horario de atención al público

2011-08-09T09:40:00.000-03:00

LUNES A VIERNES DE 13 A 20 hs.

La Biblioteca amplía su horario de atención al público para facilitar a sus socios y concurrentes a los talleres una mejor atención.

Por eso desde el mes de agosto, estaremos abiertos de lunes a viernes de 13 a 20 horas.

Hágase socio
El Centro Cultural y Biblioteca Popular Carlos Sánchez Viamonte está creciendo y necesita nuevos socios. Por una cuota mensual muy accesible usted puede solicitar el préstamo de libros a domicilio, obtener descuentos en los talleres, cursos y actividades rentadas, y ahora también a nuestra Videoteca.

Comuníquese de lunes a viernes de 13 a 20 al 4802-8211 o escriba a carlossanchezviamonte@yahoo.com.ar.

Más información click acá.

Li Gotti, en La Nación

2011-08-08T09:18:00.000-03:00

Reproducimos la nota publicada este fin de semana a Alfredo Li Gotti, padrino del Cineclub La Rosa, en el suplemento cultural ADN, del diario La Nación.

El sueño de la sala propia

Desde 1988, Alfredo Li Gotti ofrecepelículas todas las semanas, conentrada gratis, para amigos y vecinos

A los once años, Alfredo Li Gotti recibió un regalo que le marcó la vida para siempre: un proyector y algunas películas infantiles. Deslumbrado por las bellas imágenes en blanco y negro que veía en la pantalla, decidió organizar funciones para los chicos del barrio. Con los cinco centavos que le cobraba a cada espectador, compraba otros films. Así fue como nació su cinemateca, integrada en la actualidad por mil latas, mil quinientos videos y dos mil DVD. Aunque la mayoría son de directores europeos (franceses e italianos, especialmente), también hay perlas del cine asiático y estadounidense y copias únicas de films mudos. A los 85, el coleccionista recibió un homenaje inesperado: el estreno de un documental que refleja su pasión cinéfila, en el que habla sobre la sala que construyó en la planta baja de su casa. Desde 1988 realiza proyecciones todas las semanas, con entrada gratuita, para sus amigos y vecinos del barrio de San Cristóbal.

"Mi objetivo es compartir las películas con la gente -asegura Li Gotti-. ¿Qué sentido tendría conservarlas guardadas o verlas solo? A veces, antes de la función, cuento cómo se hizo la película y cómo está ubicada la cámara. También incluimos la ficha técnica y algo de la historia en el programa de mano que hace mi nieto Cristian. Me gustaría armar ciclos por director o por actor, pero eso sería para un público conocedor. A mí siempre me gustó que vinieran espectadores de toda clase." El lema de la sala, que lleva el nombre de un antiguo amigo de la familia, Félix Giuliodori, es: "Un lugar para ver películas que hacen a la historia del cine".

Mucho antes, en la época en que un tío le regaló aquel proyector eléctrico que todavía conserva, Alfredo iba al cine Güemes con sus padres. "Todos los lunes, a las ocho y media de la noche, íbamos a ver dos o tres películas en continuado. Cuando salíamos, a eso de las dos de la mañana, mi padre me explicaba cuestiones sobre la iluminación, la cámara, el trabajo del director -cuenta-. Este mes vamos a hacer una función al estilo de los cines barriales de antes, con tres films e intervalos y hasta un caramelero. Me voy a dar el gusto."

Li Gotti se ríe con ganas cuando imagina nuevas ideas para su sala y también cuando recuerda algunas anécdotas de los últimos veintitrés años. "Yo había alquilado este local. Como me dedicaba a proyectar en varios lugares, como el Cine Club Núcleo, un amigo me propuso que pusiera un microcine. Mi familia me apoyó mucho. Hubo que hacer reformas y poner bastante dinero. Vendí varias películas para construir la sala. Tardamos tres años en terminarla. Íbamos a hacer algo muy modesto, pero el proyecto creció. Tiene capacidad para 50 personas, aunque hemos metido 70. Inauguramos con una noche gardeliana, el 24 de junio de 1988, el día del cumpleaños de Gardel. Vino mucha gente, hasta Díaz Vélez, un famoso compositor de tangos que también era cantante."

En las primeras funciones, la gente llevaba bebidas, pizzas, empanadas y dulces para compartir. "Un día, mientras yo proyectaba una película, veo que un espectador se levanta varias veces para servirse comida. 'Se acabó -dije-. Acá no se come más.' Desde entonces, servimos té o café, al final. No quiero que la gente venga a comer, aunque a veces algunos aparecen con masitas o budines. Qué voy a hacer", se lamenta. Que el público haga ruido y coma en la sala lo mantiene alejado de los complejos de cines: "Me molesta el asunto de los pochoclos", confiesa.

Sí fue al Cosmos y al Malba el mes pasado para el estreno del documental de Roberto Ángel Gómez, Alfredo Li Gotti, una pasión cinéfila, que se presentó en mayo en el festival de cine de Mar del Plata. "Me emocioné al verme en la pantalla. Es un halago que el director haya pensado en mí. Siempre fui una persona de perfil muy bajo." En el largometraje, que en agosto podrá verse en la Sala Godard del cineclub Buenos Aires Mon Amour (Maipú 960), Li Gotti habla sobre su familia, sus amigos amantes del cine, cómo es el ambiente de los coleccionistas en la Argentina y cómo consiguió las películas más valiosas. Por algunas, como Los visitantes de la noche, un film francés de 1945 dirigido por Marcel Carné, llegó a pagar 700 dólares.

El gabinete del Dr. Caligari (dirigida por Robert Wiene en 1920) es el film que más le costó conseguir. "Le pedí a Francisco José Bouchard, un distribuidor, que me avisara cuando encontrara una copia. Un verano yo estaba de vacaciones en Miramar y Bouchard me mandó una carta para avisarme que no había podido comprarla, pero que tenía algunas de Chaplin para ofrecerme. Le encargué dos o tres. Eran unas copias francesas de muy buena calidad."

Uno de sus grandes orgullos es la serie de títulos en formato nueve y medio: "Tienen una calidad de imagen extraordinaria. Se los compré a un amigo que estaba con problemas económicos. Soy, posiblemente, el dueño de la mejor colección de nueve y medio del país -asegura muy serio-. Tengo una película rara que se llama Las mentiras de Nina Petrowna (dirigida por Hanns Schwarz en 1929). Es una copia encontrada en Italia. Era el único que la tenía hasta que Fernando Martín Peña encontró una en Londres. Ahora está muy contento porque él también la tiene". Otros tesoros son Fausto (de F. W. Murnau, 1926), algunos cortos de Max Linder, Pépé le Moko (de Julien Duvivier, 1937) y Metrópolis (de Fritz Lang, 1927).

Cada formato requiere un proyector específico. Li Gotti los fue comprando mientras crecía su colección. Hoy conserva treinta, incluido el primero que le regalaron, y uno solo que nunca usó. Para las proyecciones, debió aprender los secretos de cada modelo.

Aunque intenta no repetir la programación de su sala, hay títulos que cada tanto vuelve a proyectar. "El público va variando. Además, las buenas películas no pueden verse una sola vez. A Metrópolis debo de haberla visto, por lo menos, treinta veces." Una de sus preferidas es 8½, de Federico Fellini. "La tengo en 16 mm, al igual que La strada. Cuando dimos 8 y medio, se levantaron tres personas que al salir me dijeron: 'No entendimos nada'. Pero, bueno, el que más se divierte en las funciones soy yo -dice, y se ríe-. Me acuerdo de que cuando proyectamos El acorazado Potemkin, de Serguéi Eisenstein, hubo un inconveniente con la copia y paramos la función. Como tardaba en retomar, un señor y una chica aprovecharon para irse: 'No me gustan estas películas viejas', me dijo el hombre. También hay gente que se fue en medio de La dolce vita porque le pareció muy larga."

Li Gotti trabajó durante 43 años en Segba. Cuando salía de la oficina, se dedicaba a su hobby: pasar películas en cineclubs y recorrer distribuidoras para conseguir nuevos títulos. Cuando se jubiló, se volcó por completo al cine. Fue a festivales de todo el mundo y a conocer las más importantes filmotecas.

"Me identifico con Giancarlo Giannini, que dijo hace un tiempo: 'El cine ha muerto'. Pienso lo mismo, porque la forma en la que se hace cine hoy, con tantos efectos especiales y todo eso, no es cine. Es entretenimiento. A mí me gustan las películas sociales, que tengan algo de política, con actores de carne y hueso que me conmuevan."

En el living de su casa, Li Gotti instaló un proyector de DVD y una pantalla enrollable para ver películas con su mujer, hijas y nietos. "Ésa es la sala privada", dice. Allí, todas las noches vuelve a ver algunas de las imágenes que más lo emocionaron en sus 85 años de vida.

Natalia Blanc
Diario La Nación, suplemento ADN, viernes 5 de agosto de 2011

Carlos Inzillo presentó a Pepe Arias

2011-08-04T17:21:00.001-03:00

El periodista y escritor habló en la última función del Cineclub La Rosa, dedicada al capocómico, y donó a la Biblioteca su biografía sobre Pepe Arias.

En la fría noche del miércoles 3 de agosto, en nuestra función 89 del Cineclub La Rosa, proyectamos la película de 1942 Fantasmas en Buenos Aires, dirigida por Enrique Santos Discépolo. En ella actúan Zully Moreno, Carlos Lagrotta, Enrique García Satur, María Esther Buschiazzo y Julio Renato, además del gran protagónico de Pepe Arias, quien era el homenajeado de la noche.

La presentación estuvo a cargo de Carlos Inzillo, autor de Queridos filipipones (una bio-radiografía afectiva de Pepe Arias), Editorial Corregidor, Buenos Aires, 1990. El libro, donado a nuestra Biblioteca para integrar nuestro catálogo.

Homenaje a Pepe Arias

2011-07-22T10:00:00.000-03:00

El miércoles 3 de agosto a las 20 horas rendiremos homenaje a Pepe Arias con la proyección de Fantasmas en Buenos Aires, dirigido por otro grande del humor nacional, Enrique Santos Discépolo. La función será presentada por Carlos Inzillo, autor de una biografía del actor. La entrada es libre, con colaboración voluntaria.

Miércoles 3 de agosto - 20 horas

FANTASMAS EN BUENOS AIRES
(Argentina, 1942, blanco y negro, 89 minutos)
Dirección: Enrique Santos Discépolo.
Guión: Nicolás Proserpio, sobre una idea de Manuel Meaños, Marcelo Menasché y Enrique Santos Discépolo.
Dirección de Fotografía: Antonio Merayo.
Montaje: Nicolás Proserpio.
Música: Mario Maurano.
Escenografía: Raúl Soldi.
Elenco: Pepe Arias, Zully Moreno, Carlos Lagrotta, Enrique García Satur, María Esther Buschiazzo, Julio Renato, Ramón J. Garay, José A. Paonessa, Casimiro Ros, Chela Cordero, Tito Rufa y Américo Marbel.
Estreno: 8 de julio de 1942, en el Cine Broadway.

Sobre un caso extraño, casi una leyenda que circulara por Buenos Aires hacia 1940, los guionistas Manuel A. Meaños, Marcelo Menasche y Enrique Santos Discépolo, concibieron una de las películas más originales y atractivas de la trayectoria del gran capocómico Pepe Arias.

Bajo la eficaz dirección del inolvidable Discepolín, en su ópera pirma individual, se narra un cuento de aparecidos a través de una muchacha bella y enigmática, que baila cierta noche con un cajero de una importante firma comercial y que aparentemente habría regresado del más allá, para volver a esfumarse entre las sombras.

Pepe Arias

(1900-1967)
Tuvo una trayectoria artística que se extendió a lo largo de medio siglo, abarcando el teatro, desde el sainete, la comedia y primordialmente la revista porteña que lo tuvo como astro indiscutido. La perfección con que manejaba las pausas y las insinuaciones de sus gestos le aseguraron siempre la complicidad de su público y prefirió la sátira política en sus monólogos porque en élla encontraba la garantía de que el ciudadano común sentía que Pepe hablaba por ellos. Asi, en los puntos de fuga, surgiría la catarsis buscada.

Carlos Inzillo

Nació en Buenos Aires. Es Licenciado en Periodismo y Comunicaciones y doctorado en Psicología Social. Actualmente se desempeña como Jefe de Prensa del Centro Cultural General San Martín (Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires), desde diciembre de 1983.

Es autor del libro Queridos filipipones (una bio-radiografía afectiva de Pepe Arias), Editorial Corregidor, Buenos Aires, 1990.

Creador y coordinador del ciclo Jazzología, que se desarrolla interrumpidamente desde el 4 de septiembre de 1984, en el CCGSM, por el que han desfilado los más importantes músicos nacionales e internacionales. Colaborador de periódicos y revistas, condujo además numerosos ciclos radiales dedicados al jazz, y desde 2008 es curador del espacio Jazzología en el Festival Internacional Buenos Aires Jazz.

Ha sido distinguido, entre otros, con los siguientes premios: Ciudadano Internacional Honorario de la Ciudad de Nueva Orleáns (1985), Premio Konex (música popular, 2005), Plaqueta a la Trayectoria – Ministerio de Cultura CABA (2008) y Personalidad Destacada de la Cultura – Legislatura CABA (2011).

El Hogar Obrero

2011-07-20T11:00:00.000-03:00

En coincidencia con el acuerdo firmado entre el Centro Cultural y Biblioteca Popular Carlos Sánchez Viamonte con El Hogar Obrero, proyectaremos en función especial Ladrones de biclicletas, de Vittorio de Sica, presentada por el crítico e investigador cinematográfico Pablo De Vita. Será el sábado 23 de julio a las 20 horas, en Austria 2154. La entrada es libre, con colaboración voluntaria.

Sábado 23 de julio - 20 horas
LADRONES DE BICICLETAS
(Ladri di biciclette, Italia, 1948, blanco y negro, 93 minutos)
Dirección: Vittorio de Sica.
Guión: Cesare Zavattini, Vittorio de Sica, Suso Cecchi d'Amico, Oreste Biancoli, Adolfo Franci y Gerardo Guerrieri, basados en la novela de Luigi Bartolini.
Producción: Giuseppe Amato y Vittorio De Sica.
Dirección de Fotografía: Carlo Montuori.
Montaje: Eraldo Da Roma.
Música: Alessandro Cicognini.
Elenco: Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell, Gino Saltamerenda, Giulio Chiari y Vittorio Antonucci.

En la difícil Italia de posguerra, donde el trabajo escasea, nuestro protagonista tiene la fortuna de conseguir uno pegando carteles por la ciudad. Sin embargo, a poco de comenzar sufre el robo de su bicicleta, indispensable para el empleo. La película narrará su búsqueda, junto al hijo y algún amigo.

Detrás de una historia simple, de Sica habla sobre la condición humana, de ética y moral. Con mirada poética, se trata de una de las películas más importantes de la historia del cine, y del Neorrealismo italiano, que puso en pantalla al obrero, al hombre común.

Recibió en su momento innumerables premios, incluyendo el Oscar a la Mejor Película extranjera y la nominación de la Academia al Mejor guión. Se alzó además con el BAFTA inglés a la mejor película.

Pablo De Vita

Nació en Buenos Aires, es Diseñador de Imagen y Sonido (UBA) con un Diploma Superior de Posgrado en Gestión Cultural, Patrimonio y Turismo Sustentable (Beca de Ortega y Gasset, Universidad Complutense de Madrid). Colaborador del diario La Nación (en su suplemento ADNCultura) y de las revistas Criterio, Todo es historia y Debate. Realizó un stage en el diario La Repubblica (Roma) y es corresponsal de la revista Contrastes (Valencia). Premio al Mejor Periodista de Cultura y Sociedad otorgado por la Embajada de Italia y Premio de la Muestra Binacional de Cine de Puerto Natales. Es co-autor de los libros: Plano secuencia (La Crujía); Leopoldo Torre Nilsson (Ediciones Altamira) y Los escenarios del adiós, algunos bares del cine argentino (Universidad Nacional de Mar del Plata), entre otros. Fue jurado y cubrió diversos festivales internacionales. Dictó conferencias en el Foro Cultural del Mercosur (Asunción, Paraguay), en el Instituto Niels Stensen (Florencia, Italia) y en la Escuela de Cine FAMU (Praga, República Checa). Integró el Comité Científico del 2do Congreso de la Asociación Argentina de Estudios de Cine y Audiovisual y forma parte del Consejo Directivo de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina. Es investigador del Instituto de Artes del Espectáculo de la UBA.

Temporada 5 / Función 88
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Me lo contó un pajarito

2011-07-18T16:08:00.000-03:00

Ahora puede seguir las actividades del Centro Cultural y Biblioteca Popular Carlos Sánchez Viamonte en nuestra nueva cuenta de Twitter, @CSViamonte. Allí también publicaremos las funciones del Cineclub La Rosa.

El nuevo Bertolucci

2011-07-01T10:57:00.000-03:00

Última jornada del ciclo "Mil amores", con una obra maestra de Bernardo Bertolucci: Cautivos del amor. Será, en día especial, el sábado 2 de julio a las 20 horas, en Austria 2154. Entrada libre, colaboración voluntaria.

Sábado 2 de julio - 20 horas
CAUTIVOS DEL AMOR
(Besieged, Gran Bretaña / Italia, 1998, color, 93 minutos)
Dirección: Bernardo Bertolucci.
Guión: Clare Peploe y Bernardo Bertolucci.
Producción: Massimo Cortesi.
Dirección de Fotografía: Fabio Cianchetti.
Montaje: Jacopo Quadri.
Música: Alessio Vlad.
Elenco: Thandie Newton, David Thewlis, Claudio Santamaría, John C. Ojwang, Massimo De Rossi, Cyril Nri, Paul Osul y Veronica Lazar.

Una mujer africana se ve obligada a abandonar su país cuando el dictador de turno encarcela a su marido. Ya en Italia, continúa con sus estudios de medicina mientras debe ganarse la vida trabajando como doméstica en la casa de un pianista británico.

En ese palacio romano, él intenta enamorarla con flores, regalos y música, declarándole un amor apasionado. Ella, sólo piensa en recuperar a su esposo, sacarlo de la cárcel y poder llevarlo con ella a Europa.

La dicotomía entre los dos continentes es la simbología principal de un amor que se bifurca en varios caminos, y plantea las dudas lógicas de las pasiones. ¿Es posible renunciar a la poseción sin renunciar a su amor?
¿Puede lo real convertirse en simbólico?

Temporada 5 / Función 87
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Rompecabezas

2011-06-26T21:00:00.000-03:00

Continuamos con el ciclo "Mil amores" con la proyección de la película danesa Reconstrucción de un amor, ópera prima de Christoffer Boe. Será el miércoles 29 de junio a las 20 horas, en Austria 2154. Entrada libre, colaboración voluntaria.

Miércoles 29 de junio - 20 horas

RECONSTRUCCIÓN DE UN AMOR
(Reconstruction, Dinamarca, 2003, color, 91 minutos)

Dirección: Christoffer Boe.
Producción: Tine Grew Pfeiffer.
Guión: Christoffer Boe y Mogens Rukov.
Dirección de Fotografía: Manuel Alberto Claro.
Montaje: Peter Brandt y Mikkel E.G. Nielsen.
Música: Thomas Knak.
Elenco: Nikolaj Lie Kaas, Maria Bonnevie, Krister Henriksson, Nicolas Bro, Ida Dwinger, Helle Fagralid, Isabella Miehe-Renard, Malene Schwartz y Peter Steen.

En Copenhague, el joven fotógrafo Alex se cruza circunstancialmente con la desconocida Aimee. Luego de pasar una noche juntos, Alex decide dejar todo por ella, incluso a su pareja Simone. Una inexplicable y profunda modificación ocurre en el universo del muchacho, y el romance parece descomponerse en imágenes y formar un rompecabezas difícil de seguir.

Luego de este encuentro casual el mundo de Alex se desmorona, como si su vida entera se hubiera desvanecido luego de conocer a su amor horas atrás. Con guiños al surrealismo, la pregunta que surge tras este tsunami en el que se ve inmerso podría ser ¿cuanto darías por un verdadero amor, sabiendo que la recompensa es grande?

“Recuerde, es todo una película. Todo una construcción. Pero aun así duele”, nos advierte una voz en off al comienzo de la película, que obtuvo los premios "Cámara de oro" y "Mirada joven" en el festival de Cannes 2003, y FIPRESCI en el de San Sebastián.

Temporada 5 / Función 86
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Globo rojo, caballo blanco

2011-06-16T18:40:00.000-03:00

Una nueva función del Cineclub de los Chicos en el Cineclub La Rosa, con la presentación de dos clásicos de Albert Lamorisse, aptos para todo público: Crin blanca y El globo rojo. Todo, el sábado 25 de junio a las 11 horas, en Austria 2154. Entrada libre, colaboración voluntaria.

Sábado 25 de junio - 11 horas
EL GLOBO ROJO
(Le ballon rouge, Francia, 1956, color, 36 minutos)
Dirección, Producción y Guión: Albert Lamorisse.
Dirección de Fotografía: Edmond Séchan.
Montaje: Pierre Gillette.
Música: Maurice Leroux.
Elenco: Pascal Lamorisse, Sabine Lamorisse, Michel Pezin, Georges Sellier, Wladimir Popof, René Marion y Paul Perey.

Un niño y un globo rojo (¿quién encuentra a quién?) comienzan a seguirse por las calles de París. El globo va tras el chico a la escuela, en el ómnibus, lo ayuda cuando se mete en problemas y siempre está allí. Sin diálogos, el fantástico relato se llena de metáforas poéticas, apela a la sensibilidad e imaginación del espectador.

Ganadora de la Palma de Oro en Cannes al mejor cortometraje y del Oscar al mejor guión original.

CRIN BLANCA
(Crin-Blanc, Francia, 1953, blanco y negro, 47 minutos)
Dirección y Producción: Albert Lamorisse.
Guión: Albert Lamorisse y Denys Colomb de Daunant.
Dirección de Fotografía: Edmond Séchan.
Montaje: Georges Alépée.
Música: Maurice Leroux.
Elenco: Alain Emery, Pierre Bestieux, Denys Colomb Daunant, Alain Colomb Daunant, Charles Fouhetty, Charles Guillaume y Pascal Lamorisse.

Un muchacho llamado Folco encuentra por casualidad un caballo blanco salvaje en el sur de Francia. Los rancheros intentan capturar el caballo, pero éste se escapa. El niño, sin embargo, intenta recuperarlo... Lamorisse narra así una historia sobre la infancia y la libertad, un cuento moral donde la enseñanza pasa por el respecto por la naturaleza y el amor al prójimo.

Gran Premio del jurado (mejor cortometraje) del Festival de Cannes y Premio Jean Vigo mejor corto 1953.

Temporada 5 / Función 85
Cineclub La Rosa
Séptima función de "El Cineclub de los chicos"
Austria 2154

El ánimo exquisito

2011-06-13T10:50:00.000-03:00

Comenzamos el ciclo de películas relacionadas a los amores, tortuosos, especiales y de los otros, con la magistral obra de Wong Kar-Wai y su visión romántica sentimental de Con ánimo de amar. El miércoles 15 de junio a las 20, en Austria 2154. Entrada libre, colaboración voluntaria.

Miércoles 15 de junio - 20 horas
CON ÁNIMO DE AMAR
(Fa yeung nin wa, Hong Kong/Francia, 2000, color, 98 minutos)
Dirección, Producción y Guión: Wong Kar-Wai.
Dirección de Fotografía: Christopher Doyle, Pung-Leung Kwan y Mark Lee Ping-bin.
Montaje: William Chang.
Dirección de arte y vestuario: William Chang.
Música: Mike Galasso y Shigeru Umebayashi.
Elenco: Tony Leung Chiu Wai, Maggie Cheung, Rebecca Pan, Liu Chum y Siu Ping-Lam.

En medio de una sociedad conservadora, una historia instalada en Hong Kong en 1962, dos parejas se mudan a habitaciones contiguas y lo que pareciera ser azar comienza a ser un cruce de historias cotidianas que se develan extraordinarias.

Los cónyuges de cada uno dejan de aparecer, salen de sus vidas para que el amor se desarrolle entre los protagonistas, una bella mujer casada con un hombre de negocios que viaja mucho, y un elegante casado con una mujer muy ocupada.

Como la historia que cuenta, la película se torna fascinante en el modo en que se desarrolla. La sutileza visual, la exquisitez de las imágenes, el devenir de la cámara y una ambientación majestuosa hacen que el melodrama se convierta en una experiencia sensorial.

Ganadora del premio al Mejor actor (Tony Leung) y Mejor Fotografía en el festival de Cannes.

Temporada 5 / Función 84
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Un ciclo de mil amores

2011-06-04T19:00:00.001-03:00

Comienza el frío y nos pusimos románticos con la proyección de tres grandísimas películas recientes pero poco revisionadas. Wong Kar-Wai, Cristoffer Boe y Bernardo Bertolucci, las firmas enamoradas. Siempre en Austria 2154, con entrada libre y colaboración voluntaria.

El amor es una temática universal y ha sido atravesada por los más diversos géneros. La problemática de las relaciones humanas es desde el comienzo de los relatos uno de los preferidos de todos los autores.

En esta ocasión hemos querido programar tres filmes de la última década que sin embargo han caído en esa zona gris donde aún no llega el revisionismo y muchas veces nos quedamos con las ganas de volver a ver.

Se trata de historias de dos grandísimos directores como Wong Kar-Wai y Bernardo Bertolucci, y el debut del danés Christoffer Boe que aportan además de su mirada sobre el amor, sus refinadas miradas para crear climas y estéticas particulares.

Emiliano Penelas
Programador

Miércoles 15 de junio - 20 horas

CON ÁNIMO DE AMAR

(Fa yeung nin wa, Hong Kong/Francia, 2000, color, 98 minutos)

Dirección: Wong Kar-Wai
Elenco: Tony Leung Chiu Wai, Maggie Cheung, Rebecca Pan, Liu Chum y Siu Ping-Lam.

Wong kar-Wai construye en el Hong Kong de 1962 un melodrama sencillo y cotidiano, narrado con una destreza visual sorprendente para terminar hablando de las relaciones personales, la amistad y el amor.

Mejor actor (Tony Leung) y Mejor Fotografía (Christopher Boyle) en el festival de Cannes.

Miércoles 29 de junio - 20 horas
RECONSTRUCCIÓN DE UN AMOR
(Reconstruction, Dinamarca, 2003, color, 91 minutos)

Dirección: Christoffer Boe.
Elenco: Nikolaj Lie Kaas, Maria Bonnevie, Krister Henriksson, Nicolas Bro, Ida Dwinger, Helle Fagralid, Isabella Miehe-Renard, Malene Schwartz y Peter Steen.

Un amor triangular contado como un rompecabezas en el que intervienen la casualidad y el destino. La reconstrucción implica mucho más que lo sentimental, y dependerá de las decisiones del protagonista.

Premio "Cámara de oro" y "Mirada joven" en el festival de Cannes 2003.

Sábado 2 de julio - 20 horas

CAUTIVOS DEL AMOR

(Besieged, Gran Bretaña / Italia, 1998, color, 93 minutos)

Dirección: Bernardo Bertolucci.

Elenco: Thandie Newton, David Thewlis, Claudio Santamaría, John C. Ojwang, Massimo De Rossi, Cyril Nri, Paul Osul y Veronica Lazar.

Una mujer africana debe emigrar dejando a su marido preso por el dictador que asedia a su país. En Italia trabaja en la casa de un pianista británico que pronto caerá enamorado. Conmovedora, elegante, inolvidable.

Se estrena el documental sobre Alfredo Li Gotti

2011-06-02T16:47:00.000-03:00

Llega a los cines Alfredo Li Gotti. Una pasión cinéfila, el documental de Roberto Ángel Gómez que muestra la vida de cineclubista y coleccionista cinematográfico del Padrino del Cineclub La Rosa.

Alfredo Li Gotti es uno de los más importantes coleccionistas de cine de la Argentina.

Con mucho esfuerzo y sin abandonar el trabajo de toda la vida, pudo alcanzar un sueño surgido desde la voluntad de exhibir

y compartir su material: tener su propia sala cinematográfica en su casa. En ese espacio mágico, enorme y sorprendente, proyecta gratuitamente sus películas desde hace más de 20 años.

Otros coleccionistas, cinéfilos, críticos, y familiares, nos permiten conocer en profundidad la vida de Alfredo, y al mismo tiempo, nos revelan el fascinante mundo del coleccionismo cinematográfico.

Alfredo Li Gotti, a los 85 años, mantiene viva su pasión cinéfila. Constituyendo, una verdadera metáfora existencial, que trasciende el ámbito de la pantalla para adquirir un carácter universal, enteramente humano.

Estreno junio 2011
Malba.Cine - Av. Figueroa Alcorta 3415
Domingo 5, 12, 19 y 26 de junio y domingo 3 de julio, a las 18 horas

Cine Cosmos-UBA - Av. Corrientes 2046
Jueves 9, viernes 10, sábado 11 y domingo 12 de junio, a las 18 horas.
Jueves 16, viernes 17, sábado 18 y domingo 19 de junio, a las 17 horas.

Alfredo Li Gotti. Una pasión cinéfila
(Argentina, 2010, Color/ByN, 77 minutos)
Guión y Dirección: Roberto Ángel Gómez
Fotografía y Cámara: Emiliano Penelas
Producción: Roberto Ángel Gómez
Jefe de Producción: Daniel Guzmán
Edición: Christian Stauffacher
Diseño y Mezcla de Sonido: Gino Gelsi
Postproducción de Imagen: Rodrigo Silvestri
Música Original: Pablo Yanis
Foto Fija: Vanesa Pereira
Página web: http://www.unapasioncinefila.com.ar/

Sidney Lumet, in memoriam

2011-05-20T17:33:00.000-03:00

Rendiremos homenaje al gran director fallecido en abril con la proyección de una de sus películas más emblemáticas, Tarde de perros, con Al Pacino. Será presentada por nuestro padrino, Alfredo Li Gotti, el miércoles 1 de junio a las 20 horas, en Austria 2154. Entrada libre, colaboración voluntaria.

Miércoles 1 de junio - 20 horas
TARDE DE PERROS
(Dog day afternoon, EE.UU., 1975, color, 125 minutos)
Dirección: Sidney Lumet.
Guión: Frank Pierson, basado en el libro de Leslie Waller y el artículo de P.F. Kluge y Thomas Moore.
Producción: Martin Bregman y Martin Elfand.
Dirección de fotografía: Victor J. Kemper.
Montaje: Dede Allen.
Elenco: Al Pacino, John Cazale, Charles Durning, Carol Kane, Chris Sarandon, Sully Boyar, Penelope Allen, Beulah Garrick, James Broderick, Beulah Garrick, Sandra Kazan y Marcia Jean Kurtz.

Una pequeña banda de delincuentes liderados por Pacino y otros muchachos de bajo nivel copan un banco con toma de rehenes. La torpeza y el poco profesionalismo del clan -que preveía el atraco en ocho minutos- termina complicando toda la acción, resultando en una trampa para todos los involucrados.

La policía, el FBI, los medios y los curiosos formarán parte de una escena que se convertirá en un espectáculo televisivo en directo que el argumento utiliza para subrayar y criticar el amarillismo de la prensa y el resto de los involucrados.

Llena de suspenso y drama, la película está basada en hechos reales ocurridos en 1972. Obtuvo el Oscar al mejor Guión, y otras cinco nominaciones: mejor Película, Director, Actor protagónico (Al Pacino), Actor de reparto (Chris Sarandon) y Montaje.

Sidney Lumet
Nacido en Filadelfia el 25 de junio de 1924, falleció en Nueva York, la ciudad que adoptó para vivir y para sus films, el pasado 9 de abril, clausurando una época que también supieron transitar los hace poco fallecidos Arthur Penn y Blake Edwards (homenajeado en enero en nuestro Cineclub).

Dirigió televisión y tras cientos de programas en su haber debutó en cine con una película extraordinaria: Doce hombres en pugna (1957), con la que ganaría el Oso de Oro en Berlín.

Entre sus películas más conocidas pueden mencionarse Viaje de un largo día hacia la noche (1962), Serpico (1973), Crimen en el Expreso de Oriente (1974), Network - Poder que mata (1976), Negocios de familia (1989), El lado oscuro de la justicia (1996) y Antes que el diablo sepa que estás muerto (2007).

Alfredo Li Gotti

El Padrino de nuestro Cineclub tendrá a su cargo la presentación de la película y el homenaje a Sidney Lumet. Coleccionista y cineclubista de ley, a sus frescos 85 años se prepara para el estreno de un documental sobre su vida (Alfredo Li Gotti. Una pasión cinéfila, de Roberto A. Gómez) que se verá desde el 9 de junio en los cines Malba y Cosmos-UBA, y de la cual proyectaremos un trailer antes de la función.

Temporada 5 / Función 83
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Drácula baila boleros

2011-05-18T23:14:00.000-03:00

Nueva función de "El Cineclub de los chicos" en el Cineclub La Rosa con la proyección del clásico de animación cubano Vampiros en La Habana, de Juan Padrón. Será el sábado 28 de mayo a las 11 horas, en Austria 2154.

Sábado 28 de mayo - 11 horas

VAMPIROS EN LA HABANA
(Idem, Cuba/España, 1985, color, 69 minutos)
Dirección: Juan Padrón.
Guión: Juan Padrón y Ernesto Padrón.
Música: Arturo Sandoval.

Un científico vampiro inventa una pócima que permitirá a los suyos pasearse bajo el sol del Caribe cubano. Cuando la noticia corre por el mundo vampiro, todos quieren ir hasta Cuba para probar el Vampisol. Clanes mafiosos de todos lados llegan con la esperanza de robar la fórmula, que fue puesta bajo custodia de Pepito, sobrino del creador, bohemio y trompetista. Una trama llena de humor y guiños entre vampiros del Este y de Occidente.

Temporada 5 / Función 82
Cineclub La Rosa
Sexta función de "El Cineclub de los chicos"
Austria 2154

Un toque de maldad

2011-05-17T00:30:00.000-03:00

Última función del ciclo dedicado a Orson Welles con la película que dio por clausurada la era de oro del Cine Negro: Sed de mal, con Charlton Heston, Janet Leight, Marlene Dietrich, Zsa Zsa Gabor, Akim Tamiroff y el propio Welles. Será el miércoles 18 de mayo a las 20 horas, en Austria 2154. Entrada libre, contribución voluntaria.

Miércoles 18 de mayo - 20 horas
SED DE MAL
(Touch of evil, 1958, Estados Unidos, blanco y negro, 108 minutos)
Dirección y Guión: Orson Welles, basado en la novela Badge of evil, de Whit Masterson.
Producción: Albert Zugsmith.
Dirección de Fogorafía: Russell Metty.
Montaje: Aaron Stell y Virgil W. Vogel. Walter Murch (reedición de 1998).
Dirección de Arte: Robert Clatworthy y Alexander Golitzen.
Música: Heinry Mancini.
Elenco: Charlton Heston, Janet Leigh, Orson Welles, Marlene Dietrich, Joseph Calleia, Akim Tamiroff, Dennis Weaver, Ray Collins, Mercedes McCambridge, Joseph Cotten y Zsa Zsa Gabor.

Mike Vargas, de la policía de narcóticos, recién casado se dispone a cruzar la frontera de México con Estados Unidos para comenzar su luna de miel cuando lo sorprende un atentado cometido en un auto. Pronto se verá ocupado en el caso, debiendo lidiar con el jefe de la policía local, Hank Quinlan, un hombre duro lleno de técnicas non sanctas para conseguir resolver los casos.

La película cuenta una alegoría entre el bien y el mal, entre el honesto y el corrupto, en medio de un clima hostil, lleno de complejidades e historias imbrincadas. Magistralmente contada, empezando por un plano secuencia que es parte de la historia del cine, Welles aplica su categoría en la puesta en escena en cada toma del film. Actuaciones sorprendentes, un elenco de lujo y una trama oscura que sirvió para poner fin a una etapa dorada del clásico policial norteamericano, el Cine Negro.

La película originalmente fue reeditada por la Universal, sin autorización de Welles y se estrenó con un metraje inferior al que su director pensó, por lo que debieron filmarse tomas adicionales para darle sentido a la historia. Cuarenta años después, en base a un memorando de 60 páginas enviado por Welles a los directivos de la compañía, se logró reconstruir para obtener la versión actual.

Temporada 5 / Función 81
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Dama china

2011-05-02T10:00:00.000-03:00

Continuando con el ciclo homenaje a Orson Welles, el miércoles 4 de mayo a las 20 veremos La dama de Shangai, con Rita Hayworth. Será en Austria 2154. La entrada es libre, con contribución voluntaria.

Miércoles 4 de mayo - 20 horas
LA DAMA DE SHANGAI
(The lady from Shangai, 1947, Estados Unidos, blanco y negro, 87 minutos)
Dirección y Producción: Orson Welles.
Guión: Orson Welles, sobre la novela de Sherwood King ("If I Die Before I Wake")
Dirección de Fogorafía: Charles Lawton Jr.
Montaje: Viola Lawrence.
Dirección de Arte: Sturges Carne y Stephen Goossón.
Música: Heinz Roemheld.
Elenco: Rita Hayworth, Orson Welles, Everett Sloane, Glenn Anders, Ted de Corsia, Erskine Sanford, Gus Schilling y Carl Frank.

Un marinero irlandésacompaña a una hermosa mujer y su esposo a un crucero y se convierte en prenda de un juego de asesinatos, en medio de una trama de intrigas y asesinatos de la auténtica femme fatale que Hayworth era dentro y fuera de la pantalla.

De trama compleja, la película se adscribe a los tópicos del cine negro con una trama a veces confusa pero siempre atrapante. Llena de guiños y giros del relato, la apoteosis está en la famosísima escena final en el cuarto de espejos, en donde queda claro que, así como en el relato, nada parece ser lo que es.

Un diálogo con Peter Bogdanovich
PB: ¿Cuál fue la reacción general hacia ella en Hollywood?
OW: Los amigos me esquivaban. Donde quiera que se mencionaba la película la gente se aclaraba la garganta, carraspeaba y cambiaba de tema muy rápidamente en consideración a mis sentimientos. Sólo descubí que se la valoraba como una buena película cuando me fui a Europa. La primera cosa agradable que oí decir de ella a un norteamericano fue de labios de Truman Capote. Una noche en Sicilia recitó de memoria palabra por palabra, páginas enteras del diálogo.

PB: Supongo que eso puede llamarse ir por delante de la época.
OW: También puede llamarse tener problemas.

PB: ¿Cómo llegaste a hacer la película?
OW: Yo estaba trabajando en la versión teatral de La vuelta al mundo en ochenta días y el día del estreno estábamos en Boston imposibilitados de retirar el vestuario de la estación, porque se debían 50.000 dólares y nuestro productor, el señor Todd, estaba en quiebra. Sin aquel dinero no podíamos abrir el teatro así que llamé a Harry Cohn, a Hollywood, y le dije:
- Tengo una gran argumento para ti si me envías 50.000 dólares por giro telegráfico en el plazo de una hora. Te firmaré el contrato para hacer la película.
- ¿Qué argumento? -quiso saber Cohn.
Yo estaba telefoneando desde un teléfono público en las cercanías de un kiosco de periódicos que ofrecía una serie dc novelas en rústica. Leí el título de una de ellas, La dama de Shangai, y le dije:
- Compra los derechos de la novela y te haré la película. Una hora más tarde recibíamos el dinero.

Del libro Ciudadano Welles, de Peter Bogdanovich.

Temporada 5 / Función 80
Cineclub La Rosa
Austria 2154

La "movida Kane"

2011-05-01T21:33:00.001-03:00

El diario Perfil le dedicó su tapa del suplemento cultural a los 70 años de El Ciudadano. En una extensa nota de Alejandro Bellotti se mencionó al Cineclub La Rosa como uno de los lugares que participaron de la "movida Kane" para homenajear al clásico de Orson Welles.

Para leer la nota completa, click acá.

Siempre veo "El Ciudadano" por primera vez

2011-04-25T05:35:00.004-03:00

A propósito de la exhibición de El Ciudadano, a 70 años de su estreno, José A. Martínez Suárez nos envía este texto en donde deja claras las razones por las cuales hay que volver a ver el clásico de Orson Welles qu proyectaremos el sábado 30 de abril a las 20 en el Cineclub La Rosa, Austria 2154.

Siempre veo El Ciudadano por primera vez

No debo ser el único al que le ocurre lo mismo.

Cada vez que la veo, para mí es una película nueva.

Y continúo descubriéndole cosas.

70 años después, sí.

La considero una Biblia cinematográfica.

Cuanto más la leo, más la interpreto.

Además de en el Ideal, Núcleo, Lorraine, Cine Arte, Gente de Cine, Malba, Sha, la Lugones, Cosmos y no sé cuántas salas más de arte y de barrio en Buenos Aires, la vi por todo el país.

En Dolores, Rosario, Bahía Blanca, Córdoba, Resistencia, Balcarce, Neuquén, San Nicolás, Bariloche, Tandil, Gualeguaychú, Humberto Iº...

Los sitios siguen: Ushuaia, Tucumán, Trelew, Miramar, Tostado, General Pico, Viedma, Ingeniero Fuster...

Todo empezó, claro, mucho antes que el VHS y el DVD.

No es que la llevara encima. Es que en aquellos tiempos cuando llegaba a una población -casi siempre por trabajo- lo primero que hacía al llegar al hotel era averigüar si esa noche funcionaba el cine, y qué película estaba programada.

Todas esas veces, y algunas más, coincidimos.

Ir al cine luego de haber estado haciendo cine, era y aún sigue siendo para mí, la mejor forma de felicidad, aprendizaje y descanso.

Por eso me pregunté por todo el país (y por el extranjero, pero eso ya deben suponerlo) hasta dónde quedaban grabadas algunas de esas para mí inolvidables imágenes, en los espectadores que me acompañaban.

¿Recordarían el breve monólogo reminiscente de Everett Sloane relatando la mañana en que vio a la muchacha de la capelina con la que se cruzó su transbordador?

¿Se asombrarían del gigantismo del puzzle, de la escalera y de la chimenea de Xanadú?

¿Sacarían conclusiones oblicuas acerca de porqué el mayordomo dice que la última palabra pronunciada por Kane fue "Rosebud", si la primera vez que el espectador la escucha no hay nadie junto al moribundo y la enfermera entra recién al escuchar el sonido de la bola de cristal que dejó caer la mano de Kane, rompiéndose contra el piso?

¿Se estremecerán, sin darse cuenta ni preguntarse porqué sintieron ese escalofrío al escuchar el ríspido graznido de la cacatúa, sin advertir que lo provocó el sutil escamoteo técnico de la banda de sonido adelantada ocho cuadros al de la imagen?

¿Sospecharán que efectivamente Kane se refería a su trineo cuando Dorothy Comingore le pregunta qué andaba haciendo por ese barrio en el que es salpicado de lodo por un carruaje, circunstancia que da comienzo al inicio del romance entre ambos, luego que Kane le responde "Buscando unos antiguos elementos familiares"?

¿Alguien recordará el insólito efecto de la inesperada animación de la fotografía del grupo de periodistas birlados al diario competidor?

Puedo dar cientos de ejemplos más.

Y dentro de unos años, otros tantos.

Porque podríamos seguir así mucho tiempo, deleitándonos en el recuerdo de imágenes que nos vienen acompañando a través de los años, sin que el olvido se inmiscuya en la memoria.

No ver El Ciudadano por lo menos cada doce meses, es pecado de cineasta.

Permanezcamos puros.

MS/
25 3 11

Salió el Inquirer

2011-04-24T04:17:00.001-03:00

¿Quién dijo que el famoso diario de Charles Foster Kane no sale más? Ahí están sus últimas ediciones, y el conjunto de entidades que se suman a la movida de proyectar El Ciudadano. Aclaramos que en el Cineclub La Rosa será el sábado 30 de abril a las 20 horas.

Cosita loca llamada Rosebud

2011-04-20T21:00:00.002-03:00

El Ciudadano cumple 70 años y como todavía nos llena de intriga la palabra que desencadena la historia, seremos muchos lugares dedicados al cine aquí y allá quienes lo celebraremos volviendo a ver, una vez más, el gran clásico de Orson Welles. En el Cineclub La Rosa la cita es el sábado 30 de abril a las 20 horas, en Austria 2154. La entrada es libre, colaboración voluntaria.

Sábado 30 de abril - 20 horas
EL CIUDADANO
(Citizen Kane, 1940, Estados Unidos, blanco y negro, 119 minutos)
Dirección y Producción: Orson Welles.
Guión: Orson Welles y Herman J. Mankiewicz.
Dirección de fotografía: Gregg Toland.
Montaje: Robrt Wise.
Dirección de arte: Van Nest Polglase.
Música: Bernard Herrmann.
Elenco: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, Dorothy Comingore, Agnes Moorehead, Ray Collins, Paul Stewart, George Coulouris y Ruth Warrick.

El magnate de los medios Charles Foster Kane, uno de los hombres más ricos y poderosos de los Estados Unidos, muere pronunciando una enigmática última palabra: "Rosebud". A continuación, la investigación llevada adelante por un periodista intentará encontrar su significado indagando en la vida de este empresario, tratando de ir hasta los detalles desconocidos de su personalidad.

Un niño alejado de su familia, creciendo con la promesa de ser millonario, casándose por conveniencia, intentando ser presidente, conviertiéndose el más importante hombre del país, gana cada vez más poder a medida que pierde alma.

La película se va armando en un gran rompecabezas, con una historia que se va entramando en el espectador, único testigo de toda la reconstrucción de la vida de Kane. Welles, de apenas 26 años, nos pone frente a una "descomunal exhibicion de talento" en la que ponía sobre la mesa no sólo una de las obras de arte más originales de la historia, sino que jaqueaba el "sueño americano" con una sola palabra.

"Citizen Kane es una obra de arte de un poder insultante, una película magistral realizada por un joven prodigio de sólo 26 años de edad, que inventa con insólita personalidad -y de golpe- varios conceptos cinematográficos de primer orden. Insistiendo en que hoy está indiscutiblemente considerada como la mejor película de todos los tiempos, el caso es que en su día ni obtuvo un gran éxito de público ni se llevó los premios que, quizá, la juventud y poca modestia de su director le privaron de conseguir (el film obtuvo 1 Oscar al guión de 9 nominaciones)", afirma Pablo Kurt en Filmaffinity.

A 70 años de su estreno
El Ciudadano se estrenó en los Estados Unidos el 1º de mayo de 1941. A siete décadas de aquel acontecimiento, varias entidades, cineclubes y cinematecas de la Argentina y de América Latina, bajo la sugerencia e insistencia de José A. Martínez Suárez, nos propusimos programarla en conjunto, en una celebración que pueda estar a la altura de la película.

Temporada 5 / Función 79
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Función Súper 8

2011-04-20T10:00:00.000-03:00

En una nueva edición de El Cineclub de los chicos estaremos presentando cortometrajes en súper 8, para que los niños -y los no tanto- descubran el mágico mundo de una pantalla y un proyector haciendo ruidito mientras corre. Será el sábado 30 a las 11 horas, con entrada libre, en Austria 2154.

Sábado 30 de abril - 11 horas
MAGOO EL MATADOR
(Magoo matador, EE. UU., 1957, color, 6 minutos)
Dirección: Pete Burness.
Guión: Dick Shaw.

Sinopsis: El casi ciego Mr. Magoo más perdido que de costumbre, equivoca la ruta y se mete en una plaza de toros mexicana.

CARLITOS Y SU NUEVO EMPLEO
(His new job, EE.UU., 1915, blanco y negro, 22 minutos)
Dirección y Montaje: Charles Chaplin.
Guión: Charles Chaplin y Louella Parsons.
Producción: Jess Robbins.
Elenco: Charles Chaplin, Ben Turpin, Charlotte Mineau, Leo White, Robert Bolder y Charles J. Stine.

Sinopsis: Carlitos trata de conseguir trabajo en una película. Luego de causar varias dificultades en el set, decide ayudar al carpintero. Cuando uno de los actores no aparece, Carlitos obtiene la chance de actuar, pero las complicaciones siguen acechándolo.

CARLITOS PATINADOR
(The Rink, EE.UU., 1916, blanco y negro, 22 minutos)
Dirección y Montaje: Charles Chaplin.
Guión: Charles Chaplin, Maverick Terrell y Vincent Bryan.
Producción: Charles Chaplin y Henry P. Caulfield.
Fotografía: Roland Totheroh.
Elenco: Charles Chaplin, Edna Purviance, James T. Kelley, Eric Campbell, Henry Bergman y Lloyd Bacon.

Sinopsis: Después de sus tareas en un restaurante, Carlitos usa su horario de almuerzo para ir a patinar. Después de un ballet clásico de patín de ruedas, Carlitos (ahora como Sir Cecil Seltzer) es invitado a una fiesta donde estará Edna, pretendida a su vez por otro.

SPEEDY GONZALES: LA CORRIDA
(Mexican cat dance, EE.UU., 1963, color, 6 minutos)
Dirección: Fritz Freleng.
Guión: John W. Dunn.

Sinopsis: Luego de una corrida de toros, los ratones arman su propia fiesta con Speedy Gonzales como el matador y el gato Silvestre como el toro.

Temporada 5 / Función 78
Cineclub La Rosa
Quinta función de "El Cineclub de los chicos"
Austria 2154

Ciudadano Welles: a 70 años de la revolución

2011-04-16T01:34:00.000-03:00

El 1º de mayo de 1940 Orson Welles revolucionaba el cine con el estreno de El ciudadano. La película más comentada de la historia del cine está de cumpleaños, y el festejo ameritaba un recorrido por otras dos obras imprescindibles del genio OW. Todas las funciones con entrada libre, colaboración voluntaria.

Sábado 30 de abril - 20 horas
EL CIUDADANO
(Citizen Kane, 1940, Estados Unidos, blanco y negro, 119 minutos)
Dirección: Orson Welles.

Solo, en castillo de estilo oriental, Xanadú, muere el hombre de negocios y magnate de los medios Charles Foster Kane, dueño de una riqueza incalculable. "Rosebud" es lo último que pronuncia, y será la clave para desentrañar su pasado y la historia para tratar de averiguar qué significa esa palabra, como excusa para conocer el pasado de ese personaje público y al mismo tiempo desconocido.

Trascendental en sus formas, El Ciudadano marcó un antes y un después en la historia del cine, y aún hoy es considerada en encuestas por todo el planeta como la mejor película de todos los tiempos.

El Cineclub La Rosa se suma a la propuesta surgida de José A. Martínez Suárez y que fuera recogida por muchos espacios de la Argentina y América Latina, para proyectar el film simultánamente, recordando y celebrando los 70 años de su estreno en los Estados Unidos.Además, continuaremos durante mayo con otras dos película dedicadas al talentoso Orson Welles.

Emiliano Penelas
Programador

Miércoles 4 de mayo - 20 horas
LA DAMA DE SHANGAI
(The lady from Shangai, 1947, Estados Unidos, blanco y negro, 87 minutos)
Dirección: Orson Welles.

Una hermosa femme fatale (Rita Hayworth) encandila y encierra en una trama de intrigas y asesinatos a un hombre seducido por sus encantos. Con guiños y giros del relato magistrales, la película conduce inevitablemente a un final en el que no se sabrá bien quién es quién.

Miércoles 18 de mayo - 20 horas
SED DE MAL
(Touch of evil, 1958, Estados Unidos, blanco y negro, 108 minutos)
Dirección: Orson Welles.

Welles clausura el período clásico del policial negro con una obra maestra. La lucha entre el bien y el mal se libra en plena frontera entre México y los Estados Unidos, donde el honesto Charlton Heston y el corrupto Hank Quinlan se verán las caras varias veces tratando de buscar la verdad de la explosión que empezó con uno de los planos secuencias más famosos de la historia del cine. Última película de Welles en los Estados Unidos, que incluye a Janet Leigh, Marlene Dietrich, Joseph Cotten, Akim Tamiroff, Joseph Calleia y Zsa Zsa Gabor en el reparto.

No bombardeen Aquilea

2011-04-15T02:00:00.000-03:00

Segunda y última función del ciclo "Las ciudades invisibles", en homenaje a Ítalo Calvino, con la proyección del clásico vernáculo Invasión, en su versión restaurada. Dirigida por Hugo Santiago, con guión de Jorge Luis Borges y Adolfo Bioy Casares. Será el miércoles 20 de abril a las 20 horas en Austria 2154, con entrada libre.

Miércoles 20 de abril - 20 horas
INVASIÓN
(Idem, Argentina, 1969, blanco y negro, 121 minutos)
Dirección: Hugo Santiago.
Guión: Adolfo Bioy Casares, Jorge Luis Borges y Hugo Santiago.
Producción: Hugo Santiago.

Dirección de Fotografía: Ricardo Aronovich y Adelqui Camusso.
Montaje: Oscar Montauti.
Música / Sonido: Edgardo Cantón.
Elenco: Olga Zubarry, Lautaro Murúa, Juan Carlos Paz, Roberto Villanueva, Martín Adjemián, Daniel Fernández y Ricardo Ormello.

Película "literaria", surgida de la pluma de Jorge Luis Borges y Adolfo Bioy Casares junto al director, Invasión es la leyenda de una ciudad, imaginaria o real, sitiada por fuertes enemigos y defendida por unos pocos hombres, que acaso no son héroes. Lucharán hasta el fin, sin sospechar que su batalla es infinita.

Buenos Aires como Aquilea, una ciudad rodeada por misteriosos invasores, ante la indiferencia de quienes la habitan. Metáfora porteña en donde La Bombonera es el escenario de la batalla final.

"Se trata de un film fantástico y de un tipo de fantasía que puede calificarse de nueva. No se trata de una ficción científica a la manera de Wells o de Bradbury. Tampoco hay elementos sobrenaturales. Los invasores no llegan de otro mundo y tampoco es psicológicamente fantástico", declaraba Borges respecto del film.

"La Aquilea de Invasión es una Buenos Aires romántica y muy porteña, diferente al Vicente López de El Eternauta, pero, a su vez, generan lo mismo: nos identificamos con obreros argentinos, con un almacenero, con un milonguero, con un bar que podría ser cualquiera, en fin: nos sentimos protagonistas, porque son nuestros los intereses que vemos amenazados, y nos seducen con la (en parte romántica y en parte peligrosamente real) necesidad de agarrar un arma para salir a defenderlos." (Paulo Soria, "Epopeyas argentinas")

Temporada 5 / Función 77
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Guión en la Biblioteca: dos nuevos talleres a cargo de Sol Pérez

2011-04-05T03:32:00.000-03:00

Para quienes se inicien, los martes de 19 a 20:30 "De la idea al guión audiovisual". Y los viernes de 19 a 20:30, "Intertextualidad y transposición". Ambos talleres tienen una duración de ocho clases, comenzando el 12 y 15 de abril, respectivamente, en Austria 2154. Se otorgarán certificados de asistencia.

De la idea al guión audiovisual
Martes de 19 a 20:30 horas - Desde el 12 de abril, ocho clases.

Se trata de un curso teórico-práctico que ve al guión como una obra de arte pero también como una herramienta. Aprender las reglas básicas para que lo que se quiera contar tenga verosimilitud, ritmo, coherencia, interés, es decir, que funcione. Se buscará tener una respuesta concreta ante la sensación de que las ideas no fluyen.

El taller es un espacio de indagación poética, se realizarán ejercicios que estimulen la creatividad y se aplicarán instrumentos para encauzar esas ideas en un guión. También se trabajará en la búsqueda de ideas en fuentes literarias o dramáticas. Se profundizará en la exploración de la literatura y del teatro como canteras para descubrir historias que valen la pena volver a ser contadas.

Intertextualidad y transposición
Viernes de 19 a 20:30 horas - Desde el 15 de abril, ocho clases.

El tema de este taller es el diálogo incesante que las obras de arte mantienen entre sí bajo la forma de citas, alusiones, guiños y polémicas. La gramática de la literatura y del teatro es profundamente diferente a la gramática del cine. Nos proponemos resolver los desafíos que enfrenta alguien que quiere llevar al cine un texto previo. Esto se conoce como adaptación aunque el término técnico más preciso es transposición. Preguntarse por la adaptación o la transposición es preguntarse por la sintaxis propia de cada lenguaje. El curso es teórico-práctico, y en todas las unidades se realizarán ejercicios para entender y aplicar los temas dados.

Sol Pérez
Es Licenciada en Letras de la UBA, profesora de enseñanza media y superior en Letras, egresada de la carrera de Guión en el E.N.E.R.C. (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica), Dependiente del I.N.C.A.A. (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales) y Dramaturga egresada de la E.M.A.D. (Escuela Municipal de Arte Dramático). Se desempeña como docente desde 2003, dictando cursos y talleres de guión, transposición y dramaturgia en varias escuelas y universidades nacionales.

Informes e inscripción
Para conocer más acerca del costo de los talleres y poder anotarse, comuníquese al 4802-8211 (lunes a viernes de 16 a 20, jueves de 15 a 19) o escriba a carlossanchezviamonte@yahoo.com.ar y http://www.carlossviamonte.com.ar/.

Les recordamos que los cursos tienen un arancel especial para socios de la Biblioteca y quienes se inscriban en los dos. Se entregarán certificados de asistencia.

Sueños y pesadillas

2011-03-30T21:00:00.003-03:00

Comenzamos el ciclo "Las ciudades invisibles", basados en el relato de Ítalo Calvino, con la proyección de La ciudad de los niños perdidos, de Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet. Será el miércoles 6 de abril a las 20 horas, en Austria 2154.

Miércoles 6 de abril - 20 horas
LA CIUDAD DE LOS NIÑOS PERDIDOS
(La cité des enfants perdus, Francia/Alemania/España, 1995, color, 112 minutos)
Dirección: Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet.
Guión: Gilles Adrien, Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet.
Producción: Félicie Dutertre, María Victoria Hebrero, José Luis Lopez, Arlette Mas, Svetlana Novak, Claudie Ossard y François Rabes.
Dirección de Fotografía: Darius Khondji.
Montaje: Hervé Schneid.
Dirección de arte: Jean Rabasse.
Música: Angelo Badalamenti.
Vestuario: Jean-Paul Gaultier.
Elenco: Ron Perlman, Daniel Emilfork, Judith Vittet, Dominique Pinon, Jean-Claude Dreyfuss, Geneviève Brunet y Mireille Mosse.

Los niños de la ciudad están desapareciendo sin motivos aparentes y sin que nadie sepa adónde se han ido. Estamos en un universo retrofuturista, apocalíptico y fuera de toda realidad. Krank (Daniel Emilfork) es un científico en medio de una plataforma marina necesita volver a soñar para no continuar envejeciendo, y necesita de los niños para alimentarse de sus fantasías.

Cuando rapta al hermanito del forzudo del circo todo cambia, ya que el gigante One (Ron Perlman) hará todo para recuperarlo, con la ayuda de otros excéntricos y fabulosos personajes en un mundo que se presenta en pesadillas, con paisajes viasualmente hermosos, sorprendentes y perturbadores al mismo tiempo.

Por momentos surrealista, en otros aterradora, la película se presenta como una continuidad aún más fantasiosa que la que mostraban los mismos directores cuatro años antes, con Delicatessen.

Temporada 5 / Función 76
Cineclub La Rosa
Austria 2154

20.000 visitantes

2011-03-30T15:08:00.000-03:00

5 temporadas
+30 ciclos
75 funciones
129 proyecciones
20.000 visitas a http://www.cineclublarosa.blogspot.com/

Centro Cultural y Biblioteca Popular Carlos Sánchez Viamonte

Cineclub La Rosa

Austria 2154

http://www.carlossviamonte.com.ar/

http://www.cineclublarosa.blogspot.com/

Las ciudades invisibles

2011-03-30T10:00:00.000-03:00

En abril veremos dos películas sobre ciudades envueltas en relatos míticos, fantásticos, que se parecen a las que conocemos, o no. Además, vuelve el Cineclub de los Chicos, y sobre fin de mes daremos inicio al próximo ciclo, homenajeando los 70 años de El ciudadano. Todo, con entrada libre en Austria 2154.

Nuestro ciclo de abril toma el nombre del fantástico libro de Ítalo Calvino, que a través del relato de ciudades mágicas, de ensueño, imaginadas, posibles e imposibles a la vez.

Para eso, tomamos dos relatos en donde los espacios, algunos más conocidos, otros menos, se envuelven en esa cosa mística del misterio, el deseo y la angustia. Los sueños como eje en La ciudad de los niños perdidos, la perturbadora película del dúo Caro-Jeunet, y luego la mezcla de realidad e irrealidad en una Buenos Aires que se presenta como otra, en el clásico de Hugo Santiago, Invasión.

Emiliano Penelas
Programador

Miércoles 6 de abril
LA CIUDAD DE LOS NIÑOS PERDIDOS
(La cité des enfants perdus, Francia/Alemania/España, 1995, color, 112 minutos)
Dirección: Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet.
Elenco: Ron Perlman, Daniel Emilfork, Judith Vittet, Dominique Pinon, Jean-Claude Dreyfuss, Geneviève Brunet y Mireille Mosse.

Un malvado que domina todo desde una plataforma marina tiene como punto débil la incapacidad de soñar, por lo que recurre a niños para obtener de ellos la cura a sus males. Bella y perturbadora, el dúo que había saltado a la fama con Delicatessen, mantiene ese universo de imágenes que los distinguió en los '90 y que Jeunet exploraría unos años después más colorido y menos lúgubre en Amelie.

Miércoles 20 de abril
INVASIÓN
(Idem, Argentina, 1969, blanco y negro, 125 minutos)
Dirección: Hugo Santiago.
Elenco: Olga Zubarry, Lautaro Murúa, Juan Carlos Paz, Roberto Villanueva, Martín Adjemián, Daniel Fernández y Ricardo Ormello.

Con guión de Jorge Luis Borges y Hugo Santiago, sobre un argumento de Adolfo Bioy Casares y el propio Borges, Invasión es un clásico de la ciencia ficción argentina, con Buenos Aires como Aquilea, ciudad rodeada por misteriosos invasores, ante la indiferencia de quienes la habitan. Metáfora porteña en donde La Bombonera es el escenario distintivo.

Adelanto ciclo Orson Welles
Durante mayo programaremos un ciclo dedicado a Orson Welles, comenzando con su máximo clásico, que el 1º de mayo estará cumpliendo 70 años de su estreno. El resto de la programación, que será anunciada oportunamente, continuará con La dama de Shangai el miércoles 4 de mayo, y Sed de mal, miércoles 18, siempre a las 20 horas.

Sábado 30 de abril
EL CIUDADANO
(Citizen Kane, EE.UU., 1941, blanco y negro, 113 minutos)
Dirección: Orson Welles.
Elenco: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, George Coulouris, Dorothy Comingore, Ray Collins, Agnes Moorehead y Paul Stewart.

Muere Charles Foster Kane, magnate de los medios de comunicación, y en Xanadú, su fastuosa mansión, pronuncia la palabra que revolucionará el cine, y despertará el misterio: Rosebud. La búsqueda de su significado nos hará recorrer la vida de Kane a través de laberintos, reconstruyéndola en un gran rompecabezas que sólo cerrará el espectador.

Vuelve el Cineclub de los Chicos
Como el año pasado, tomando el último sábado de cada mes como referencia, vuelve el ciclo de películas para los más pequeños.

En esta ocasión será una función en Súper 8 con cortometrajes de Chaplin y algunos dibujos animados para amenizar el encuentro, al que están invitados también los grandes. Será el sábado 30 de abril, a las 11 horas.

La pasión según Erice

2011-03-24T04:16:00.000-03:00

Última función del ciclo dedicado al gran cineasta español, en la que veremos cómo describe la vida de un pintor apasionado por pintar su membrillar. El miércoles 30 de marzo, a las 20, en Austria 2154, El sol del membrillo.

Miércoles 30 de marzo - 20 horas
EL SOL DEL MEMBRILLO
(Idem, España, 1992, color, 133 minutos)
Dirección: Víctor Erice.
Guión: Víctor Erice y Antonio López García.
Producción: Carmen Martínez y María Moreno.
Dirección de Fotografía: Javier Aguirresarobe y Ángel Luis Fernández.
Montaje: Juan Ignacio San Mateo.
Música: Pascal Gaigne.
Con Antonio López García.

Inclasificable, genial, conmovedora, Erice pone la mirada sobre el proceso creativo de Antonio López García, quien obsesionado con el membrillar que crece en su patio, intenta pintarlo con la misma obsesión y dedicación con que el cineasta trabaja el film.

Es otoño nuevamente, y como cada año, el artista intentará nuevamente capturar la esencia del árbol mientras la película aprovecha para reflexionar acerca del arte, la creación, la rutina, el paso del tiempo cronológico y estacional, hasta la llegada del invierno. La película obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes.

"López pinta, dibuja, se pelea contra la forma de un árbol. Erice se coloca detrás y aguarda. Una obra tan sincera como sencilla que sitúa al cine en los terrenos sólo recorridos por algunos maestros", dijo Luis Martínez en el diario El País de Madrid.

En palabras del propio director: “Especie de diario elaborado a partir de la captación directa de los hechos (todas las personas que aparecen en las imágenes se representan a sí mismas, y lo que dicen les pertenece), El sol del membrillo trata, más bien, de buscar una relación menos evidente entre la pintura y el cine, observados ambos en lo que tienen de instrumento de captura de lo real; es decir, como formas distintas de llegar al conocimiento de una posible verdad.”

Temporada 5 / Función 75
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Nuevo: suscripción automática por mail

2011-03-16T23:29:00.000-03:00

Además de enviar su correo a carlossanchezviamonte@yahoo.com.ar solicitando que se lo incorpore al mailing para estar al tanto de todas las actividades de la Biblioteca, ahora puede suscribirse directamente al blog del Cineclub La Rosa, recibiendo las actualizaciones en su casilla. Para hacerlo, deberá colocar su dirección de correo en la ventana de diálogo sobre la columna derecha y reconfirmar la suscripción una vez recibido el mail correspondiente.

Donde mira el corazón

2011-03-03T02:50:00.004-03:00

Nueva función del ciclo dedicado a Víctor Erice, con la presentación de su segundo largometraje: El sur, junto al corto Alumbramiento. Será el miércoles 16 de marzo a las 20 horas, en Austria 2154.

Miércoles 16 de marzo - 20 horas
EL SUR
(Idem, España, 1983, color, 95 minutos)
Dirección: Víctor Erice.
Guión: Víctor Erice, sobre la novela de Adelaida García Morales.
Producción: Elías Querejeta.
Dirección de Fotografía: José Luis Alcaine .
Montaje: Pablo González del Amo.
Música: Enrique Granados.
Elenco: Omero Antonutti, Sonsoles Aranguren, Icíar Bollaín, Lola Cardona y Rafaela Aparicio.

Una pequeña ciudad de provincias en los años cincuenta, en el norte. Un hombre callado, médico y zahorí, y su esposa, maestra depurada, viven con su hija Estrella, a cuya primera comunión acude la abuela, andaluza llena de magia. Ya adolescente Estrella tratará de descifrar el secreto de un antiguo amor que el padre conserva en el sur. Entre tanto, la complicidad, el misterio, la soledad...

Diez años después de El espíritu de la colmena, Víctor Erice reaparece en el mundo cinematográfico con su segunda película, basada en un relato inédito de Adelaida García Morales.

Película "inacabada", porque iba a durar dos horas y media y fue interrumpida en su rodaje antes del final, no deja sin embargo de ser una gran obra cinematográfica, digna de la maestría de Erice.

El director del Festival de Cannes, Gilles Jacob, señaló que se trata de "un clásico del cine" y que cuando se proyectó en el clásico encuentro francés, al finalizar "todos permanecimos en silencio durante varios minutos, con el fin de prolongar la emoción artística que nos apretaba la garganta. Aunque el filme esté perfectamente terminado, forme un todo, y los personajes sean interesantes, conmovedores y perfectamente dirigidos, y se aprecien la suavidad de la luz, la pureza de los encuadres y el rigor de la puesta en escena, es raro que uno llore en la visión de una copia de trabajo y raro también descubrir una película que nos enorgullezca del cine como arte".

El Sur fue considerada la mejor película del año en el Festival de Chicago, en la Muestra de Cine de São Paulo, en el Festival de Burdeos, y por las revistas Fotogramas y Reseña. La exquisita fotografía de José Luis Alcaine recibió el premio de la Guía del Ocio.

Junto al cortometraje
LÍNEA DE VIDA
(Lifeline, del largometraje Ten minutes older: The trumpet, Alemania, Gran Bretaña, España, Finlandia, China, 2002, blanco y negro, 10 minutos)
Guión y Dirección: Victor Erice.
Dirección de Fotografía: Ángel Luis Fernández.
Dirección de Arte: Javier Mampaso.
Elenco: Ana Sofia Liaño, Pelayo Suárez, Celia Poo, José Antonio Amieva y Fernando García Toriello.

Temporada 5 / Función 74
Cineclub La Rosa

Austria 2154

La vida de las abejas

2011-02-23T19:00:00.001-03:00

Comienza el ciclo dedicado a Víctor Erice con la presentación de su primera película, El espíritu de la colmena. Precioso relato intimista con Fernando Fernán Gómez y una niña llamada Ana Torrent. El miércoles 2 de marzo a las 20 horas, con entrada libre, en Austria 2154.

Miércoles 2 de marzo - 20 horas
EL ESPÍRITU DE LA COLMENA
(Idem, España, 1973, color, 97 minutos)
Dirección: Víctor Erice.
Guión: Ángel Fernández Santos y Víctor Erice.
Producción: Elías Querejeta.
Dirección de Fotografía: Luis Cuadrado.
Montaje: Pablo González del Amo.
Dirección de Arte: Jaime Chávarri.
Música: Luis de Pablo.
Elenco: Fernando Fernán Gómez, Teresa Gimpera, Ana Torrent, Isabel Tellería, Ketty de la Cámara y José Villasante.

En un pueblo de Castilla, en los años '40, dos niñas presencian una proyección de Frankenstein de James Whale que movilizará su mundo interior. En la visión de la pequeña Ana (Ana Torrent) se mezclarán una España franquista de posguerra, la presencia de lo mítico y lo fantástico.

A partir de ese momento, la colmena comienza a resquebrajarse. "Ana comienza a comprender el destino del monstruo en la película que ha visto en el cine del pueblo. Lo que no sirve es ya, de facto, dañoso; hay una amenaza latente para la colmena en todo lo que se resiste al marbete instrumental", apunta Fernando Savater en el prólogo al guión cinematográfico.

Se trata no sólo de uno de los films más emblemáticos de la historia del cine español, sino también la obra de un creador singular que parte de la experiencia personal y de toda una generación, para proponer un discurso universal sobre la infancia, las guerras, sus consecuencias y el propio cine.

El letargo con que se cuenta la historia no es otro que el de un país sumido en lo que serán sus décadas más oscuras. El paisaje, desolador, contrasta con el reducto ilusorio y mítico que intenta componer el padre (Fernando Fernán Gómez), envuelto en una fotografía ambarina que contrasta con los exteriores cubiertos de ceniza.

Maravillosamente narrada, con un asombroso tratamiento estético y visual, y un guión sin fisuras, Erice realizó "un discurso en todo caso elíptico que hace de las sombras y las ausencias su principal rasgo estilístico", señala el crítico Jaime Pena. Sin perder una mirada política y social, para Savater se trata de "un decidido alegato contra el fascismo".

La película fue premiada con la Concha de Oro del Festival de San Sebastián.

Temporada 5 / Función 73
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Víctor Erice, la mirada precisa

2011-02-21T10:00:00.001-03:00

Dedicaremos las tres funciones de marzo a la filmografía completa de uno de los grandes maestros del cine contemporáneo, que brinda su talento en cuentagotas: Víctor Erice. Como siempre, en Austria 2154, con entrada libre.

Nacido en la localidad vasca de Carranza, en 1940, Víctor Erice es un caso atípico en la historia del cine. Considerado uno de los grandes exponentes del séptimo arte, apreciado por cinéfilos que suelen apasionarse por sus obras, sólo ha rodado tres largometrajes a lo largo de casi cuatro décadas. La brevedad de su producción puede entenderse en su firme postura de no claudicar ante un sistema que limita la libertad de creación.

Licenciado en Ciencias Políticas en la Universidad de Madrid, Erice decidió ingresar luego en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, donde en 1963 se recibiría como director. Tras algunos cortometrajes y una participación fallida en un film episódico junto a Claudio Guerín y José Luis Egea (Los desafíos, 1969), el productor Elías Querejeta le propone rodar su primer largometraje.

Para entonces, según Jaime Pena en el Estudio crítico de El espíritu de la colmena (libro que forma parte del catálogo de nuestra Biblioteca), Erice parece "habrse reinventado a sí mismo" y luego de encontrar "acomodo en la publicidad, una dedicación que, a partir de este momento y durante los siguientes treinta años, le garantizará independencia económica y libertad a la hora de aceptar proyectos cinematográficos".

A pesar de la gran repercusión que obtiene el filme, Erice tarda diez años en presentar su próximo largometraje, El Sur, basado en un relato de Adelaida García Morales, con el que volvió a demostrar que el tiempo entre las dos películas le permitió concretar una nueva obra maestra.

Casi otra década le llevó El sol del membrillo, un largometraje experimental sobre el pintor Antonio López, que fue premiado en el Festival de Cannes. Junto a sus tres películas proyectaremos, en la segunda función, el cortometraje Alumbramiento, de 2002, que formó parte de la película coral Ten minutes older.

Emiliano Penelas
Programador

Miércoles 2 de marzo - 20 horas
EL ESPÍRITU DE LA COLMENA
(Idem, España, 1973, color, 97 minutos)
Dirección: Víctor Erice.
Elenco: Fernando Fernán Gómez, Teresa Gimpera, Ana Torrent, Isabel Tellería, Ketty de la Cámara y José Villasante.

Visto desde la cosmovisión de una niña, el mito de Frankenstein, la España de posguerra, los años del franquismo y un universo de fantasías son las herramientas que Víctor Erice elige para contar una película desde las sombras, poniéndo el énfasis en lo que no se dice y en una manifestación estética asombrosa.

Concha de Oro del Festival de San Sebastián.

Miércoles 16 de marzo - 20 horas
EL SUR
(Idem, España, 1983, color, 95 minutos)
Dirección: Víctor Erice.
Elenco: Omero Antonutti, Sonsoles Aranguren, Icíar Bollaín, Lola Cardona, Rafaela Aparicio, Aurore Clément y Francisco Merino.

Nuevamente con el trasfondo de la post Guerra Civil Española, un médico y su mujer viven con su hija en el norte de España. Exiliados de Andalucía por motivos políticos, la niña vive fascinada por la figura paterna y sus cuentos sobre el sur, pero a medida que se acerque a la adolescencia comenzará a descubrir algunas cosas ocultas.

Junto al cortometraje
ALUMBRAMIENTO
(Lifeline, Alemania, Gran Bretaña, España, Finlandia, China, 2002, blanco y negro, 10 minutos)
Dirección: Víctor Erice.
Elenco: Ana Sofia Liaño, Pelayo Suarez, Celia Poo, José Antonio Amieva y Fernando García Toriello

Miércoles 30 de marzo - 20 horas
EL SOL DEL MEMBRILLO
(Idem, España, 1992, color, 139 minutos)
Dirección: Víctor Erice.
Con Antonio López García.

Uno de los directores más exquisitos del cine español pone su cámara al servicio de un artista plástico (Antonio López) obsesionado con pintar el membrillero de su jardín, al sol de la mañana, con la mayor exactitud posible.

Premio Especial del Jurado en Cannes.

Un elefante ocupa mucho espacio

2011-02-16T21:15:00.003-03:00

Lo que en un principio iba a ser una función única dedicada al gran director norteamericano, termina siendo un pequeño ciclo dedicado a dos de sus películas referidas al complejo mundo de la juventud. En esta ocasión veremos Elephant, el miércoles 23 a las 20 horas, con entrada libre.

Miércoles 23 de febrero - 20 horas
ELEPHANT
(Idem, EE.UU., 2003, color, 99 minutos)
Guión y Dirección: Gus Van Sant.
Producción: Dany Wolf.
Dirección de fotografía: Harris Savides.
Montaje: Gus Van Sant.
Dirección de arte: Benjamin Hayden.
Elenco: Alex Frost, Eric Deulen, John Robinson, Elias McConnell, Jordan Taylor y Carrie Finklea.

Ganadora de la Palma de Oro y el premio a la Mejor Dirección en Cannes, Elephant es posiblemente una de las películas que mejor retrate los conflictos adolescentes de nuestros tiempos.

Basada en la matanza ocurrida en Columbine que Michael Moore documentara en su película Bowling for Columbine (función 52 de nuestro Cineclub), Van Sant no juzga ni condiciona la visión de los terribles hechos que ficcionaliza, sino que en su visión de extrema riqueza visual y estética se dedica a horadar la piedra lentamente.

Y en ese desarrollo lento, disperso y a un ritmo particular, nos damos cuenta de que la tragedia se avecina, y comprendemos que es imposible detener. El director va desarrollando su aguda mirada sobre los conflictos ocultos de una sociedad, poniendo la lupa en el elefante al que alude el título, ése que se esconde en la habitación, pero nadie quiere ver.

Temporada 5 / Función 72
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Feliz cumpleaños, Cobain

2011-02-09T10:00:00.000-03:00

El 20 de febrero Kurt Cobain cumpliría 44 años de vida, si no se hubiera interrumpido trágicamente hace casi 17. Gus Van Sant se inspiró en esos "últimos días" para construir un relato sensible e intimista que veremos el miércoles 16 a las 20 horas, en Austria 2154.

Miércoles 16 de febrero - 20 horas
LOS ÚLTIMOS DÍAS
(Last days, EE.UU., 2005, color, 99 minutos)
Guión y Dirección: Gus Van Sant.
Producción: Dany Wolf.
Dirección de fotografía: Harris Savides.
Montaje: Gus Van Sant.
Dirección de arte: Tim Grimes.
Música: Rodrigo Lopresti.
Elenco: Michael Pitt, Lukas Haas, Asia Argento, Scott Green, Nicole Vicius y Ricky Jay.

Van Sant, director de Milk, Paranoid Park, Elefante, En busca del destino y Mi mundo privado, entre otras, narra con maestría y sensibilidad el mundo interno de una estrella de rock extinguiéndose, con la inspiración libre de los últimos días de Kurt Cobain, líder de Nirvana que el 20 de febrero estadía cumpliendo 44 años.

Temporada 5 / Función 71
Cineclub La Rosa
Austria 2154

Los jóvenes Van Sant

2011-02-08T01:44:00.001-03:00

Originalmente sólo íbamos a proyectar Los últimos días, pero la película de Gus Van Sant nos hizo pensar en otro de sus memorables films sobre la problemática de la juventud a través de su mirada, y presentaremos Elephant, con la que obtuvo la Palma de Oro en Cannes a la mejor película y dirección.

Miércoles 16 de febrero - 20 horas
LOS ÚLTIMOS DÍAS
(Last days, EE.UU., 2005, color, 99 minutos)
Guión y Dirección: Gus Van Sant.

Miércoles 23 de febrero - 20 horas
ELEPHANT
(Idem, EE.UU., 2003, color, 81 minutos)
Guión y Dirección: Gus Van Sant.

Función suspendida

2011-02-07T21:41:00.000-03:00

Aunque no lo anunciamos en nuestro blog, para quienes vinieron a funciones anteriores promocionamos que el viernes 25 de febrero presentaríamos El amigo americano, de Win Wenders, junto al Cineclub Dynamo, con proyección en 16mm. La función ha sido aplazada para el próximo mes. Oportunamente informaremos la nueva fecha.